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16 películas con las que celebrar el Día de la Animación o para ver cualquier otro día

Nerea Dolara

Foto: Sony Pictures
Sony Pictures

Es una disciplina que puede con todo, la imaginación es el límite. Aquí las que tendrías que ver si quieres celebrar el día de la animación haciendo honor a todas sus posibilidades.

Sí, el cine es mágico. Relata historias, se permite saltarse las normas de la lógica o de la física, inventa mundos en que existen criaturas completamente ficticias… pero si hay una disciplina audiovisual que se gana el premio a la mayor cantidad de magia por hora de trabajo esa sería la animación. Si el cine live action tiene la ventaja de los efectos especiales, ellos tienen como límite los de la imaginación… pocos más.

16 películas con las que celebrar el Día de la Animación 1
¿Quién mató a Roger Rabbit? | Imagen vía: Touchstone Pictures

El 28 de octubre se celebra el Día Internacional de la Animación y queremos celebrarlo. Así que decidimos hacer una lista de películas que deberías ver para celebrar esta vertiente del cine que, como hemos establecido muchas veces, es de todo menos sólo para niños.

La animación tiene muchas versiones, muchas interpretaciones… básicamente cada autor y cada historia puede contarse de infinitas formas y la elección del diseño de los personajes y el espacio es parte importante de la narración en sí. En esta lista hay de todo tipo de animación: dibujada, 3D, stop-motion; y de todo tipo de historias: las más clásicas de Disney, las geniales de Estudio Ghibli, unas psicodélicas, otras novedosas, otras inmortales… es larga pero vale la pena. Prepara palomitas y dedica esta semana a sumergirte en mundos más especiales que cualquiera otros.

Blancanieves (1937)

La película que inició el reinado de Walt Disney fue considerada, antes de su estreno, una catástrofe. Tomó años y millones de dólares terminarla y en ese tiempo sentarse en el cine ante una película de dibujos animados de una hora y algo más parecía descabellado. Sabemos lo que pasó. Blancanieves revolucionó el cine animado y la industria en general. Inauguró lo que se conocería como “los clásicos de Disney”. En 1938 fue la primera película de dibujos animados en participar en los Óscar, donde se llevó el premio a la Mejor Banda Sonora.

Actualmente una de las copias originales está en el National Film Registry en EEUU y es considerada por mucho expertos del cine como el primer largometraje animado.

El submarino amarillo (1968)

Basada en las canciones de los Beatles, la película fue un éxito con público y crítica. Con un estilo muy de la época, y que se convirtió en mito tras su estreno, Yellow Submarine incluía canciones de la banda británica, pero no sus voces: otros actores los interpretaron. Los Beatles sólo grabaron la escena final. El responsable de la dirección y la animación es George Dunning, que pasó a la historia por este largometraje. Se le reconoce a la película haber colaborado con que la animación se tomase más en serio como forma de arte… y es muy divertida, eso sin duda.

¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988)

La primera de su especie. Esta película, un film noir muy especial, mezcló con maestría animación y personajes reales. De hecho, su co-protagonista, el detective Eddie Valiant, y el juez Doom, son los personajes humanos con más preponderancia, los demás: Roger Rabbit, Jessica Rabbit y una larga lista de otros habitantes de Toontown, son dibujos. La historia, que se desarrolla en los cuarenta en Hollywood, relata el asesinato del poderoso ejecutivo Acme y la investigación que tiene al conejo-actor Roger Rabbit como principal sospechoso. La película es un logro impresionante de efectos especiales -la mezcla de objetos reales manipulados por dibujos es infalible hasta el día de hoy- y le dio al cine personajes tan memorables como Jessica Rabbit y su línea: “No soy mala, solo me dibujaron así”.

Akira (1988)

Este largo de anime es un clásico de culto desde su estreno en los ochenta. La historia de ciencia ficción fue dibujada y dirigida por Katsuhiro Otomo, autor del manga en que se basa la película. Con su historia distópica, Akira marcó un hito en la animación, no sólo japonesa sino universal. Tuvo un altísimo presupuesto, impensable en la época en que en Japón se recurría a la animación reducida (sólo mover las bocas de los personajes, por ejemplo), y largas secuencias detalladas, una banda sonora de diálogos pre-grabados y acabados en ordenador. En muchos círculos de crítica se considera una de los mejores largometrajes animados de la historia, así como una de las mejores películas del género de ciencia ficción.

Toy Story (1995)

Llegó y cambió la animación para siempre. La primera película animada en su totalidad en un ordenador, la historia de los juguetes de Andy fue la primera producida por Pixar, el estudio que se convertiría en el nuevo dios del género sin mucha dificultad. Una mezcla de humor y corazón, además de una historia tan universal que es difícil imaginar cómo no se había llevado antes al cine (¿o qué niño puede decir que no se imaginó que sus juguetes vivían cuando no los veía?), Toy Story es una obra maestra no sólo de técnica sino de narración, una película que se merece su estatus.

Princesa Mononoke (1997)

Hayao Miyazaki es de esos nombres que saltan cuando se habla de cineastas, de verdaderos autores. El japonés tiene una amplia cinematografía, toda excelente y exquisita, pero Princesa Mononoke podría considerarse la mejor de una larga lista de muy buenas películas. Delicada, arriesgada, única, la película no sólo tiene un siempre vigente mensaje ambientalista y pacifista, sino que es uno de los mayores éxitos internacionales de Miyazaki. La realidad es que ver a Mononoke sólo dará ganas de buscar sus demás obras… y sí, todas deberían estar en esta lista.

La sirenita (1989)

Fue la mayor película en la historia de Disney tras Blancanieves. Estuvo estrenándose alrededor del mundo durante dos años y ganó millones de dólares, la primera en una década en ser un éxito y la responsable de resucitar las películas animadas de la compañía. Originalmente, Walt Disney pretendía dirigirla y de hecho se comenzó a desarrollar la historia junto con Blancanieves, pero cuando esta resultó ser complicada se dejó de lado. La animación fue una hazaña como pocas para el momento. Se estima que se dibujaron más de un millón de burbujas, su banda sonora se considera digna de Broadway y fue la última película de la compañía en animarse de la manera tradicional, con serigrafía.

Persépolis (2007)

Basado en la novela gráfica del mismo nombre, este filme relata la vida de su autora, la iraní-francesa Marjane Satrapi. Parte su historia de crecimiento como mujer, parte historia de su familia y parte historia de su país, Persépolis fue también dirigida por Satrapi para la pantalla. La película ganó el premio del jurado en Cannes y compitió por un Óscar a Mejor Película Animada. Conmovedora y a la vez llena de humor, Persépolis es un canto a la libertad que merece ser visto.

Coraline (2009)

Esta historia puede parecer para niños, pero tiene un lado oscuro. Basada en un relato de Neil Gaiman, Coraline se centra en una niña que, harta de su vida familiar, se alegra al descubrir una puerta a otro mundo en su nueva casa. Una nueva madre y un nuevo padre, nuevos vecinos… algo como un mundo espejo del suyo…en que todos tienen botones por ojos. Lo que pasa luego no es especialmente enternecedor, más bien pertenece a una película de miedo, pero Coraline triunfa como fábula y como obra de arte. La animación en claymation es delicada y detallada y el 3D -utilizado sólo para generar profundidad- le da una sustancia casi horrorífica a este mundo. La cinta logró hacer más de 100 millones de dólares en taquilla y fue adorada por la crítica. Y fue nominada al Óscar como Mejor Película Animada.

Waltz with Bashir (2008)

Este drama biográfico relata la experiencia de su director, Ari Folman, rastreando sus recuerdos y experiencias en la Guerra con Líbano de 1982. La historia sigue a Folman que, tras reencontrarse con un compañero del ejército de los tiempos de la guerra -que no para de tener pesadillas sobre sus acciones-, se da cuenta que no tiene recuerdos sobre situaciones en las que participó. Así que decide ir en busca de la verdad y descubrir qué pasó la noche de las masacres de Sabra y Shatila y cuál fue su papel. La película compitió por la Palma de Oro en Cannes y como Mejor Película Extranjera en el Oscar.

Lego Movie (2014)

No era la primera vez que un juguete intentaba crear un mundo cinematográfico (ya lo había hecho Transformers, con dudosos resultados; o Battleship con terribles resultados) pero sí fue la primera que el producto final trascendió al producto en venta y se convirtió en una de las mejores películas del año. Lego Movie sigue los pasos de toda fábula animada: héroe reticente descubre que tiene el poder de lograr lo que desea si cree en sí mismo. A esto se agrega una creencia fiel en que el trabajo colectivo ayuda al colectivo. Se le llegó a acusar de comunista en EEUU… pueden imaginar quiénes. En fin, la película utiliza los legos visualmente con inteligencia y aprovecha el hecho de que Lego paga derechos por reproducir las figuras de personajes como Batman, Superman, Lincoln, Linterna Verde, La Mujer Maravilla y pare de contar, y los convierte en parte fundamental de la historia. Y el humor… Batman ganó tantos puntos como un ególatra malcriado obsesionado con ser oscuro que este año estrenó su propia película de Lego. Es divertida e ingeniosa a partes iguales.

Anomalisa (2015)

Tras dirigir Synechdoche New York y escribir Adaptation y Being John Malkovich, Charlie Kaufman dio un paso más en su exploración del cine como medio para contar historias. Eligió hacerlo con una animación en stop motion, exclusivamente adulta (es R-Rated), sobre un experto en experiencia del consumidor que percibe a todas las personas como iguales, salvo a una mujer excepcional. La película, basada en una obra de teatro que había escrito, enamoró a la crítica y aunque tuvo poca distribución logró obtener una nominación a Mejor Película Animada, la primera para una con ese rating.

Fantastic Mr. Fox (2009)

Basada en los cuentos de Roald Dahl, esta película de stop motion es una de las mejores de su director: Wes Anderson. Sin romper con su estilo Anderson se deleita retratando la vida de Mr. Fox y su familia, así como su lucha entre establecerse y preservar su esencia animal. Lucha entre la domesticación y el instinto, este relato sirve como una gran fábula del hombre moderno y es tan detallista y tiene tal sentido del humor que le costará, incluso a quienes no disfrutan a Anderson, no pasarlo bien viéndola.

Las trillizas de Belleville (2003)

Una extraña animación, suma de melancolía y humor, llena de una opresiva sensación de pérdida, pero de una gran esperanza… y claro, también repleta de canciones excepcionales y una extraña trama. Madame Souza es una anciana que decide salir de su casa en busca de su nieto, un ciclista profesional secuestrado en medio de una carrera. Su viaje la lleva a conocer a las trillizas de Belleville. Y lo demás… es mejor verlo. La película, la primera de Sylvain Chomet, se proyectó en Cannes y compitió por el Óscar a Mejor Película a Animada y Mejor Canción.

Mary and Max (2009)

Dramedia australiana sobre la relación de amistad entre una solitaria y melancólica niña en Australia y un judío cuarentón con Asperger en Nueva York. Dispares pero capaces de entenderse, estos dos seres se acompañan a través de los momentos más felices y más devastadores de sus vidas. No es una película para niños, no realmente. El peso de los dolores de la vida, de las malas partes de la humanidad, y de los propios errores, es demasiado para eso. Pero sí es, con su tono agridulce, la bella historia de una amistad. Y Philip Seymour Hoffman interpreta al co-protagonista, y eso siempre vale la pena escucharlo.

Fantasía (1940)

La tercera película de Disney y un fracaso de taquilla es este invento que merece ser repasado más de una vez. La historia se resume en ocho viñetas con diferentes historias y tipos de animación, que se desarrollan al ritmo de piezas de música clásica de compositores como Bach o Tchaikovski. La orquesta fue dirigida por Leopold Stokowski y es la primera película en estrenarse que tuvo sonido estereofónico. Muchas de sus imágenes se han incrustado en el inconsciente colectivo, incluso este año sirvieron de estampados en la colección de otoño/invierno de Mary Katrantzou.

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6 series animadas que no son para niños

Nerea Dolara

Bojack Horseman estrenó su cuarta temporada la semana pasada rodeada de alabanzas críticas. Pero no es la única serie animada que todos los adultos deberían ver. ¿Qué crees que es tema de niños? No tienes idea.

La semana pasada se estrenó la cuarta temporada de Bojack Horseman en Netflix. Esta serie, que en su última entrega podría definirse con dos adjetivos – devastadora e hilarante – es la última en una lista creciente de show animados para adultos que bien podrían ya tener su propia categoría como series de comedia y drama en los Emmy. Bojack es genial en su mezcla de temáticas fuertes (la nueva temporada se adentra en la herencia del trauma, la demencia y la desintegración de un matrimonio) y de risas encantadoras (como sus chistes visuales, su visión humorística con respecto a sus personajes animales y su enganche con tramas de humor del más tontuno). Una serie que, si no fuese animada (además de no ser tan brillante) sería tomada mucho más en serio.

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Los personajes de Bojack Horseman | Imagen vía Netflix

Bojack Horseman tiene como protagonista al personaje homónimo, un ex actor fracasado, que vive del dinero de una vieja mala sitcom que hizo en los noventa. Con él vive Tod, un joven sin trabajo y con una constante necesidad de complacer a todo el mundo, que es también asexual. También le acompañan su agente es una gata rosa llamada Princess Carolyn, que afronta el paso del tiempo y su frustración por no poder formar una familia. Diane, una periodista frustrada que se hace su amiga cuando escribe su biografía, lucha con la depresión y una enorme sensación de insatisfacción. Y el esposo de Diane, Mr. Peanutbutter, un labrador ex actor, es un tonto dulce con nada de maldad y mucha ignorancia. Con el paso de las temporadas la oscuridad de las tramas y la complejidad de las tramas, así como las consecuencias de las malas decisiones, pesan sobre estos personajes de maneras sublimes y dolorosas.

La serie del ex actor-caballo consumido por su vacío existencial no es la única que seduce a adultos en busca de series de buena calidad que ver. Incluso algunas que se suponen para niños… ofrecen tramas y personajes atractivos para un público que dejó la infancia atrás hace rato.

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Archer | Imagen vía FX

Archer

Esta serie de FX cuenta con nueve temporadas y tiene como protagonista a Sterling Archer, un espía que se autocataloga como “el mejor del mundo”. Como es de esperar es un ególatra, pero es también una sátira de Don Draper que bebe y trata a las mujeres como, bueno, como estos hombres retro y machistas. Trabaja junto a su madre, jefa de su agencia, una mujer castradora y hostil. La serie dio un giro absoluto en la temporada cinco cuando, tras ser desbancados por el gobierno, deciden convertirse en narcotraficantes… de ahí Archer ha jugado a cambiar y reinventarse muchas veces, siempre con humor negro.

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Bob’s Burgers | Imagen vía FOX

Bob’s Burguers

Con ocho temporadas y dos Emmys a programa animado, esta sitcom sobre una familia que lleva un restaurante de hamburguesas. La historia de los Belcher se centra en la lucha por hacer que su negocio funcione y, a la vez, en las relaciones de la familia. Muy graciosa y con corazón, merece la pena ser vista. Y todos los críticos llevan años diciéndolo. En 2012 la eligió la décima mejor serie del año.

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Rick y Morty | Imagen vía IMDB

Rick and Morty

Tiene sólo tres temporadas, pero es otra de las que tiene una lista de fieles seguidores. Comenzó como un corto animado de parodia de Regreso al futuro y se convirtió en una oscura (tiene un humor muy negro y sarcástico) serie sobre un abuelo cínico, que además es un cinetífico loco, y su manipulable nieto. La historia salta entre su dinámica familiar y sus experimentos alocados e interdimensionales.

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Adventure Time creada por Pendleton Ward para Cartoon Network. | Imagen vía Cartoon Network

Adventure Time

Pensada para niños, esta serie, que lleva nueve años al aire, mezcla la imaginería de videojuegos y juegos de mesa, como Calabozos y dragones. De todas es la que más premios ha recibido: Emmy, Peabody, Critic’s Choice y hasta un premio de Sundance. Los protagonistas son Finn, un niño aventurero, y su hermano adoptivo, Jake, un perro que puede cambiar de tamaño y forma.

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Steven Universe fue creada por Rebecca Sugar para Cartoon Network. | Imagen vía Cartoon Network.

Steven Universe

Prima cercana de Adventure Time, fue creada por una ex dibujante de la primera. La serie infantil se centra alrededor de Steven quien vive con tres “Gemas” una mezcla mágica de alien y humanoide. Juntos protegen al mundo. La serie ha ganado seguidores rápidamente, tiene sólo cinco temporadas, por su trato de sus personajes LGBTQ o de las diferencias en el color de piel o la identidad corporal.

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7 elementos de cultura pop para conocer a Charlie Manson

Nerea Dolara

El asesino y líder de un culto se convirtió en icono pop y ha sido el sujeto de muchas creaciones culturales. Ahora que ha muerto te recomendamos desde libros hasta podcasts sobre este tenebroso personaje que tanta obsesión ha generado desde los sesenta.

No es un secreto que los asesinos despiertan una oscura curiosidad en la gente “normal” (véase Seven o más recientemente Mindhunter, por ejemplo). Tampoco lo es que gracias a esa pulsión la cultura les ha dedicado muchas horas y páginas a sabiendas de que siempre habrá personas interesadas en saber más. Uno de los asesinos que se ha mantenido como una enorme figura influyente, incluso tras años de cárcel, es Charles Manson. El hippie que quería ser músico y que terminó liderando varios sangrientos asesinatos murió esta semana, pero su presencia sigue siendo amplia y poderosa en la cultura. Manson y sus crímenes están en todos los géneros y aquí revisamos su presencia en la cultura y qué puedes mirar, leer o escuchar si quieres descubrir su larga influencia en la cultura.

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Un libro

Las chicas tuvo un éxito inusitado el año pasado. No es de extrañar. La primera novela de Emma Cline relata, con nombres cambiados, la experiencia de una chica de clase media que deja su casa para unirse a un grupo de casi adolescentes que viven con un gurú, una clara referencia a Manson y La Familia. La novela retrata con maestría el momento histórico y la capacidad de Manson de atraer, seducir y someter. Su cariño y su violencia, su volátil personalidad. Y retrata a las chicas, todas amantes, todas jóvenes, todas perdidas. Una novela que no romantiza un tiempo que muchas veces se ha visto como idílico, que relata una historia dura y a la vez capaz de enganchar.

7 elementos de cultura pop para conocer a Charlie Manson

Un disco

The Downward Spiral, de Nine Inch Nails (1994), no sólo recicla letras de Mechanical Man, una canción de Charles Manson, e incluye una colaboración con Marilyn Manson (cuyo apellido falso proviene claramente del nombre del asesino), sino que se grabó en 10025 Cielo Drive, la casa en que Sharon Tate y sus amigos fueron brutalmente asesinados y donde Trent Reznor construyó un estudio al que llamó Pig (en referencia a las pintadas que los asesinos dejaron en las paredes). Reznor luego reconoció que tal vez esto fue un error. The Guardian lo cita explicando que poco después se encontró con la hermana de Tate que le reclamó por explotar la muerte de Sharon. “Por primera vez pensé: ¿Y si fuese mi hermana?. Pensé: Que se joda Charlie Manson. No quiero que me vean como alguien que apoya a un asesino en serie”.

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Un ensayo

The White Album es un extenso ensayo en que Joan Didion analiza -posteriormente, se publicó en los setenta pero habla de su vida en la California de los sesenta- el fenómeno hippie y de la contracultura en California y su vida en ese tiempo. Los asesinatos perpetrados por La Familia aparecen en el libro y Didion los identifica como los responsables de la muerte de un momento, de un espíritu libre y despreocupado. California se llenó de paranoia y miedo. Y cuando Manson, el perfecto ejemplo del hippie descarrilado (el discurso dominante en los medios) fue detenido, el flower-power recibió su última estocada. Didion entrevistó a Linda Kasabian, una de las asesinas y amantes de Manson, más de una vez, de hecho le compró el vestido que llevó a su juicio. Y en el libro relata estas conversaciones.

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Una serie

Aquarius no tuvo demasiado éxito, pero claramente cuenta la historia de los comienzos de Manson y lo que va a venir después. Un policía, completamente conservador y que rechaza a los hippies, interpretado por David Duchovny, sigue la pista de una adolescente desaparecida que se une al grupo de un gurú. La serie se toma libertades, pero resulta un ejercicio interesante.

Una canción

Death Valley 69, de Sonic Youth, hace referencia directa a Manson, La Familia y los asesinatos. La canción fue llamada por Rolling Stone “la mejor fusión de punk y estética de película de terror que ha hecho la banda”.

Un podcast

You Must Remember This es un excelente podcast sobre historia de Hollywood que hace Karina Longsworth, antigua jefa de cultura del L.A. Times. ¿Qué hace la historia de Charles Manson en su podcast? La serie de 10 episodios sobre el asesino existe en sus archivos porque, como sabrá casi todo el mundo, los discípulos de Manson mataron, entre otras personas, a la actriz Sharon Tate, esposa de Roman Polanski. Las muertes afectaron no sólo al país y al verano del amor, que mucha gente considera que murió en ese instante, sino al mundo del cine. Profundamente investigada, la serie relata la completa historia de Manson y cómo pasó de ser un extraño y violento aspirante a músico a líder de un culto con tendencias asesinas. Una joya del periodismo y un excelente retrato de ese tiempo y este personaje.

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Una película

Manson (1973) es un documental nominado al Oscar en que el cineasta, Robert Hendrickson, tuvo total acceso al rancho que era hogar de La Familia y entrevistó a sus miembros antes, durante y tras los juicios por los asesinatos Tate-LaBianca. También habla con ex miembros de la familia y muestra segmentos de noticias y análisis del momento en televisión. El documental presenta la visión que tienen los seguidores de su líder y de lo que defiende. Interesante y aterrador.

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Los vencedores siempre pagan mejor

Jordi Bernal

Foto: YouTube
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Se cumplen 75 años de Casablanca. No es objetivamente la mejor película de la historia del cine, y sin embargo es puro cine. En Casablanca, más precisamente en el humeante bar de Rick, se hacina una manera de hacer cine, de verlo, destriparlo y sobre todo vivirlo. Una mitología anclada en el siglo XX y convertida irremediablemente en nostalgia cinéfila. Aunque algunas líneas de guión todavía refuljan como navajas ansiosas, su invocación solo sirve ya como un guiño cansado o como material con que se forjan ocurrentes tuits.

El film nació con una voluntad manufacturera. Un producto más en la cadena de montaje de la gran fábrica de sueños que fue Hollywood antes de la avalancha de tipos disfrazados de fantoches que vuelan y mareantes videojuegos para adultos infantilizados. Fue pura carambola y azar. Es bien sabido que el libreto se escribió a salto de mata, en orgía de guionistas e improvisando diálogos en el set, que Bogart daba por perdido su pasaje a la fama, que el director de fotografía Arthur Edeson bordeó el ataque de nervios intentando primeros planos de Bergman sin sombras en su peculiar nariz, que el realizador Michael Curtiz naufragó en su intento de imponer control al caos o que los capitostes de la Warner se planearon en varias ocasiones cargarse el proyecto.

Pero tal vez la improvisación y la urgencia sean dos de las condiciones más admirables en esta obra inmarcesible. Pues detrás de una acartonada historia de amor a manera de triángulo melodramático y zurcido con lapidarias sentencias de corazón latiendo a cañonazos, palpamos el transcurrir vertiginoso de su tiempo. El cínico Rick encarna esa América que no tuvo más remedio que mojarse frente a la propagación del horror. Pese a que finja que su nacionalidad es el alcohol y su única bandera un dólar ondeante, el sentimental toma al fin partido por esa Europa amada y perdida (Ilsa) con su mítica y mitificada resistencia (Victor Laszlo). Como compañero de fatigas, el turbio y fascinante capitán Louis Renault, quien mandará al infame gobierno de Vichy a la basura de la historia.

Esa es a mí entender la más emocionante cualidad de Casablanca: convertir un estridente melodrama en un talentoso aldabonazo propagandístico requerido por las circunstancias. Mientras Leni Riefenstahl ofrecía al III Reich un imaginario colosal de fuerza mecánica y masa enardecida, en defensa de los aliados sonaba La Marsellesa empañando ojos y sacudiendo conciencias en un tugurio clandestino de África.

Frente a estadios erizados de antorchas, trapos sangrientos y cánticos oscuros, un enclenque buscavidas neoyorquino prefigura la ética y la estética del héroe existencialista. Luchador contra la anexión de Austria y del lado de los perdedores en la Guerra Civil española. ‘Pagaban bien’, le dice al respecto Rick al capitán Renault. A lo que este último responde inapelable: ‘Los vencedores pagaban mejor’.
Así es. La enseñanza de Rick también supone la aceptación cargada de hombros de que los vencedores siempre pagan mejor.

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10 de los mejores directores indies vuelven a las salas de cine

Nerea Dolara

Foto: Imagen de How to Talk to Girls at Parties
Focus Features

Antes del 2018 una decena de películas de autores indie que todos amamos llegaran a los cines y, en muchos casos, intentarán competir por el Óscar. ¿Ya sabes cuáles son?

Este año ya llegaron a las salas estrenos de nombres del indie como Sofía Coppola, Noah Boumbach o Darren Aronofsky, pero aún quedan muchos más autores indies por aparecer en las salas antes de que el año termine. Toma nota, estas películas son de visión obligatoria si eres fan del cine de autor.

Phantom Thread

La nueva película de Paul Thomas Anderson, y el que se ha anunciado que será el último proyecto en que participe Daniel Day Lewis como actor, llegará pronto a las salas. En el Londres de los años cincuenta un sastre, Day Lewis, reina como el encargado de las prendas que lleva la realeza, las celebrities y demás ricos y famosos de la ciudad. Su vida es organizada, atrapada en un patrón si se quiere. Todo eso cambia cuando conoce a Alma, una mujer fuerte e independiente, que se convierte en su musa y su amante. Siendo la última actuación de Day Lewis ya se habla de que obtendrá una nominación al Óscar como Mejor Actor, incluso algunos hablan de que lo ganará.

Lady Bird

Vale, esta es una especie de trampa. Greta Gerwig nunca ha dirigido, pero la actriz y guionista es en parte responsable de muchos de los mejores proyectos que ha estrenado últimamente su pareja, Noah Baumbach (Frances Ha o Mistress America) y con esta dramedia se lanza a las aguas de la dirección sin miedo y con tanta albanza crítica que resulta difícil no imaginar que la nominen a un Óscar. Lady Bird, que tiene a Saoirse Ronan como protagonista, es una historia de madurez semi autobiográfica que Gerwig lleva a la pantalla con humor y exactitud. Y lo dicho, la crítica la adora, incluso ha utilizado en varias ocasiones la palabra perfecta para describirla. ¿Lo será?

Isle of Dogs

Wes Anderson vuelve al ruedo con una nueva película animada con stop motion. Si su incursión anterior en el género -‘Fantastic Mr. Fox’- es indicador, ‘Isle of Dogs’ promete y mucho. La historia es ya de por sí extraña y llamativa: un malvado gobernante japonés absolutista decide desterrar a todos los perros a una isla basurero. Cuando un niño pierde a su mascota gracias a la ley, opta por embarcarse en una arriesgada misión de búsqueda. En la isla los demás perros los ayudarán a encontrar a su mejor amigo y sortear todo tipo de riesgos. ¿Es temible que la película sufra críticas por situarse en Japón y tal vez estereotipar a sus personajes? Sí, pero no queda sino esperar.

The Death of Stalin

Armando Ianucci, el genio de la comedia política que dirigió Into the Loop y creó Veep, vuelve a las andadas con esta comedia negra sobre los últimos días de la vida del dictador soviético. Si se piensa que la muerte del gobernante se manejó con delicadeza y pensamiento estratégico… no fue así. En medio del fallecimiento se suceden malentendidos e intentos de toma del poder, todo repleto del humor caústico de Ianucci y de sus afilados diálogos.

The Killing of Sacred Dear

La langosta fue la primera incursión de Yorgos Lanthimos en el cine de habla inglesa. El cineasta griego siente predilección por historias retorcidas, metafóricas y, básicamente, únicas. Si con la anterior hizo pasar a sus personajes por la amenaza de ser convertidos en un animal si no encontraban pareja, con esta se adentra en el cine de terror: una pareja con una vida doméstica ideal ve su tranquilidad romperse cuando un joven adolescente amenaza con revelar secretos del pasado.

How to Talk to Girls at Parties

John Cameron Mitchell (Rabbit Hole y Shortbus) vuelve, esta vez con una adaptación de un cuento de Neil Gaiman. Una extraterrestre que se separa de su grupo conoce a un joven fanático del punk en el Londres de los setenta y decide explorar parte de la ciudad y de la vida humana junto a él. La película se estrenó en Cannes y tiene como protagonistas a Elle Fanning y Nicole Kidman.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Del director Martin McDonaugh, responsable de ‘In Brugges’, llega este drama que ya le ha ganado fuertes rumores de Óscar a Frances McDormand, que la protagoniza. La historia tiene al frente a una madre que, tras el asesinato sin resolver de su hija, decide increpar a la policía de su pueblo alquilando tres grandes vallas publicitarias donde se pregunta por qué no hacen su trabajo. Crítica, emocional y muy acorde con el momento rebelde de los liberales en un mundo en que Trump es presidente, esta película tiene ventajas en los Premios de la Academia.

Call Me by Your Name

Luca Guadagnino, que se ganó un lugar en las listas de críticos y amantes del cine cuando estrenó I am Love, y que lo corroboró con A Bigger Splash (en que brillan Ralph Fiennes y Tilda Swinton), vuelve con una de las películas que ha enamorado a todo el que la ha visto en festivales internacionales y que tiene muchas posibilidades de llevarse algún Óscar. La historia es la de un joven que descubre el amor cuando se enamora de un estudiante de posgrado que visita la casa de verano de su familia, invitado por su padre que es también su profesor. Una historia de madurez y de auto descubrimiento, del primer amor y de deseo.

Wonderstruck

Todd Haynes (‘Far From Heaven’, ‘I’m Not There, Carol’) se adentra en el mundo infantil con su nueva película. Ubicada en dos momentos temporales, la historia salta entre las aventuras de dos niños. Rose, en 1927, abandona su casa en Nueva Jersey, para ir en busca de su madre. 50 años después, Ben, que hace poco perdió a su madre, decide emprender la búsqueda de su padre. La película está basada en una novela del mismo nombre.

Downsizing

Alexander Payne (The Descendants) se adentra en los terrenos de la comedia y de la ciencia ficción. Matt Damon y Kristen Wiig protagonizan esta historia en que gente común decide experimentar un nuevo avance tecnológico: ser encogidos. Surrealista y, probablemente, crítica, la película promete humor… aunque no ha recibido buenas críticas. Habrá que verla y decidir.

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