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20 canciones para entrar en la Psicosis Tropical, por Sonidero Mandril

Redacción TO

Esta semana tenemos un nuevo playlist de la mano -y de oídos- de Sonidero Mandril. El colectivo de Dj’s mitad español, mitad mexicano nos deja una lista que parte de la influencia de sonidos roots de América y África y nos lleva en un viaje hasta los sonidos más candentes de las pistas de baile actuales con el Tropical Bass y el Afro Bass.

Comienza con sonidos que nos llevan a recordar la selva y los paraísos tropicales, de ahí vamos viajando hasta encontrarnos con la la cumbia electrónica, la que tantas caderas ha dislocado en Madrid. Después llegamos a otras propuestas novedosas: directamente desde Carabanchel, Madrid, con Tremenda Jauría y su reguetón insurgente, feminista y reivindicativo.

Llegamos a África y sus sonidos más electrónicos del Afro Bass con “Moto Kiatu”, un proyecto también de estos sonideros que reinterpreta los sonidos tradicionales con remezclas y sintes y que hoy está sonando bien alto en los clubs y barrios de muchos países del mundo y del continente.

Estos sonidos llegan a Madrid de la mano de Sonidero Mandril y su Psicosis Tropical, que es un punto de encuentro al mes para los amantes de los sonidos tropicales y de otros no tan conocidos en nuestro país. Las fiestas de Psicosis Tropical tienen lugar principalmente en la Sala Siroco y en la Sala Caracol de Madrid. Su idea es presentar nuevas propuestas y nuevos sonidos a un público cada vez más numeroso. Para crear esta escena hoy en auge, el colectivo invita a diferentes Dj’s de referencia en la escena tropical local e internacional que presentan propuestas frescas y bailables.

La frecuencia de la Psicosis Tropical, junto con otros eventos organizados por colectivos de Conspiraciones Tropicales, están logrando crear una escena interesante y sin precedentes en las fiestas y conciertos madrileños.

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¡Feliz finde!

Continúa leyendo: 15 canciones para iniciarte en el dream pop, por Ganges

15 canciones para iniciarte en el dream pop, por Ganges

Redacción TO

Foto: Juanjo Marbai
Cedida

El viernes es el momento perfecto para el ocio, para la distensión, para inspirarse y pensar en los planes del fin de semana, por eso en The Objective queremos regalaros una playlist cada viernes curada por diferentes bandas, colaboradores y personajes interesantes que compartirán con vosotros esa música que los inspira y los motiva e incluso los hace soñar.

Qué mejor que comenzar esta semana que con la playlist de Ganges, el grupo de música madrileño formado por Teresa Gutiérrez (voz, teclado y letras), Jorge Aylagas (batería) y Álvaro Berceruelo (bajo y coros), con quienes tuvimos el placer de conversar hace un par de semanas y que es una de las bandas ganadoras del Mad Cool Talent de este año. Los chicos de Ganges quisieron compartir con nosotros 15 canciones para que os iniciéis en su género, el dream pop.

A nosotros nos encanta esta playlist, ¡esperemos que vosotros la disfrutéis también!

Si tenéis algún comentario, por favor no dudéis en compartirlo con nosotros.

¡Feliz finde!

Continúa leyendo: Ganges, del primer EP a Mad Cool en semana y media

Ganges, del primer EP a Mad Cool en semana y media

Néstor Villamor

Foto: Juanjo Marbai
Cedida

Recién fundado Ganges, grupo de música madrileño formado por los veinteañeros Teresa Gutiérrez (voz, teclado y letras), Jorge Aylagas (batería) y Álvaro Berceruelo (bajo y coros), la vocalista ya quería presentar la banda al Low Festival y empezar a rodar. “Tere tiene el papel de optimista dentro del grupo”, confirma Álvaro. Ahora, ese optimismo se ha materializado: Ganges es uno de los diez nombres ganadores de Mad Cool Talent, el concurso que elige a los talentos emergentes que sonarán en el festival. Y su selección fue anunciada, el 8 de febrero, solo nueve días después de que sacaran su primer EP, Lost Æsthetics.

Para presentar su música en el certamen (donde compartirán cartel con Foo Fighters, Belle and Sebastian, Green Day, Röyksopp, Kings of Leon o Wilco), Ganges se presentó con su tema ‘Let it die’ y superó una prueba a la que se habían presentado 822 artistas. Un jurado profesional cortó la lista hasta dejarla en 50 nombres y, posteriormente, fue el público el que eligió los 10 que tocarán en Mad Cool. Fernando Navarro, miembro del jurado y periodista musical de El País, explica a The Objective que Ganges le llamó la atención “por su capacidad instrumental”. Y añade: “Es una banda capaz de crear interesantes atmósferas que me recuerda al mejor indie-rock anglosajón. Es un punto bastante evocador, con un toque de electrónica bien entendida”.

El EP está formado por cuatro canciones dream pop (un género “electrónico pero relajado y que, en nuestro caso por lo menos, tiene una base orgánica”, explica la vocalista), con influencias, reconocidas por el propio grupo, como The xx, Oh wonder, Lykke Li, London Grammar, James Blake u Odesza. Lo que quieren es que Lost Æsthetics sea “una carta de presentación”, cuenta Jorge. Para sacar adelante este trabajo, de tempos relajados y letras intimistas, el grupo hizo una campaña de crowdfunding en la que solicitaban 2.500 euros y en la que terminaron logrando 4.275. Ahora, el trabajo está ya disponible en Spotify y en SoundCloud (además de un puñado de copias físicas reservadas para los mecenas). En la producción ha participado Joshua Díaz, baterista del grupo Hola a Todo el Mundo.

No es circunstancial que sus canciones sean en inglés: sus influencias son anglófonas. “Ahora mismo el 99% de la música que escuchamos es en inglés”, detalla Teresa. Sus compañeros asienten con la cabeza: “Además, donde mejor funciona este estilo es fuera de España”. Pero el futuro de Ganges incluye música en español. En su concierto de presentación oficial, que tendrá lugar en la madrileña sala Taboo (San Vicente Ferrer, 23) el 1 de abril, “ya habrá alguna canción en español”, adelanta Jorge, que desliza, aunque sin atreverse a confirmarlo al 100%, que el título será probablemente ‘Barco de Vapor’. Pero “esas cosas cambian, tenemos que hacer brainstorming”, insiste.

Entre el concierto de abril y el de Mad Cool, que se celebrará en la Caja Mágica de Madrid entre el 6 y el 8 de julio, pasarán muchas cosas. Han grabado un videoclip que está pendiente de estreno, habrá más presentaciones y tienen en mente publicar un single. Aunque esto “no sé si será antes o después de Mad Cool”, duda Jorge. Y al festival, advierten, tampoco tienen pensado presentarse con una mano delante y otra detrás: “Esperamos dar una sorpresa, porque la gente que va a Mad Cool es tu target”, avanza Álvaro. “No sabemos todavía qué: algo en el escenario o durante los días de Mad Cool… pero queremos hacer algo para darnos a conocer y que se hable un poco de nosotros”. Y en ello están.

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El soul castizo que mueve Madrid

Clara Felis

Foto: Little Soul Café
Little Soul Café

Empezaron a caminar con el compás que marcaban los grandes de la Motown (abreviatura de Motor-Town que hace referencia a la industria automovilística de Detroit), el sello que Berry Gordy Jr. fundó allá en la época de los 60 y que revolucionó todo el establishment discográfico estadounidense. Stevie Wonder, Marvin Gaye, Diana Ross & The Supremes o The Temptations hicieron de sus estribillos auténticos lemas reivindicativos que luchaban contra la segregación racial en EEUU.

Quejidos enérgicos de viento metal con los que se criaron y en los que se basan gran parte de las composiciones de Freedonia, Aurora & The Betrayers y Cosmosoul. Tres bandas de Madrid cuyo motor es aquel soul que nació en los clubs y bajos de Norteamérica. En ellos se gritaba y coreaba de madrugada la llegada de un nuevo día. Una nueva América. A Change Is Gonna Come que cantaba Sam Cooke.

Esa defensa de la igualdad social, el respeto por los derechos humanos y la justicia universal son algunas de las demandas que se encuentran en las letras de Freedonia. Así se demuestra en Dignity and Freedom (canción que da nombre al último álbum publicado) o You can’t stop us.

La formación, que comenzó su andadura musical en el 2006, se encuentra en plena grabación de su tercer disco, el cual han conseguido poner en marcha gracias a una campaña de crowdfunding. No tienen claro el título. Tampoco las canciones que van a incluir en este doble disco. Lo que sí tienen claro es la temática (la defensa de la mujer) y el estilo: se mantiene la esencia soul inicial. “Freedonia recoge el testigo de otras bandas que ya hacían música soul o negra, como por ejemplo The Sweet Vandals. Lo que nosotros intentamos es llegar más allá de lo que es la escena de la música negra en Madrid, que es un poco cerrada”, explica Ángel Pastor, guitarra del grupo, desde su local de ensayo en Carabanchel.

Cantar contra los prejuicios

Al decir esto Maika Sitte, cantante del grupo desde el 2013, afina aún más la definición y dispara la siguiente frase. “Es mejor emplear el concepto de música negra porque abarcamos todas las ramas que ésta comprende. Entre ellas el soul, el funky o el pop”. Maika, como el resto de sus componentes, huye de las etiquetas y los prejuicios, sobre todo  porque los ha vivido en primera persona. La cantante, nacida en Madrid pero de origen guineano, mantiene esa actitud guerrera cuando canta (recuerda a divas del soul como Etta James o Sharon Jones), pero especialmente cuando habla de su trabajo y su perfil artístico. No le gusta que comparen su voz con la tonalidad de su piel, ya que para ella la música no entiende de lenguas ni de razas. Es universal. Plural. Esta es la conjugación que emplea cuando expone sus ideas. “Todo el mundo piensa que por ser negra ya puedes cantar bien o puedes bailar bien, y no. Depende de tus cuerdas vocales y tu fisionomía, que nada tiene que ver con el color. Desgraciadamente el mismo racismo que había antes lo hay ahora. Tener más derechos no significa que no esté, lo que ocurre es que la gente se calla más”.

Maika Sitte: “Todo el mundo piensa que por ser negra ya puedes cantar bien o puedes bailar bien y no. Depende de tus cuerdas vocales y tu fisionomía”

Tanto para Maika como para Ángel, el soul no acaba de entenderse en España, sobre todo por lo que se promociona desde las propias discográficas con fenómenos como Beyoncé, Amy Winehouse o Rihanna. “Lo que aquí llaman soul no es soul. En este país no hay ni una sola discográfica que tenga un grupo de soul de verdad”, dicta Maika.

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Freedonia durante la entrevista con The Objective. | Foto: Cecilia de la Serna / The Objective

Creative Commons contra la SGAE

Esta es una de las principales razones por las cuales el grupo siempre ha buscado nuevas fórmulas de financiación y producción, como las licencias Creative Commons. La SGAE no les representa. “La SGAE tiene un problema fundamental que es la última E y para nosotros los editores tienen unas finalidades distintas a las del autor. Usamos Creative Commons porque son unas licencias que nos permiten abrir como queramos nuestra obra. Creemos que España merece otro tipo de entidad que gestione los derechos de autor, y por eso no participamos en esta. Algo que no se entiende dentro del gremio. No somos antisistema, pero queremos un sistema mejor”, defiende Ángel con énfasis.

Ángel Pastor: “La SGAE tiene un problema fundamental que es la última E, y para nosotros los editores tienen unas finalidades distintas a las del autor”

El soul castizo que mueve Madrid
Ángel Pastor, guitarrista de Freedonia, y Maika Sitte, cantante, durante la entrevista. | Foto: Cecilia de la Serna / The Objective

Todo empezó con Tina Turner

Otro de los grupos que han apostado por la autopromoción y autofinanciación son Aurora & The Betrayers, una de las últimas confirmaciones para la próxima edición del Mad Cool Festival.

La agrupación que lidera Aurora García (ex vocalista de Freedonia) junto con José “Funko” (guitarra), Josué García (trompeta) y Martín García (saxo/ teclados) se alzó en el 2014 con el premio Pop-Eye como Mejor Banda de Música Negra por su álbum Shadows go away, y en 2016 recibió el premio MIN (Premios de la Música Independiente) en la categoría de Mejor Artista Emergente.

Tanto su primer disco como el segundo Vudú (2016) fueron grabados y editados por el sello colectivo del que forman parte: Siete Pulgadas Records. Acto de valentía.

Aurora, la pequeña de tres hermanos, hace memoria de por qué empezó en esto y señala a una culpable: Tina Turner. “A mí esa mujer me ha marcado a lo largo de toda la vida. La primera vez que la escuché fue a los 4 años. Ella tenía el soul, el rock y ese power que en otras artistas femeninas no veía”.

Se fijó en su voz y también en la manera que tenía de expresarse en el escenario, y esa imitación continua fue uno de los factores que influyeron en su proyección vocal. Una blanca con voz de negra, aunque ella prefiera no calificarse así. “Dado el año en el que estamos y la evolución que ha tenido el soul, la música ya no es blanca ni negra. Lo que pasa es que en este país se sigue asociando este género a lo negro y nos queda mucho para comprender que no estamos intentando imitar aquella música”, sentencia con educación y firmeza.

Aurora García: “En este país se sigue asociando este género a lo negro y nos queda mucho para comprender que no estamos intentando imitar aquella música”

El constante encasillamiento al que le ha sometido tanto la opinión popular como la crítica musical le han servido de aliciente para explorar nuevos sonidos y fórmulas. El rock de los 70, el funk o el R&B más clásico se combinan en Vudú (Fire o Steppin’ to the bad side son muestras de ello), que le ayudó a evolucionar tanto a nivel creativo como interpretativo. “Yo tengo ganas de hacer otras cosas y siempre me ha gustado mucho el rock y el punk. Es un poco frustrante cuando estás intentando evolucionar pero sigues con el estigma del soul. Te vuelves loco”.

Vivir y tocar al día

Cuando se le pregunta por ese boom del soul que predomina en Madrid, la artista matiza que gran parte de las bandas que ahora están en un primer plano llevan consigo mucha carretera a cuestas y mucha constancia. El tour de los bares de paso parece haber llegado a su fin. “Bandas como Sweet Vandals llevan 15 o 20 años en la escena madrileña. Es probable que con los fenómenos de Amy Winehouse y Adele se les haya dado un poco más de crédito, pero realmente han llamado la atención por sí mismas”, y reconoce la labor de las salas de concierto en la difusión y apoyo hacia este tipo de música. “Le debemos mucho a salas como el Tempo o Clamores, aunque los músicos nos hemos apoyado mucho para crear esto”.

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La vocalista de Aurora & The Betrayers después de la entrevista. | Foto: Cecilia de la Serna / The Objective

Algo que no es fácil, especialmente con el 21% del IVA cultural y la crisis económica que lleva en el vocabulario español desde el año 2008. “Vivo extremadamente al día. Muy al límite. Cuando empecé con Betrayers decidí dedicar todo mi tiempo a esto, pero económicamente es muy duro. El IVA es devastador. Te destroza. Nosotros hemos sido una banda formada por nueve personas en directo y ahora ya no podemos. Sí, es cierto que estamos empezando a estar en grandes carteles pero la diferencia entre cachés es muy grande. Una cosa es estar en un gran cartel y otra que te paguen adecuadamente”.

Soul políglota

Diferencia que también perciben desde Cosmosoul, una de las bandas más políglotas de la ciudad. Sus cinco miembros son de sitios totalmente distintos. Su cantante Alana Sinkëy procede de Guinea-Bisau. Abel Calzetta (guitarrista) es de Buenos Aires. Sergio Salvi (teclista) es napolitano y Arturo García (batería) junto con Manuel Pablo (bajo) son los únicos procedentes de España. Una rica combinación de culturas que ha hecho posible un soul multicultural y polifacético. “Cada uno ya tenía sus cosas hechas, pero es una casualidad que cada uno vengamos de un país diferente. Tuvimos la suerte de que a los cuatro o cinco meses de estar tocando nos convocaran para tocar los domingos en la Sala Barco. A partir de ahí empezamos a tocar y a hacer covers y funcionó tan bien que dijimos ¿Por qué no nos ponemos a componer? Y así pasó”, rememora Abel con cierto tono filosófico desde el sofá del local del grupo situado en Lavapiés.

Sus primeras notas comenzaron a sonar con cierta fuerza en el 2011, cuando salió Sunrise, el álbum debut que masterizó Dave Kutch (Al Green, Alicia Keys o Bruno Mars) en Nueva York. Siguen girando con Terra (2014), aunque se encuentran trabajando en su tercer disco, que presentarán el próximo 6 de abril en el Teatro Lara de Madrid. “Tuvimos siempre una aceptación muy buena acá y fuera de España. Hace poco hicimos un ciclo en el Café Berlín y hablamos con unos productores que nos decían que se alegraban de que nos mezcláramos, que eso en EEUU lo hacen todos los artistas”, cuenta Abel.

Y Alana interviene para mostrar esa visión diferente sobre un mismo género, “En EEUU cuando dices música negra no piensan en Aretha Franklin o Billie Holiday, sino en Usher. Es decir, en otros artistas que hacen distintos subgéneros”. Y vuelve a aparecer el tópico de que sólo los negros pueden cantar música negra. “En España si cantas soul suenas a negra, y a veces sí he sentido que la gente sólo quería de mí eso porque simplemente era negra. Fíjate, le he enseñado el disco a varios amigos de Guinea que viven en Londres y me dicen que sueno como una blanca americana. Para ellos sonar a negro sería cantar en criollo o en portugués”. Abel asiente y mira a su compañera. “Acá tocás una música o tocás otra. Es esa manía de poner tribus, épocas. Es algo que no sé de dónde sale. Es evidente que escuchamos esa música pero no queremos ser etiquetados”, remarca.

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Cosmosoul en la promoción de su nuevo disco. (Foto: Cosmosoul)

Alana: “En EEUU cuando dices música negra no piensan en Aretha Franklin o Billie Holiday, sino en Usher”

Ellos, que se han autofinanciado gran parte de sus discos, dudan del verdadero sentido del crowdfunding. “Se puso de moda y parece que sea la única solución, pero yo la verdad es que no la veo. Si vos amás la música que estás haciendo y estás currando de músico no es tan difícil en este momento meterte en un estudio de grabación y hacer mil copias” matiza Abel, pero ¿Se puede vivir de la música? ¿Es realmente accesible grabar un disco y obtener beneficios por él? Contesta a la pregunta Sergio, a los teclados. “No es imposible vivir de la música en España, lo que es muy difícil y casi imposible es vivir de un proyecto artístico. No hay canales para darte a conocer y el problema es que aquí muchas veces se concibe la música como entretenimiento”.

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Adele logra cinco premios Grammy, incluido Álbum del Año, con '25'

Foto: Robin Beck
AFP PHOTO

Adele ha ganado este domingo por segundo año el Grammy a Mejor Álbum con ’25’, y se ha convertido en la gran vencedora de la gala celebrada en Los Ángeles con cinco galardones. ’25’ es el álbum más vendido de la década, con excepción de su anterior ’21’, que ganó el máximo premio de la industria de la música en 2012. La cantante británica se ha impuesto, entre otros, a ‘Lemonade’ de Beyoncé, un disco con una trabajada producción audiovisual y que partía también como álbum favorito. ‘Blackstar’, de David Bowie se ha llevado dos premios a título póstumo.

“No puedo aceptar este premio”, dijo emocionada. “Mi vida es Beyoncé y su álbum ‘Lemonade’, es para mí un apoyo para el alma, pudimos ver otro lado de ti que no siempre nos dejaste ver y te lo agradecemos”, dijo al recibir el premio, dirigiéndose a su admirada Beyoncé. ‘Lemonade’ es el disco más osado de la carrera de Beyoncé, en el que se centra en las dificultades y la resistencia de las mujeres negras.

Adele ganó todas sus categorías y suma ahora 15 estatuillas. Es, además, la primera mujer en conseguir las tres principales categorías -álbum, canción y grabación del año- dos veces. “Cinco años atrás, cuando estaba aquí, estaba embarazada y no lo sabía, y me enteré poco después de ser premiada de lo que sería la mayor bendición de mi vida. Mi embarazo y convertirme en mamá, me hizo perder un poco. Luché y aún lucho para ser madre, es duro. Pero ganar esta noche es un poco como completar el círculo”, señaló. La cantante bautiza sus discos con la edad que tiene en el momento de iniciar la grabación. ’25’ presenta un cóctel de emociones.

La lista de los principales ganadores ha sido la siguiente: ÁLBUM DEL AÑO: ’25’, Adele; GRABACIÓN DEL AÑO, Mejor Canción: ‘Hello’, Adele; CANCIÓN DEL AÑO, Mejor Compositor: ‘Hello’, Adele y Greg Kurstin, compositores; MEJOR ARTISTA NUEVO: Chance The Rapper; MEJOR ÁLBUM VOCAL POP: ’25’, Adele; MEJOR ACTUACIÓN POP INDIVIDUAL: ‘Hello’, Adele; MEJOR ACTUACIÓN POP EN DÚO O GRUPO: ‘Stressed Out’, Twenty One Pilots; MEJOR CANCIÓN DE ROCK: ‘Blackstar’, David Bowie; MEJOR ÁLBUM DE ROCK: ‘Tel Me I’m Pretty’, Cage The Elephant; MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA ALTERNATIVA: ‘Blackstar’, David Bowie; MEJOR ÁLBUM DE RAP: ‘Coloring Book’, Chance The Rapper; MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA DEL MUNDO: ‘Sing Me Home’, Yo-Yo Ma & The Silk Road Ensemble; MEJOR ÁLBUM DE REGGAE: ‘Ziggy Marley’, Ziggy Marley; MEJOR ÁLBUM POP LATINO: ‘Un besito más’, Jesse & Joy; MEJOR ÁLBUM ROCK LATINO, URBANO O ALTERNATIVO: ‘iLevitable’, iLe; MEJOR ÁLBUM LATINO TROPICAL: ‘¿Dónde están?, José Lugo & Guasábara Combo; MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA REGIONAL MEXICANA: ‘Un Azteca En El Azteca, Vol.1’, Vicente Fernández; MEJOR ÁLBUM DE JAZZ LATINO: ‘Tribute To Irakere: Live In Marciac’, Chucho Valdés.

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