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4 cosas que tienes que saber sobre Blade Runner antes de ver la nueva Blade Runner 2049

Nerea Dolara

Foto: IMDB
IMDB

El próximo 6 de octubre llega al cine, tras 25 años del estreno de Blade Runner, una segunda parte tan esperada como temida. Blade Runner 2049 cuenta con Ryan Gosling como protagonista, pero recupera al Deckard de Harrison Ford, el cazador de replicantes original. Tras la cámara no estará Ridley Scott, sino Denis Villeneuve, responsable de películas como Enemy, Prisoners y La llegada. La primera película se convirtió, desde su estreno, en un clásico del cine de ciencia ficción y en fuente de diversas discusiones filosóficas sobre la humanidad y la inteligencia artificial. Es también una película que ha envejecido sorprendentemente bien (casi ninguna película que se imagina el futuro resulta fácil de ver cuando es realmente el futuro…).

Resumamos rápido de qué va: los replicantes son formas de inteligencia artificial humanoide con una corta vida y creados para cumplir funciones específicas en un mundo distópico futuro. Muchos de ellos no tiene siquiera conciencia de no ser humanos. Cuando cuatro de ellos se rebelan, Deckard, un blade runner, encargado de cazar replicantes, debe encontrarlos. Una mezcla genial de cine negro, ciencia ficción y reflexión filosófica, la película es un mito del cine contemporáneo.

Si pretendes ver la nueva versión hay algunas cosas que deberías saber antes. ¿Por qué? Por cultura general, porque la historia de cómo se hizo esta película es casi tan interesante como la propia película y porque suponemos que en 1982 no estabas teniendo discusiones sobre los replicantes, así que podrías tenerlas ahora, antes de verlos en su nueva versión.

Hay siete versiones de la película

Sí. El director’s cut es algo que existe y que se hace, pero nunca una película ha visto tantas ediciones diferentes, todas disponibles para ser vistas. La discusión general es considerable sobre cuál es la versión correcta, la que hay que ver. Hay tres que tienen la mayor puntuación: la primera, la que llegó a los cines, con voz en off y tomas de la campiña al final. Luego en 1992, sacaron un director’s cut que fue descubierto en los archivos de Warner Bros. pero según Ridley Scott no lo es, asegura no estar involucrado con esa versión. Luego en 2007, el director estrenó su versión, el Final Cut, de la película.

Deckard es un replicante, ¿o no?

Con tanta versión de una película que ya es de por sí confusa es fácil perderse entre las pistas -que a veces están y a veces no, depende de la versión que se vea- sobre si el propio Deckard es un replicante. Tras años Scott declaró estar convencido de que el detective lo es, pero Harrison Ford nunca estuvo del todo seguro. En la versión estrenada en 1982 no queda claro, pero en la siguiente, una escena en que Deckard sueña con un unicornio insinúa que sus recuerdos son implantados, como los de otros replicantes. Es de suponer que en la nueva película se dé una respuesta definitiva.

4 cosas que tienes que saber sobre Blade Runner antes de ver la nueva Blade Runner 2049
Reedición del libro de Philip K. Dick | Imagen vía Ediciones Minotauro

La adaptación tiene poco que ver con la novela original

Se supone que Blade Runner es una adaptación de la novela, ¿Sueñan los robots con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick; pero el nombre proviene en realidad de una novela de William S. Burroughs y no tiene ninguna conexión temática, se usó porque a Scott le gustó cómo sonaba. La película es un material muy lejano al original. No es de extrañar que se diga que Scott ni siquiera leyó la novela antes de hacer la película: “No pude. Conocí a Philip K. Dick luego y me dijo: Entiendo que no pudiste leer el libro. Y le dije: Eres muy denso amigo, en la página 32 ya hay 17 historias sucediendo”.

En la nueva reedición del libro con prólogo de Nacho Vigalondo (Minotauro, 2017) el director de cine español explica: “La obra de Philip K. Dick ya es más real que la impresión que tenemos de ella. Muchos habrán comprado la edición de esta novela a partir del interés por su adaptación al cine (y su secuela), pero la obra de K. Dick, en el año 2017, ya proyecta su propia sombra. Insisto que me incomoda remitirme a Blade Runner, pero a estas alturas ya no tenemos que dar por hecho que una obra esté subordinada a la otra. Una comparación entre ambas no tiene por qué concluir que una de las dos sea más real. De hecho, creo que las diferencias entre ambas pueden servir para definirse mutuamente. Blade Runner y ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? son dos obras tan diferentes como sus títulos. Y la distancia que las separa es la misma que separa la sonoridad perfecta y el sentido difuso de Blade Runner y una larga pregunta que podría ser un problema zen o la conclusión de un chiste. (…)”. Para revisitar el libro puedes leer sus primeras páginas aquí.

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Fotograma promocional de Blade Runner 2049 | Imagen vía IMDB

El final idílico viene de El resplandor

Scott le pidió a Stanley Kubrick tomas aéreas sin utilizar de El resplandor para el final feliz de la primera versión, en que Deckard y Rachael conducen juntos y felices a través de la campiña. En versiones posteriores el final cambia radicalmente. La relación con los ejecutivos no fue fácil en esta película en general. Otro punto en que hubo discusión fue sobre la voz en off. Se dice que cuando se mostró la película a grupos de foco se quejaron de no entender nada por lo que el estudio insistió en agregar la infame narración. Es una leyenda urbana que Harrison Ford odió tanto la idea que leyó las líneas lo peor posible para que no se incluyesen. El actor ha negado esa versión de los hechos, pero sí ha declarado que fue una pesadilla porque le tocó tener que relatar lo que pasaba en pantalla, la exposición es el mayor enemigo de una actuación.

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Insultos, inteligencia y sátira política o la genialidad de Armando Iannucci

Nerea Dolara

Foto: IMDB

Es el creador de Veep y el guionista y director de La muerte de Stalin, estrenada el año pasado en Reino Unido y que llegará a las pantallas españolas el 9 de marzo. Este escocés es la voz más respetada en la sátira política y con razón, su escritura es tenaz, brillante e hilarante.

Sátira política, de esa que se encuentra poco estos días -inteligente y muy graciosa- y que ha terminado por convertirse en triste espejo de la realidad del poder, eso es lo que define el trabajo de Armando Ianucci. Este guionista y director de origen escocés no tiene piedad ante los egos inflados, los comportamientos infantiles y las conspiraciones rastreras de quienes ocupan espacios de poder y es por ello que sus películas y series no son solo hilarantes, sino muy honestas.

Iannucci lleva mucho tiempo siendo un ídolo de la sátira política en el Reino Unido, pero su dominio se expandió a Estados Unidos y el mundo cuando estrenó Veep, una comedia producida por HBO sobre la vicepresidenta de EEUU, Selina Meyers (interpretada genialmente por Julia Louis-Dreyfus), su ambición y su patética idiotez. Veep, que Iannucci lideró desde 2011 hasta 2015 -dejó la serie por cansancio pero en buenos términos, aún la sigue y admira el trabajo de los guionistas que se quedaron a bordo-, ha sido un éxito como pocos: durante su tiempo al aire se ha ganado el Emmy a Mejor Serie de Comedia durante tres años consecutivos y le he ganado a Louis-Dreyfus el Emmy a Mejor Actriz durante cada año que la serie se ha emitido, sin interrupción.

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Julia Louis-Dreyfus en Veep | Imagen: IMDB

Pero Ianucci comenzó en su Reino Unido natal como un estudiante de literatura inglesa en Oxford que en su adolescencia había considerado ser cura, que leía transcripciones de los debates del parlamento y que tenía por padre a un inmigrante italiano que publicaba un periódico anti-fascista y había peleado con los partisanos en la Segunda Guerra Mundial. Durante su posgrado, centrado en los estudios de los escritos de John Milton, Iannucci abandonó sus estudios para dedicarse a escribir humor y fue contratado rápidamente en BBC Radio como guionista del programa satírico On The Hour, un noticiero absurdo de ficción que tenía como protagonista al mítico personaje Alan Partridge, interpretado por Steve Coogan y que se convertiría en uno de sus roles más reconocidos.

El programa, que tuvo éxito, se mudó a la televisión con el nombre The Day Today y Partridge apareció en una serie de producciones en que también estaba Iannucci como escritor.

Todo iba bien. Iannucci tenía una carrera estable e incluso presentaba sus propios shows -la serie The Armando Iannucci Show es un gran ejemplo, en ella se discutían en sketchs de humor absurdo temas filosóficos y existenciales- pero a principios de los 2000, cuando Tony Blair comenzó su ascenso al poder, Iannucci estaba dando vueltas a una idea: una sátira sobre el primer ministro. Iannucci es laborista, pero eso no le impedía ser crítico, menos cuando Blair apoyó la Guerra de Irak. Así nació The Thick of It, una corta serie de cuatro episodios emitida en la BBC (porque hay países que respetan sus emisoras estatales y no las convierten en espacios de propaganda o protección gubernamental) sobre un primer ministro incompetente y su equipo de trabajo (sobresalía el jefe de comunicación, interpretado por Peter Capaldi, a quien Iannucci conoció en la infancia, ya que asistían al mismo colegio).

El ritmo, ese que luego se convertiría en marca del estilo de Iannucci, era rápido, agresivo y con diálogos llenos de groserías. Y el resultado fue un éxito impresionante. Esto fue en 2005. En 2009, tras un proyecto fallido de llevar The Thick of It a una adaptación americana, se estrenó In The Loop, versión cinematográfica de The Thick Of It que incluía muchos de los personajes originales, incluido Malcom, el escocés jefe de comunicación que no para de maldecir interpretado por Peter Capaldi. La película recibió una nominación al Óscar por guión adaptado.

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Escena de In the loop, dirigida por Iannucci | Imagen: IMDB

Tras la película, Iannucci tenía una ventaja comparativa con respecto a otros que quisieran que una cadena les produjera una idea, más si se toma en cuenta que en los tiempos de The Thick of It, el guionista ya había tenido reuniones con HBO para hacer una serie sobre una compañía online. Iannucci explica en The New Yorker cómo llegó a la idea de Veep: “Se trataba de decidir dónde se desarrollaría. No quería que fuese en la oficina del presidente, se sentía muy amplio. Podía ser un congresista, pero se sentía pequeño. ¿Un miembro del gabinete? No duran mucho tiempo. ¿Una embajada? Y luego pensé en el vicepresidente. La dinámica del trabajo es que estás muy cerca pero estás excluido (…) sabes que la gente te tiene poco respeto y habla de ti detrás de tus espaldas, pero no pueden hacerlo mirándote a la cara, porque podrías ser la persona más poderosa del mundo cualquier día. Así que todo el mundo tiene que ser cuidadoso al hablar contigo, aunque tu sabes que fuera de allí, en todas las fiestas y restaurantes, tu eres el objeto de los chistes”.

Veep se estrenó con un amor inmediato de la crítica y mucho amor de los espectadores. El tono y el ritmo eran salvajes y sarcásticos, como en sus previos trabajos, y la serie comenzó su camino al éxito… que aún mantiene hoy.

Iannucci, sin embargo, harto tras cuatro años de dedicar todo su tiempo a la serie y de pasar tanto tiempo en Baltimore filmando, llegó a un acuerdo para dejar el show en 2015 y dedicarse a otras cosas. Entre ellas esta su nueva película, estrenada en 2017, llamada La muerte de Stalin. Otra sátira política, esta se centra en los días inmediatamente previos y posteriores a la muerte de Stalin y las maquinaciones que se dieron entre sus colaboradores más cercanos ante el vacío de poder. Aunque parezca descabellado, la película tiene muchas situaciones absurdas, aunque también hay espacio para el drama, la mayor parte de lo que cuenta pasó realmente.

Iannucci está trabajando también en adaptar un clásico literario para la BBC, el David Copperfield de Charles Dickens, con Dev Patel como parte del reparto, y en una serie de comedia y ciencia-ficción para HBO que tentativamente se llama Avenue 5. No teman, queda Iannucci para rato.  

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La forma del agua: una carta de amor al cine y al romance entre especies

Romhy Cubas

Foto: Fox Searchlight Pictures

En 1941 durante una exclusiva cena de la industria cinematográfica ofrecida por Orson Welles, el director sudamericano Gabriel Figueroa compartió la historia de una criatura anfibia mitad humana que emergía del río Amazonas una vez al año para raptar a una mujer y desaparecer sin rastro. En 1954 una de las personalidades presentes en aquella cena, William Allan, produjo La criatura del lago negro, un precedente elemental para la humanización de los monstruos y criaturas fantásticas en la pantalla grande.

Más de seis décadas después, el cineasta mexicano Guillermo del Toro ha logrado recuperar la esencia de una historia que se ancló en su imaginario desde que la vio a los siete años de edad. La forma del agua, la última película del director reconocido internacionalmente por el hermoso debut que fue El laberinto del fauno, es un etéreo homenaje al cine fantástico, los monstruos, la filmografía de los 60 y sobre todo un honorable final para La criatura del lago negro que raptó a Julie Adams a finales de los años 50.

Con trece nominaciones a la estatuilla de Oro de los Oscar este año y otras 150 nominaciones a premios y festivales alrededor del mundo, entre lo que se encuentran el recibimiento del León de Oro del Festival de Venecia y el Globo de Oro como mejor director, la película protagonizada por Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon y Octavia Spencer se enuncia como una carta de amor al cine. En ella el clima cultural, los derechos civiles y las dinámicas de poder recuerdan que en la “gran América” siempre han existido escenarios en donde la segregación busca establecerse como el denominador común de una sociedad.

Situada en los años 60 en Baltimore, previo al asesinato de John F. Kennedy, La forma del agua narra un romance único entre la conserje de una central de investigación del gobierno, Elisa -muda de nacimiento y con unas cicatrices extrañas en el cuello que evocan a las branquias de los anfibios-, y una criatura encerrada en las facilidades del lugar que es torturada en el nombre de la ciencia y la seguridad nacional.

Las referencias hacia La criatura del lago negro son evidentes, pero el film no se trata de un remake sino de una celebración al cine y la filmografía antigua, un homenaje a influencias cinematográficas como The Red Shoes ,The Harder They Come e inclusive la estética de  Andy Warhol.  Y es que para Del Toro el anfibio que sostiene a una aterrorizada Julie Adams en el póster de 1954 es una de los diseños más hermosos que ha visto. Desde que lo descubrió el esquema de un romance en donde la pareja de especies comparte helados y paseos en bicicleta ha sido clave para uno de sus proyectos más ambiciosos.  

La forma del agua: una carta de amor al cine y al romance entre especies
Tras cámaras de La forma del agua | Foto: Kerry Hayes/Fox Searchlight Pictures

La forma del agua relata una historia de amor con tintes de fábula en donde la transformación no es necesaria para la comprensión de dos individuos. La película hace justicia a uno de los temas más comunes de los filmes del director, que no solo se expresa mediante monstruos y criaturas sino mediante la idea de que en este mundo solo nos tenemos los unos a los otros.

Doug Jones, quien ha aparecido en varias películas de Del Todo como Mimic, Crimson Peak y Hellboy, en donde también interpreta a un hombre anfibio, es el cuerpo y movimiento detrás  de la noble criatura de La forma del agua.  Junto con la ayuda de la escritora Vanessa Taylor y el escultor Mike Hill, -quien ya ha diseñado un Frankenstein de tamaño real para la colección privada de horror de Del Toro- el alma del anfibio tomó vuelo con una simple instrucción del director: “Quiero que canalices dos cosas: el Silver Surfer [héroe de Marvel Comics], con su fuerza heroica y su sensualidad discreta, y a un matador. Cuando los observas, tienen mucha confianza y lideran con las caderas y la pelvis”, le indicó el director al actor según The Hollywood Reporter.

Por otro lado el, apego de Del Toro por su último proyecto, que originalmente iba a ser filmado en blanco y negro, lo llevó a desembolsar $200,000 de sus propios fondos para presentar a Fox Searchlight un guión que según el director los hizo llorar a todos al final de la primera propuesta.

La forma del agua: una carta de amor al cine y al romance entre especies 1
Escena de La forma del agua | Foto: Fox Searchlight Pictures

Más que criaturas y monstruos

La humanización de los monstruos, que siempre han fascinado al director, y el romance silente entre dos especies distintas es de hecho una persiana para contextualizar polémicas pasadas que siguen teniendo vigencia hoy en día como: la discriminación racial, la intolerancia y un particular complejo de hombre blanco, poderoso y privilegiado.

“Lo configuré en 1962 específicamente, porque cuando la gente dice: ‘Hagamos que Estados Unidos vuelva a ser grandioso’, están soñando con esa era”, explica Del Toro a la revista estadounidense Deadline. “Es una época donde los autos tenían aletas de chorro, las cocinas eran automáticas. Todo era genial si eras blanco, anglosajón y protestante, pero si eras otra cosa, estabas jodido. No ha cambiado tanto”.

Esta elección tanto -personal como política- de escenarios y geografías temporales hacen que la película se conjugue en reversa a los roles desempeñados en filmes de época. “Quería convertir en malo al personaje con un buen traje y una mandíbula cuadrada (que suele ser el tipo bueno en las películas de ciencia ficción de los años 50)”, agrega Del Toro.

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Escena de La forma del agua con Sally Hawkins y Doug Jones | Foto: Fox Searchlights Pictures

Palabras innecesarias y miles de tonos verdes

Sally Hawkins hace que las palabras sean innecesarias con una actuación sutil y serena que se conjuga con todos los colores de la película. La actriz también contribuyó con el guión de su personaje; Del Toro se inspiró en una historia escrita por esta sobre una mujer que desconoce que es una sirena. El detalle de los rasguños con forma de branquias en el cuello de su personaje fue tomado de dicha historia.

El silencio de la película es sustituido con un soundtrack y una musicalización que riman con los pasos y el mutismo de sus personajes. La cinematografía etérea de Dan Laustsen se aferra a miles de tonos verdes para crear la atmósfera de ensueño de un cuento de hadas para adultos. Esa paleta infinita crea un juego de tonos que pasan por la aguamarina, los ásperos verdes oxidados de edificios antiguos e institucionales, el brillo de neón de una gelatina hasta el verde cerceta metálica de un nuevo Cadillac.

Por otro lado, no solo la crítica coincide en que La forma del agua es una de las mejores piezas de Del Toro desde El laberinto del fauno, el propio director reconoce un particular orgullo por la película.

“Para mí no se vuelve más personal que con La forma del agua. Estoy orgulloso de ella. Es la película favorita que he realizado“, dijo Del Toro a Collider. “Me encanta. Lo llamo ‘un cuento de hadas para tiempos difíciles’ porque es una pomada contra el mundo, donde nos levantamos todas las mañanas con peores noticias”.

La fidelidad de Guillermo Del Toro por los monstruos crea un homenaje moderno y un cuento de hadas gestado décadas atrás que por fin encuentra su final perfecto.

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Nerea Dolara

Foto: Fotograma de Altered Carbon
Netflix

En la televisión y el cine las sociedades interplanetarias y las colonias espaciales nunca tienen buena pinta. Aquí una revisión de algunas de ellas en la semana en que se hizo un histórico viaje privado al espacio.

Esta semana Elon Musk hizo historia, no sólo porque envió al espacio la primera misión enteramente privada, sino porque lo hizo con un maniquí metido dentro de un coche (muy a lo niño obsesionado con las carreras). Pero obviando su gusto cuestionable, lo cierto es que este avance llega en un momento que podría llamarse ideal. Científicos, incluido Stephen Hawking, han advertido que en un siglo o poco menos, el planeta será inhabitable si no se cambia la forma en que se está abusando de sus recursos y contaminando a diestra y siniestra. Y como sabemos eso no ha pasado, así que para las futuras generaciones va a ser necesario un transporte a otros planetas si no quieren morir chamuscados o de sed y hambre…

Las expediciones estatales al espacio estaban muy de moda en los sesenta, pero en las últimas décadas los programas espaciales han perdido presupuesto y básicamente se han paralizado, así que la existencia de intentos privados resulta más interesante (para los millonarios claro, los demás no tendrán dinero para el pasaje). Y mientras llegan las estaciones de cohetes alla autobuses, vamos a celebrar una nueva salida de nuestra atmósfera con un repaso por algunas de las sociedades ficticias que el cine y la televisión proponen que existieran cuando se conquisten otros planetas.

Altered Carbon

La nueva serie de Netflix no propone un futuro muy ideal (advertencia: casi ninguna en la lista lo hace). En este mundo de planetas colonizados el millonario es el rey y las crisis de identidad el pan de cada día. Los cuerpos son sólo fundas, la conciencia vive en una especie de pendrive con mega memoria y puede ser transferida a otros cuerpos o fundas cuando se muere. No es un futuro especialmente alentador… aunque por lo menos no te mueres.

The Expanse

Otro gran sistema planetario en que los pobres viven esencialmente jodidos. En este mundo La Tierra es el hogar de una ONU poderosa y que ahora incluye planetas, más que países, y es un lugar contaminado y repleto (salvo para…los millonarios, sí); Marte, una colonia de soldados alla Esparta que intentan replicar las condiciones ideales de La Tierra (que los terrícolas destruyeron); y de los habitantes del Cinturón (el de asteroides que está en nuestro sistema solar), los más pobres del sistema, con mala calidad de aire y agua y sin recursos propios (porque sus minerales son explotados por La Tierra y Marte).

Firefly

En este futuro en que se habita en un sistema planetario regido por la Alianza (suma de Estados Unidos y China tras haber ganado una guerra contra quienes peleaban por mayor libertad) la sociedad parece haber retrocedido a tiempos más salvajes: los del Oeste. Pistoleros, planetas llenos de polvo y pueblos con salones de prostitutas, marcan  esta serie de aventuras de una nave de contrabandistas que se declaran rebeldes antes la autoridad.

Total Recall

Esta película de Paul Verhoeven cumple con ser violenta, como es su marca registrada, y también con relatar qué pasa cuando un hombre común (si alguien puede creerse que Arnold Schwarzenegger es un hombre común) se somete a un proceso de implantación de falsas memorias de unas vacaciones y termina metido en un enorme embrollo en que él resulta ser un agente entrenado al que le borraron la memoria y del que ahora quieren deshacerse. En este mundo Marte ha sido colonizado, y sus habitantes viven bajo una cúpula que asegura el oxígeno, y hay cruceros a en otros planetas.

2001: Odisea en el espacio

Esta enrevesada obra maestra de Stanley Kubrick se desarrolla en varios tiempos. Y aunque en el primero se puede ver a los monos aprender a ser más humanos (usando armas…qué adecuado), en la segunda parte la historia se desarrolla en el futuro, en un viaje comercial a La Luna, un lugar que se puede visitar con regularidad. Aunque el estatus quo no es descrito, sí queda claro que la colonización espacial está en marcha.

Aliens, el regreso

Más de 50 años después de su traumático viaje en Nostromo, Ripley despierta en otra nave que se dirige al planeta abandonado de la primera entrega de la saga, ahora convertido en una colonia de terraformación. Como es de esperar la colonia no resulta una buena idea y una infestación de aliens es previsible.

Star Trek

Sumen aquí todas las versiones de esta historia, desde la original con Kirk y Spock hasta las nuevas películas con nuevos Kirk y Spock. En el universo Star Trek, televisivo y cinematográfico, existe la Federación, una coalición de planetas que propone la exploración pacífica de la galaxia. No siempre se logra, pero entre los ejemplos anteriores, este mundo resulta el más ideal, con diferencia.

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Premios Goya 2018, en directo

Redacción TO

Foto: Javier Lizon
EFE

El cine español vive su noche de gala de la 32.ª edición de los Premios Goya. La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España elige de nuevo a los mejores en cada una de las 29 categorías.

Entre lo más destacable de la edición de 2018 está la amplia variedad lingüística de las cintas nominadas a mejor película. En un ejercicio políglota sin precedentes, encontramos hasta cuatro idiomas diferentes en cinco películas: mientras que Verónica de Paco Plaza y El autor de Manuel Martín Cuenca fueron escritas y rodadas en castellano, Verano 1993 de Carla Simón tiene como idioma original el catalán y Handia de Aitor Arregui y Jon Garaño el euskera. El único idioma no oficial en España representado en la categoría es el inglés, lengua original de la película La librería, de Isabel Coixet.

En cuanto a las favoritas a llevarse el premio, la Academia no discrimina entre idiomas: tanto El autor, La librería o Verano 1993 son favoritas para llevarse la estatuilla.

En lo que se refiere a la producción de la gala, los presentadores son Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla, los humoristas ‘chanantes’, que le toman el relevo a Dani Rovira. Prometen un guion de humor absurdo, poco lío político y mucho feminismo. Sin números musicales, la única actuación programada es la de Marlango.

En el año de los movimientos #MeToo y Time’s Up en Hollywood, el feminismo no está presente solo en las bocas de los presentadores de la gala del cine español. La Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA) ha repartido abanicos con el lema #MASMUJERES para denunciar “la situación de desequilibrio” y para anunciar su “decidida determinación a repararla”. Del total de nominaciones, solo un 27% corresponde a mujeres.

La suerte está echada, los nominados están igual de nerviosos que todos los años, y el cine se reivindica como un motor cultural y social de primer orden una vez más. Sigue en The Objective la cobertura especial de los Premios Goya 2018.


Premios Goya 2018, en directo 18

01:15. El guion de esta noche de Goya podría escribirse en euskera, el idioma original de Handia -la película ganadora en número de estatuillas, con 10 en total-, o en catalán, la lengua nativa de Isabel Coixet, que se ha llevado ella sola 3 premios -Goya a mejor guion adaptado, a mejor dirección y a mejor película por La librería-, o en inglés, idioma en el que fue escrita la obra original de Penelope Fitzgerald -novela en la que se basa la película premiada-. Nosotros lo hemos hecho en castellano, y así nos despedimos.

Gracias por seguir nuestra cobertura y, ¡hasta el año que viene!

01:10. Carlos Saura y Penélope Cruz entregan el Goya más esperado de la noche, el de mejor película.

Y el premio es para el equipo capitaneado por una de las grandes ganadoras de la noche, Isabel Coixet, que ha adaptado al cine The Bookshop (1978), la novela de Penelope Fitzgerald. La librería cuenta la historia de Florence Green (Emily Mortimer), una mujer que decide -en contra de la educada pero implacable oposición vecinal- abrir en un pequeño pueblo de Inglaterra la primera librería que haya habido nunca en esa zona.

01:06. Gracia Querejeta y Juan Antonio Bayona entregan el premio a mejor dirección.

El Goya a mejor director(a) se escribe este año en femenino. La reconocida Isabel Coixet recoge el galardón por La librería. No es la primera vez que la guionista y directora se sube al escenario de los Goya. Coixet acumula ya cinco premios: mejor película documental por Escuchando al Juez Garzón; mejor guion adaptado por Mi vida sin mí, y mejor guion original, mejor película y mejor directora por La vida secreta de las palabras.

Premios Goya 2018, en directo 38

00:57. Los actores Luis Tosar y José Sacristán entregan el premio a mejor actriz protagonista.

Nathalie Poza recoge el Goya a Mejor actriz protagonista por su papel en No sé decir adiós. En el drama dirigido y creado por Lino Escalera, Poza hace de una hija que lo intenta todo para no afrontar la enfermedad irreversible de su padre. La carrera de la actriz madrileña había estado muy ligada al teatro, además de aparecer en múltiples series españolas como Hospital Central o El comisario. Había sido nominada en otras tres ocasiones al Goya, la última por su papel Todas las mujeres, de Mariano Barroso.

Premios Goya 2018, en directo 36

00:50. Se entrega el Goya a mejor película documental.

El premio era esperado: es para Julita Salmerón. Bueno, para Muchos hijos, un mono y un castillo, que nos presenta a Julita, la madre del director Gustavo Salmerón. Julita ha cumplido todos sus sueños de tener una familia numerosa, un mono y un castillo, y que ahora sufre los efectos de la crisis económica, sin dinero para poder mantener el imponente inmueble, y que a base de iniciativa y tacto logra mantener a la familia a flote.

00:44. Rossy de Palma y José Corbacho entregan el premio a la mejor película de animación.

La cinta premiada es Tadeo Jones 2. El secreto del Rey Midas. En la segunda entrega de la saga de Enrique Gato y David Alonso, Tadeo Jones 2. El secreto del Rey Midas, Tadeo Jones viaja hasta Las Vegas para asistir a la presentación del último descubrimiento de la arqueóloga Sara Lavroff: el papiro que demuestra la existencia del Collar de Midas, el mítico Rey que convertía en oro todo aquello que tocaba. Pero el feliz reencuentro se verá enturbiado cuando un malvado ricachón secuestra a Sara para poder encontrar el talismán y conseguir riquezas infinitas. Junto a sus amigos el loro Belzoni y su perro Jeff, Tadeo tendrá que hacer uso de su ingenio para rescatar a Sara, en un viaje por medio mundo, donde encontrará nuevos amigos ¡y nuevos villanos!

00:40. Llega el primer premio grande de la noche: el Goya a mejor actor protagonista.

Javier Gutiérrez, que pasó de la pantalla pequeña en su célebre papel en Águila Roja a la grande en numerosas y premiadas cintas, se hace con su segundo Goya por su papel protagonista en El autor. Ya obtuvo este reconocimiento por su interpretación en La isla mínima (2014). El asturiano es, a sus 47 años, uno de los mejores y más reconocidos actores en España, y con El autor se confirma como tal.

Premios Goya 2018, en directo 32

00:35. Es el turno de la mejor película europea.

El Goya es para la película dramática y satírica sueca The Square, dirigida por Ruben Östlund y protagonizada por Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West y Terry Notary, que narra la historia de Christian, el manager de un museo de arte contemporáneo, que se encarga de una exhibición titulada “The Square” en la que hay una instalación que fomenta valores humanos y altruistas. Cuando contrata a una agencia de relaciones públicas para difundir el evento, la publicidad produce malestar en el público.

00:30. Eduardo Blanco y Belén Rueda llegan para entregar el Goya a mejor película iberoamericana.

El Goya es para Una mujer fantástica, de Sebastián Lelio, que relata la historia de Marina (Daniela Vega), una joven camarera transexual aspirante a cantante, y Orlando (Francisco Reyes), veinte años mayor, que planean un futuro juntos. Tras una noche de fiesta, Marina lo lleva a urgencias, pero él muere al llegar al hospital. Ella debe entonces enfrentar las sospechas por su muerte. Su condición de mujer transexual supone para la familia de Orlando una completa aberración, algo que debe enfrentar.

00:24. Llega el turno al Goya a la mejor actriz de reparto.

La eterna secundaria -ha aparecido en grandes títulos como La isla mínima, Grupo 7 o Biuitiful– y el rostro reconocible en televisión Adelfa Calvo se lleva su primer Goya y la primera estatuilla de la noche para El autor, la película de Manuel Martín Cuenca.

Premios Goya 2018, en directo 28

00:17. Santiago Segura entrega el premio a mejor actor de reparto.

Premios Goya 2018, en directo 27

David Verdaguer, que interpreta el papel del padre adoptivo de la protagonista de Verano 1993, se lleva su primer Goya gracias a la cinta de Carla Simón.

00:07. Najwa Nimri presenta el Goya a mejor música original.

Pascal Gaigne, por Handia, engorda aún más si cabe la lista de premios para la cinta vasca por su música en la película. Handia ya lleva 10 estatuillas.

00:05. Marlango, tras actuar en directo, presenta el Goya a mejor canción original.

El ganador es Leiva, autor del tema principal de La Llamada, de Javier Calvo y Javier Ambrossi.

23:58. Es el turno del Goya al mejor guion adaptado.

Isabel Coixet sube por primera vez al escenario para recoger el premio por su guion de La librería, basado en el libro homónimo de Penelope Fitzgerald. “A toda la gente que todavía compra libros, va al cine, a todas esas señoras” quiere dedicarle esta estatuilla.

23:55. Eduard Fernández y Goya Toledo desvelan los premiados en la categoría mejor guion original.

Aitor Arregi, Andoni de Carlos, Jon Garaño y José Mari Goenaga, de Handia, se apuntan otro tanto para el equipo de la película más premiada de la noche.

23:45. El personaje creado por Javier Calvo y Javier Ambrossi e interpretado por Brays Efe, Paquita Salas, es el encargado de presentar el Goya a mejor actriz revelación. Esta peculiar representante de actores en la ficción de Netflix ha levantado la ovación del público.

Bruna Cusí, una de las protagonistas de Verano 1993, es la premiada en esta categoría. La catalana le ha agradecido especialmente a Carla Simón, premiada en la categoría de mejor dirección novel por esta misma cinta, su confianza.

Premios Goya 2018, en directo 21

23:40. Llega el turno del Goya a los mejores efectos especiales.

Jon Serrano y David Heras, por Handia, son los premiados en esta categoría. La película dirigida por Jon Garaño y Aitor Arregi lleva ya ocho estatuillas.

23:36. Jorge Sanz y Marian Álvarez presentan el Goya al mejor maquillaje y peluquería.

Ainhoa Eskisabel, Olga Cruz y Gorka Aguirre recogen su primer Goya, el séptimo de Handia, por su labor en el maquillaje y la peluquería de la cinta vasca.

23:26. La Presidencia de la Academia de Cine da su discurso anual. En representación de Yvonne Blake, que dado su delicado estado de salud no puede estar presente, están Mariano Barroso, vicepresidente primero de la Academia, y Nora Navas, vicepresidenta segunda de la Academia de Cine.

Somos el cine español, una parte de nuestra sociedad, con sus miserias y con sus virtudes. Entre nosotros hay gente de todas las tendencias ideológicas, políticas y sociales. Como todo el mundo, disfrutamos del éxito y aprendemos del fracaso”, dice Mariano Barroso sobre el papel del cine en la sociedad y la diversidad de los que integran el sector.

“Aquí sigue la industria del cine generando riqueza para el Estado, recaudando bastante más dinero del que recibe. Y también sigue ahí el IVA, al 21% a pesar de las promesas y anuncios oficiales de que bajaría“, dice Nora Navas dirigiéndose directamente al Ministro de Cultura. “Queremos transmitir a esos y esas adolescentes que hoy van al cine y sueñan con dedicarse a este oficio que no hay límites. Y que no basta con ponerse delante de una cámara. Que también necesitamos directoras, montadoras, guionistas, sonidistas, directoras de fotografía, scripts, compositoras en igualdad de número que los hombres“, ha añadido Navas entre aplausos sobre la polémica falta de representación femenina en el cine.

“Aquí seguimos un año más –y ya van cuatro–, pasando la barrera de los 100 millones de euros de recaudación, solo con las producciones españolas. Con una recaudación global en nuestras salas en torno a los 600 millones”, recuerda Nora Navas sobre el buen estado de forma del cine español. “Este año hemos hecho cine en castellano, cine en catalán, en euskera, en gallego, cine en inglés. Hemos mezclado géneros, nos deshacemos de complejos. El cine español se renueva, como se renueva la Academia. Este año se han incorporado casi 300 nuevos miembros. Nuevas y nuevos directores, actores, productores, un nuevo plantel de cineastas que conecta con nuestro público”, añade. Con la mirada puesta en el futuro, la vicepresidenta concluye que “nos queda mucho por hacer, mucho por conseguir, pero sabemos cuál es el camino. A dónde queremos llegar. Y no vamos a rendirnos porque somos muchos, muy tozudos y muy resistentes. Y no nos cansamos de soñar”.

23:23. Los mismos presentadores entregan también el Goya a mejor dirección de fotografía.

Javier Agirre Erauso, director de fotografía de Handia, recoge el premio confirma así que la película vasca es una de las cintas de la noche, si no la gran protagonista absoluta.

23:21. Arturo Valls e Irene Escolar entregan el Goya a mejor dirección artística.

Noche casi redonda para Handia, que se lleva su quinto premio, el cuarto técnico. El Goya a mejor dirección artística es para Mikel Serrano, que recoge por primera vez un premio de esta categoría.

23:18. El Goya a la mejor dirección de producción es el siguiente premio técnico.

Handia sube a agradecer un premio por cuarta vez esta noche por el trabajo de Ander Sistiaga.

23:15. Carlos Santos y Laia Marull presentan el Goya al mejor sonido.

Verónica se lleva su primera estatuilla de la noche gracias al trabajo de Aitor Berenguer, Gabriel Gutiérrez y Nicolas de Poulpiquet.

23:05. Sube al escenario Marisa Paredes, Goya de Honor en esta edición.

La actriz madrileña es reconocida por la Academia por “una prolífica y prolongada carrera, trayectoria que mantiene con absoluto vigor, apostando en numerosos trabajos por proyectos cinematográficos nacionales e internacionales definidos por el riesgo y el prestigio”, según anunció el pasado mes de octubre el Ministerio de Cultura en un comunicado. Presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España entre 2000 y 2003, ha recibido numerosos galardones, como el Premio Nacional de Cinematografía, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes o la Gran Medalla Vermeil de la Villa de París, así como premios cinematográficos en certámenes internacionales como el de Karlovy Vary, Taormina, Gijón o Málaga. En los próximos días recibirá la Espiga de Honor de la Seminci en su 62 edición. No obstante, este es su primer Goya. 

“Un abrazo muy muy fuerte a Yvonne Blake”, comienza Paredes su discurso, haciendo referencia al débil estado de salud de la presidenta de la Academia. En su etapa como Presidenta de la Academia de Cine, Yvonne hizo frente a la gala del ‘No a la Guerra’, una gala que ha asegurado que “volvería a repetir”. “Yo he tenido la suerte de que muchos directores confiaran en mí y ellos también han tenido al suerte de que yo confiara en ellos”, dice sobre los numerosos realizadores con los que ha trabajado. Entre un aplauso mayoritario de la sala, Paredes se retira con su Goya de Honor bajo el brazo.

23:00: Llega el turno del premio a mejor dirección novel.

Carla Simón, directora de Verano 1993, se lleva este galardón por dirigir su primer largometraje, una autobiografía que relata su propia experiencia, cuando era niña, tras la muerte de su madre por sida. “Se lo quiero dedicar a mis padres biológicos y a toda su generación que vivió tal vez el sida”, dice en su discurso de agradecimiento.

22:55. El mejor cortometraje de ficción es el último de los premios en esta categoría de películas de corta duración.

El Goya es para Madre, de Rodrigo Sorogoyen, centra su foco en una cotidiana conversación entre Marta y su madre que se convierte en una trágica situación contrarreloj cuando reciben la llamada del hijo de la primera.


22:50. El Goya a mejor cortometraje documental recae en Los deshererados.

Entre el documental y la ficción, Laura Ferrés presenta en Los desheredados el retrato de su padre, y relata el fin del negocio familiar de Pere Ferrés. La situación económica en los últimos años ha hecho que el protagonista se haya visto obligado a echar el cierre de su negocio, y con ello, también a una larga etapa de su vida.


22:45. Cristina Castaño sale al escenario para presentar los premios a los cortometrajes entre chascarrillos sobre lo corto y lo largo. El primero de todos: el Goya a mejor cortometraje de animación, que presenta ella misma con Unax Ugalde.

El galardonado es Woody & Woody, de Jaume Carrió, que retrata a Woody Allen en su corto. El amor, la religión, la muerte o el sexo son algunas de las angustias vitales y cavilaciones que preocupaban al director de Manhattan y que continúan interesando al Woody de hoy en día. Un creador neurótico y brillante; ahora y entonces. Un genio que, en realidad, solamente puede tener un único interlocutor a su altura: él mismo.

22:33. Llega otro galardón técnico: el mejor montaje.

Tres de tres. El mejor montaje recae también en Handia, que de momento hace pleno. Laurent Dufreche y Raúl López recogen su premio.

22:30. Llega el turno del premio a mejor diseño de vestuario.

El difícil trabajo de vestir a un gigante durante la Primera Guerra Carlista le ha valido a Saioa Lara el premio por Handia.

22:22. Marta Etura y Paco León dan el premio a mejor actor revelación.

El jovencísimo Eneko Sagardoy (1994) se hace con el primer premio de la noche: el Goya al mejor actor revelación por su papel en la película más nominada de la noche, Handia.

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22:08. Ernesto Sevilla y Joaquín Reyes dan la bienvenida a los invitados con sus primeras “víctimas”: Macarena García o aquellos que agradecen eternamente, para los que recomiendan asistan a la “sala de agradecer” tras su recoger sus premios. Ernesto Sevilla hace referencia a la reivindicación del papel de la mujer en el cine, “por eso esta gala la presento yo”, dice entre las risas del público.

22:00. Comienza la gala de la edición 32 de los Premios Goya de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.

21:30. A partir de las 20:30 de la noche, han comenzado a llegar las actrices y actores españoles invitados a esta gala de los Goya. La alfombra roja ha avanzado ya el que va a ser seguramente el tema de la noche: el feminismo y la desigualdad de salarios y proyectos entre hombres y mujeres. Solo el 27% de los nominados son mujeres (35 de 102), la dirección, producción y realización de la gala ha estado a cargo de hombres (la directora de contenidos fue omitida “por equivocación” de la nota de prensa), los dos presentadores son hombres y hay ocho categorías sin ninguna mujer nominada.

Para hacer visible esta situación, la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA) ha repartido abanicos con el lema #MASMUJERES.

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Penélope Cruz en la alfombra roja de los Goya 2018. | Foto: Pierre-Philippe Marcou

La actriz Leticia Dolera —que ya hizo un discurso durante los Premios Feroz— ha sido una de las más reivindicativas en la necesidad de una mayor presencia de mujeres.

Premios Goya 2018, en directo
Leticia Dolera en la alfombra roja de los Goya 2018. | Foto: Pierre-Philippe Marcou

La actriz Irene Escolar ha reivindicado en la alfombra roja lo que podemos hacer “cada uno en nuestra pequeña parcela” para combatir la desigualdad de proyectos entre hombres y mujeres.

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Irene Escolar en la alfombra roja de los Goya 2018. | Foto: Pierre-Philippe Marcou

Los Javis, como se conoce a los creadores de La llamada y Paquita Salas Javier Calvo y Javier Ambrossi nominados a mejor dirección novel, utilizan cada espacio y alfombra para su propia reivindicación: la defensa de la tolerancia y la diversidad sexual.

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Javier Ambrossi y Javier Calvo, conocidos como Los Javis, en la alfombra roja de los Goya 2018. | Foto: Pierre-Philippe Marcou

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