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Amando a Van Gogh al óleo y en 65 mil fotogramas

Romhy Cubas

Foto: Robert Gulaczyk como Vincent Van Gogh
Fotograma de Loving Vincent

Vincent Van Gogh apenas llegó ser consciente de sus 37 años antes de dispararse en el pecho y morir a los pocos días, aunque hay quienes creen que el pintor no se suicidó sino que fue asesinado. Durante su última década de vida logró reunir más de 900 pinturas para un portafolio profesional que demoraría en ser considerado como tal. No estuvo presente para entenderse con los fanáticos y adoradores que se inspiraron en su obra pos impresionista, en su predilección por los colores que marcó temporalidades en el arte o simplemente en su turbia y ambivalente existencia, pero sí dejó la estela de un imán tan sugestivo como sus interpretaciones de la vida y la muerte.

El marco de referencia siempre será Van Gogh y su Cielo Estrellado, aunque este es solo uno de los cientos de cuadros que supondrían teorías y conspiraciones escondidas. Unos 1600 dibujos se añaden a esta gigante colección, y al contrario de lo que se pregona sobre la inexistente compra por parte del público de sus cuadros, Van Gogh sí vendió su arte para sobrevivir. Un ejemplo es La Vigne Rouge (1888) expuesta en Bruselas y vendida por 400 francos a la artista belga Anna Boch.

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Noche estrellada sobre el Rhone. | Foto vía Loving Vincent.

El misterioso talento de Van Gogh lo estampó para la historia como uno de los grandes criterios artísticos de los que se tiene constancia.  Su vida personal fue una quimera entre locura y lucidez, con ataques de demencia en el intermedio que lo llevaron a ser internado en el manicomio de  Saint-Rémy, o episodios como la famosa automutilación de su oreja, la cual tampoco se sabe si fue a raíz de un ataque de esquizofrenia o producto de una pelea con el pintor y amigo Paul Gauguin.

Este año su obra vuelve a crear historia sin su “consentimiento”. De la aproximación entre el cine y el arte surge la dirección de la primera película realizada al óleo en la historia cinematográfica. Esta oda a Van Gogh es una “biografía” del holandés dirigida por Dorota Kobiela y Hugh Welchman, con música de Clint Mansell y estrenada en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, en donde recibió el Premio del Público.

El título de Loving Vincent –que hace referencia a la firma con la cual el pintor se despedía en sus correspondencias con su hermano menor Theo- es el último resultado de una larga lista de experimentos y fusiones artísticas que mezclan los biopics con la pasión y locura de artistas emblemáticos.

En este proyecto los animadores empezaron a trabajar con una base de 377 pinturas creadas por un equipo de diseñadores para luego pintar el primer fotograma de cada toma en un lienzo. El siguiente paso fue animarlos hasta terminar el proceso en el último fotograma de la toma. El equipo de diseñadores también se dedicó a crear retratos de los actores que participan en la película como: Saoirse Ronan o Jerome Flynn, fusionando en la pintura sus facciones y características con el aspecto de los personajes en su perfil al óleo.

El resultado se puede ver en 94 cuadros de Van Gogh con un aspecto bastante fiel al original y otros 31 con una representación parcial de algunas de sus pinturas. También se puede ver en 65 mil fotogramas pintados a mano en lienzo -fotograma por fotograma-. Integrando la presencia de actores reales que dan vida a estos cuadros en una especie de animación al óleo posible gracias a 125 artistas de todo el mundo –escogidos entre 4.000 aspirantes para un entrenamiento de tres semanas- que colaboraron en este ambicioso proyecto de 5,5 millones de dólares, el resultado final de Loving Vincent llega luego de seis años de constancia y paletas de color.

Entre los actores que dan vida a los cuadros de Van Gogh se encuentran Douglas Booth, Eleanor Tomlinson, Jerome Flynn (Juego de Tronos), Saoirse Ronan y Chris O´Dowd.

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Grupo de artistas en el estudio trabajando en las pinturas al óleo para Loving Vincent | Foto vía: lovingvincent.com

Van Gogh  y Theo

En el  verano de 1891 en Francia el joven Armand recibe una carta de su padre, el cartero Joseph Roulin, destinada a ser entregada personalmente al hermano de su amigo Vincent Van Gogh –Theo- en París. Pero en París no hay rastro de Theo, quien dicen murió poco tiempo después de que Vincent se quitara la vida, y con quien mantenía la relación más cercana durante sus últimos años de vida.  A partir de este hilo se desenvuelve la película que da vida a los cuadros de Van Gogh, recorriendo la substancia del pintor a través de la correspondencia que con frecuencia mantenía con su hermano pequeño, y que acumula una montaña de hasta 800 cartas.

Todos los personajes son interpretados por actores que trabajaron en sets construidos con la apariencia real de los cuadros de Van Gogh o en cromas que recreaban después del rodaje los cuadros del pintor mediante técnicas de animación digital. El rodaje real con los actores se hizo en Londres y Polonia y sirvió de base para la posterior animación de la película. El equipo de diseño estuvo un año intentando imaginarse los cuadros de Van Gogh en el cenit de la película.

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Jerome Flynn como el Dr. Gachet | Foto vía: lovingvincent.com
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Saoirse Ronan como Marguerite Gachet | Foto vía: lovingvincent.com

Los directores leyeron más de 40 publicaciones distintas sobre el pintor para ubicarse en un espacio y tiempo geográfico de su vida. También visitaron 19 museos en seis países distintos a los largo de cuatro años y llegaron a ver hasta 400 cuadros del artista. De esta bibliografía surgió la estela de presentar el estilo más maduro de Van Gogh, con retratos de personas cercanas y cruciales para este en aquella época como el cartero Roulin, el doctor Gachet, Margaret Gachet o Adeline Ravoux.

Por otro lado, uno de los mayores retos surgió gracias a las distintas formas y geometrías de los cuadros originales de Van Gogh y su encaje en los encuadres cinematográficos. La película tiene en su totalidad 898 tomas, trabajadas por animadores y artistas en resolución digital, quienes combinaron el material en vivo con la computación animada para exponer elementos como pájaros, nubes, hojas y caballos. También se utilizaron las denominadas “invasiones”, que suceden cuando un personaje pintado con un determinado estilo se mueve para meterse en otro cuadro con un estilo diferente.

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Terraza de un Café en Arlés. | Foto vía Loving Vincent.

Breve obituario

La famosa cita de Van Gogh en donde proclama: “No podemos hablar de otra forma que a través de nuestras pinturas fue reintegrada al cine literalmente por la directora polaca, quien reconoció en la ambición y la pasión de Vincent un lugar donde volver a crear arte e historia en sincronía. Graduada en la Academia Artística de Varsovia, Dorota Kobiela, que ya ha dirigido un cortometraje de acción real y otros cinco cortos animados, sostiene que la idea de Loving Vincent se le ocurrió por primera vez a los 30 años.  

Entre anécdotas e historias de sus cosechas en Holanda y los barrios bohemios de París, la película también cuenta con flashbacks que hacen referencia a momentos de su vida que no pintó pero que se presentan como pinturas tan  fieles a su estilo como les fue posible a los diseñadores y animadores.

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Aidan Turner | Foto vía Loving Vincent.

Hacia finales de 1888 Van Gogh comenzó a mostrar los primeros síntomas de una enfermedad mental que se aferraría a su rutina. Epilepsia, ataques psicóticos, delirios, hospitalizaciones y manicomios. El 27 de julio de 1890 intentó suicidarse pegándose un tiro en el pecho. Sobrevivió, aunque dos días después murió gracias a la herida. 

Theo, quien reunió la mayoría de las obras de Vincent en París murió seis meses más tarde. La viuda de Theo se llevó la colección de Vincent hacia Holanda en donde se dedicó a conquistar el reconocimiento y la fama que le llegarían al atormentado personaje tras su muerte.

Loving Vincent se estrena el próximo 12 de enero del 2018 en los cines de España.

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6 series animadas que no son para niños

Nerea Dolara

Bojack Horseman estrenó su cuarta temporada la semana pasada rodeada de alabanzas críticas. Pero no es la única serie animada que todos los adultos deberían ver. ¿Qué crees que es tema de niños? No tienes idea.

La semana pasada se estrenó la cuarta temporada de Bojack Horseman en Netflix. Esta serie, que en su última entrega podría definirse con dos adjetivos – devastadora e hilarante – es la última en una lista creciente de show animados para adultos que bien podrían ya tener su propia categoría como series de comedia y drama en los Emmy. Bojack es genial en su mezcla de temáticas fuertes (la nueva temporada se adentra en la herencia del trauma, la demencia y la desintegración de un matrimonio) y de risas encantadoras (como sus chistes visuales, su visión humorística con respecto a sus personajes animales y su enganche con tramas de humor del más tontuno). Una serie que, si no fuese animada (además de no ser tan brillante) sería tomada mucho más en serio.

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Los personajes de Bojack Horseman | Imagen vía Netflix

Bojack Horseman tiene como protagonista al personaje homónimo, un ex actor fracasado, que vive del dinero de una vieja mala sitcom que hizo en los noventa. Con él vive Tod, un joven sin trabajo y con una constante necesidad de complacer a todo el mundo, que es también asexual. También le acompañan su agente es una gata rosa llamada Princess Carolyn, que afronta el paso del tiempo y su frustración por no poder formar una familia. Diane, una periodista frustrada que se hace su amiga cuando escribe su biografía, lucha con la depresión y una enorme sensación de insatisfacción. Y el esposo de Diane, Mr. Peanutbutter, un labrador ex actor, es un tonto dulce con nada de maldad y mucha ignorancia. Con el paso de las temporadas la oscuridad de las tramas y la complejidad de las tramas, así como las consecuencias de las malas decisiones, pesan sobre estos personajes de maneras sublimes y dolorosas.

La serie del ex actor-caballo consumido por su vacío existencial no es la única que seduce a adultos en busca de series de buena calidad que ver. Incluso algunas que se suponen para niños… ofrecen tramas y personajes atractivos para un público que dejó la infancia atrás hace rato.

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Archer | Imagen vía FX

Archer

Esta serie de FX cuenta con nueve temporadas y tiene como protagonista a Sterling Archer, un espía que se autocataloga como “el mejor del mundo”. Como es de esperar es un ególatra, pero es también una sátira de Don Draper que bebe y trata a las mujeres como, bueno, como estos hombres retro y machistas. Trabaja junto a su madre, jefa de su agencia, una mujer castradora y hostil. La serie dio un giro absoluto en la temporada cinco cuando, tras ser desbancados por el gobierno, deciden convertirse en narcotraficantes… de ahí Archer ha jugado a cambiar y reinventarse muchas veces, siempre con humor negro.

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Bob’s Burgers | Imagen vía FOX

Bob’s Burguers

Con ocho temporadas y dos Emmys a programa animado, esta sitcom sobre una familia que lleva un restaurante de hamburguesas. La historia de los Belcher se centra en la lucha por hacer que su negocio funcione y, a la vez, en las relaciones de la familia. Muy graciosa y con corazón, merece la pena ser vista. Y todos los críticos llevan años diciéndolo. En 2012 la eligió la décima mejor serie del año.

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Rick y Morty | Imagen vía IMDB

Rick and Morty

Tiene sólo tres temporadas, pero es otra de las que tiene una lista de fieles seguidores. Comenzó como un corto animado de parodia de Regreso al futuro y se convirtió en una oscura (tiene un humor muy negro y sarcástico) serie sobre un abuelo cínico, que además es un cinetífico loco, y su manipulable nieto. La historia salta entre su dinámica familiar y sus experimentos alocados e interdimensionales.

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Adventure Time creada por Pendleton Ward para Cartoon Network. | Imagen vía Cartoon Network

Adventure Time

Pensada para niños, esta serie, que lleva nueve años al aire, mezcla la imaginería de videojuegos y juegos de mesa, como Calabozos y dragones. De todas es la que más premios ha recibido: Emmy, Peabody, Critic’s Choice y hasta un premio de Sundance. Los protagonistas son Finn, un niño aventurero, y su hermano adoptivo, Jake, un perro que puede cambiar de tamaño y forma.

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Steven Universe fue creada por Rebecca Sugar para Cartoon Network. | Imagen vía Cartoon Network.

Steven Universe

Prima cercana de Adventure Time, fue creada por una ex dibujante de la primera. La serie infantil se centra alrededor de Steven quien vive con tres “Gemas” una mezcla mágica de alien y humanoide. Juntos protegen al mundo. La serie ha ganado seguidores rápidamente, tiene sólo cinco temporadas, por su trato de sus personajes LGBTQ o de las diferencias en el color de piel o la identidad corporal.

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La tristeza también tiene su lado bueno

María Hernández

Cada vez más vemos cómo las empresas intentan fomentar entre sus empleados la positividad y la felicidad. En algunas agencias de publicidad, por ejemplo, los creativos cuentan con lo que llaman “sala de pensar”, un espacio diferente y divertido para fomentar la creatividad. Y no solo pasa esto en las empresas: anuncios a todas horas nos recuerdan que debemos evitar la tristeza, buscar motivos para ser felices, para estar alegres.
Sin embargo, varios estudios científicos han demostrado que las emociones negativas despiertan mucho más la creatividad. Si no, que se lo digan a cantantes y poetas del mundo entero, que nos ofrecen constantemente sus letras más profundas sobre sus amores, o más bien sus desamores. Vamos, que si necesitas buenas ideas, mejor estar triste.

Todo tiene una explicación

El hecho de que las emociones negativas faciliten la creatividad tiene una explicación bastante sencilla: una de las habilidades necesarias para ser creativo es la de solucionar problemas, y esto es mucho más sencillo si se han tenido problemas reales. La científica Anna Jordanous, de la Universidad de Kent, y el lingüista Bill Keller, de la Universidad de Sussex, han llevado a cabo un estudio en el que han determinado cuáles son los componentes que intervienen en el proceso creativo. Son catorce en total, entre los que se encuentran la capacidad de tratar con lo incierto, la independencia y la libertad, la originalidad o la espontaneidad. Según la actividad que tengamos que llevar a cabo, estos catorce componentes deberán encontrarse en un nivel u otro para ser efectivos, es decir, no existe la fórmula exacta de la creatividad.

Pero no han sido ellos los únicos en estudiar este tema. Numerosos estudios han tratado de establecer la relación entre la creatividad y enfermedades mentales como la depresión. El danés Karol Jan Borowiecki examinó en un estudio el estado emocional de Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Liszt, tres de los compositores más influyentes en la cultura occidental.

Partitura identificada como una creación de Mozart durante su infancia (Foto: Kerstin Joensson/AP)
Partitura identificada como una creación de Mozart durante su infancia. (Foto: Kerstin Joensson/AP)

Utilizó un software de análisis del lenguaje para estudiar textos escritos por estos tres artistas en busca de emociones, tanto positivas como negativas, y después los comparó con sus composiciones más importantes en ese periodo de tiempo. Así, el autor de este estudio descubrió que había una unión entre los períodos más tristes de la vida de estos compositores y sus mejores piezas musicales. “La creatividad, medida por el número de composiciones importantes, es atribuible causalmente a estados de ánimo negativos, especialmente a la tristeza”, explica el investigador.
“La tristeza es una emoción importante, muy importante. La tristeza se genera por la constatación y aceptación de una pérdida, pérdida que incide en nuestro mundo afectivo-relacional”, explica Antonio Esquivias, especialista en educación emocional, y añade que “los artistas, que necesitan crear algo nuevo, encuentran con mucha frecuencia inspiración en la tristeza y esta emoción se encuentra en el origen de algunas de las más bellas obras de arte, tanto de la literatura, como de la música o la pintura y el cine”.

” Los artistas, que necesitan crear algo nuevo, encuentran con mucha frecuencia inspiración en la tristeza”

Como todo, esto se ve mucho mejor con ejemplos. Por eso hemos decidido ahondar un poco más en el mundo de la música y la pintura para buscar signos de esta relación en algunos de los artistas más reconocidos, tanto nacional como internacionalmente.

La “nube negra” de Joaquín Sabina

El famoso cantautor andaluz Joaquín Sabina es un perfecto ejemplo de que una depresión puede ser la causa de la creación de verdaderas obras de arte.

En el año 2005, tras superar una depresión causada por una enfermedad y una ruptura, el cantante publicó su disco “Alivio de luto”. Este álbum dio un paso hacia la sencillez, con una instrumentación más básica para centrarse en la sensibilidad de la música.

“Cuando juego mi muerte al verso que no escribo, cuando solo recibo noticias de la muerte”

“Cuando juego mi muerte al verso que no escribo, cuando solo recibo noticias de la muerte, cuando corta la espada de lo que ya no existe, cuando deshojo el triste racimo de la nada”. Estos son algunos de los versos de “Nube negra”, una de las canciones de este disco, que expresa claramente la difícil época por la que pasó el artista.
Sabina, en numerosas entrevistas, declaró que fue adicto a la cocaína y que, durante la época en que consumía, también se bebía a menudo más de una botella de whisky. Explica que fueron sus amigos los que lo sacaron de esta depresión en la que no sabe cómo entró.

Joaquín Sabina ofrece un concierto en el Hammerstein Ballroom de Nueva York, su primero en EEUU  (Foto: Donald Traill/AP)
Joaquín Sabina ofrece un concierto en el Hammerstein Ballroom de Nueva York, su primero en EEUU. (Foto: Donald Traill/AP)

“Me falta una mujer, me sobran seis tequilas, no ver para querer, malditas sean las pilas que me hacen trasnochar echándonos de menos, echándome de más, almíbar y centeno”. Así comienza la canción “Seis tequilas”, otra muestra de que los malos momentos por los que pasó el cantautor le inspiraron la creación de canciones que, como la mayoría de sus letras, son verdaderas obras de arte.

El rock más triste

Saliendo del territorio nacional y acercándonos a otro género musical, nos encontramos con los casos de Axl Rose, el vocalista del grupo Guns n Roses, y Kurt Cobain, el nombre más conocido del grupo Nirvana.

Kurt Cobain en un documental emitido en 1993 (Foto: Mark J.Terrill/AP)
Kurt Cobain en un documental emitido en 1993. (Foto: Mark J.Terrill/AP)

De ambos artistas se ha dicho durante años que fueron diagnosticados como bipolares. Aunque ha habido mucha polémica y mucha especulación alrededor de estos diagnósticos, lo cierto es que, bipolares o no, ambos cantantes pasaron por etapas realmente complicadas durante su vida, tanto que Kurt Cobain se acabó suicidando a los 27 años.
El último albúm del grupo Nirvana, “In Utero”, es considerado por algunos como una nota de suicidio del cantante. Canciones como “Rape me” (Viólame) muestran su rabia: “Rape me, rape me my friend, rape me, rape me again” (viólame, viólame mi amigo, viólame, viólame otra vez). Y otras, como Heart-Shaped Box, son una muestra de su melancolía y su tristeza: “I’ve been locked inside your Heart-Shaped box for weeks” (he estado encerrado en tu caja con forma de corazón durante semanas).
Lo mismo ocurre con “Appetite for destruction”, el primer álbum de Guns n’ Roses, en el que encontramos letras con mucha fuerza y rabia, como las de “Out ta get me”: “They scream and yell, and fight all night, you can’t tell me, I lose my head, I close my eyes, they won’t touch me, cause I got somethin, I been buildin up inside, for so fuckin long” (Chillan y gritan, y pelean toda la noche, no puedes decírmelo, pierdo la cabeza, cierro los ojos, no me tocarán, porque tengo algo, que he estado construyendo dentro de mí, durante un jodido largo tiempo).

Axl Rose en un concierto de Guns n' Roses en el O2 Arena de Londres (Foto: Mark Allan/AP)
Axl Rose en un concierto de Guns n’ Roses en el O2 Arena de Londres. (Foto: Mark Allan/AP)

La tristeza también se pinta

Pero la tristeza no solo se manifiesta con palabras. Y una prueba de ello son las numerosas obras de Vincent Van Gogh. El famoso pintor holandés sufrió numerosos problemas de salud durante su vida, entre los que se encontraban ataques de epilepsia y episodios de lo que se cree que podría ser bipolaridad. Además, el artista ingería grandes cantidades de Absenta, cuyos componentes agravaban su epilepsia y depresión.

En Mayo de 1889, Van Gogh ingresó en un hospital psiquiátrico, y durante el año que permaneció allí pintó algunos de sus cuadros más conocidos, como “Lirios” o “La noche estrellada”. Durante ese año pintó alrededor de 140 cuadros.

"La noche estrellada" de Van Gogh en una exposición en Beijing (Foto: Mark Schiefelbein/AP)
“La noche estrellada” de Van Gogh en una exposición en Beijing. (Foto: Mark Schiefelbein/AP)

Esto es una prueba más de que no es necesario ser feliz o estar contento para tener ideas creativas o para crear obras de arte realmente buenas.

Estos cuatro artistas son solo un ejemplo de todas las teorías que relacionan la tristeza y la creatividad, pero no son los únicos: Woody Allen, Agatha Christie, Charles Dickens, Ernest Hemingway, Joan Miró, Sylvia Plath, Edgar Allan Poe, Paul Gauguin, Franz Kafka y muchos otros, que nos han dejado un increíble legado cultural, también sufrieron depresiones a lo largo de su vida.
Pero, como dice la frase popular “la excepción confirma la regla”, no todas las obras de arte vienen de la tristeza o la depresión. Así que todavía nos quedan opciones de convertirnos en artistas. Y si no, pues al menos seremos felices.

Continúa leyendo: KSMoCA, así es el Museo de Arte Contemporáneo dirigido por niños

KSMoCA, así es el Museo de Arte Contemporáneo dirigido por niños

Redacción TO

El mundo del Arte, que a veces parece tan inaccesible, mueve millones y millones de euros cada año. No es, desde luego, una industria a menospreciar. Para ser un poco más accesible, especialmente para los más pequeños, ha nacido el KSMoCA (King School Museum of Contemporary Art), un Museo de Arte Contemporáneo dirigido por niños.

Se trata de un museo que vive dentro de las paredes de una escuela pública en la ciudad de Portland, en Oregón, Estados Unidos. Según su página web, este proyecto “crea una combinación inusual entre la educación temprana, los artistas de renombre internacional y su trabajo”.

Finishing touches for the KSMoCA Retrospective at The Children’s Museum, opening Monday November 20th from 4:30-6pm.

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And since we’re here…

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Desde que en 2014 abriera sus puertas, el KSMoCA ha albergado hasta 14 exposiciones diferentes que han mostrado obras de fotografía, pintura o escultura, siempre relacionadas con el Arte Contemporáneo.

Se trata de un museo abierto al público, puede visitarlo gratuitamente, siempre con cita previa, y durante el horario de apertura determinado por la dirección del mismo.

Este museo, creado con la colaboración de la Portland State University’s College of the Arts, coloca a los menores en los diferentes roles del mundo del Arte: comisarios, coleccionistas, instaladores, publicistas, redactores, docentes… Más allá de largas horas de teoría, el proyecto coloca a la práctica en el centro de todo, como demuestra su divertida Feria de Arte Contemporáneo.

KSMoCA International Art Fair

Al puro estilo ARCO, Frieze o similares, la KSMoCA International Art Fair muestra el trabajo de diferentes artistas, procedentes de diferentes galerías internacionales. Galerías reales, esto no es ningún juego. O sí, pero va en serio. La única diferencia con esas grandes citas anuales con el arte, es que esta es una feria a escala infantil. Organizada por Harrell Fletcher y Lisa Jarrett, los artistas que están también detrás de este Museo-escuela, la feria pone a los más pequeños a trabajar.

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La primera edición de la KSMoCA International Art Fair ha sido todo un éxito. | Foto: KSMoCA

Los alumnos de la escuela aprenden, a través de la experiencia de la práctica en diferentes disciplinas relacionadas con esta industria, lo que es organizar una feria de arte internacional de cero.

KSMoCA is acquiring a new hallway at MLK Jr School. PSU students are in the process of “museumifying” it.

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Roshani @arthakore and the KSMoCA after school class/student advisory group.

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¿Te ha interesado este proyecto? KSMoCA acepta apoyo financiero y solidario para continuar trayendo artistas, colaboradores y crear así nuevos proyectos, publicaciones y eventos. Puedes donar aquí.

More prep work.

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Renema and Roz drawing at the Laylah Ali opening.

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Pocas escuelas primarias pueden jactarse de tener un museo de arte, ojalá fueran más y se promoviera así tanto la cultura como el negocio de una industria que casi nunca pasa por un mal momento. Puede que el KSMoCA sienta un precedente.

Continúa leyendo: Carlos Marques-Marcet: "Si tengo que elegir entre el talento y la suerte, elijo la suerte"

Carlos Marques-Marcet: "Si tengo que elegir entre el talento y la suerte, elijo la suerte"

Jorge Raya Pons

Foto: AVALON

Carlos Marques-Marcet (Barcelona, 1983) tocó el cielo en 2014, cuando ganó el Goya a mejor director novel por 10.000 kilómetros, que sumó otros cinco premios en el Festival de Málaga. Ahora espera con cierto nerviosismo que su nueva película, Tierra firme, eche a volar –como le gusta decir– y cobre vida propia. “Desde el momento en que está acabada, ya no pintas nada, va por sí sola”, dice. “A mí siempre hay un momento cuando termina la película en que me entra el bajón y me digo: ‘¿Ahora qué?’. La película es como parte de tu pasado, deja de ir contigo: cuando la hiciste eras otra persona”.

¿Te resulta difícil marcar un estilo durante el proceso?

Sí, requiere una cierta concentración. Siempre hay un momento en el proceso en el que te cansas, especialmente cuando es largo. Me cuesta entender a las personas que se tiran 10 años haciendo una película. Hay un momento en que ya no tienes nada que ver con la persona que la comenzó. Gestionar eso es una de las cosas más difíciles de un proyecto largo. Yo creo que por eso nunca ruedas como escribes, y nunca montas como ruedas. Casi se ven tus tres tús diferentes. Precisamente en la película que estamos haciendo ahora, estoy tratando de cambiar el proceso de intentar rodar cronológicamente y durante más tiempo a lo largo de un año.

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Marques-Marcet, durante el rodaje de ‘Tierra firme’. | Imagen: AVALON

[Tierra firme plantea una duda casi personal para el director: ¿qué ocurre en una relación, entre los 30 y los 40, cuando uno quiere tener hijos y el otro no? Y si con amarse no basta. Esta es la cuestión sobre la que circula toda la película, con sus fases de comedia y de drama, con el ambiente idílico de Londres y sus canales, con un reparto protagonizado por Oona Chaplin, Natalia Tena, David Berdaguer y Geraldine Chaplin].

¿Cómo recibiste la noticia de que Geraldine Chaplin estaría en tu película?

Hicimos el papel para ella, era nuestro objetivo. Solo que luego se complicó, pero Oona –su hija– nos ayudó para que fuera posible. Me dio mucha impresión, claro. Es Geraldine, un mito viviente. Es un lujazo trabajar con ella, nos hemos entendido muy bien. Fue un flechazo mutuo. Me contaba batallas con David Lean, Robert Altman, cómo dirigían… Y a la vez es una mujer súper humilde. Me dijo una cosa muy bonita que me dejó impactado: ella, de joven, pensaba que con el tiempo se le calmarían los nervios durante una película, pero que en realidad le ha sucedido todo lo contrario. Eso habla mucho de cómo vive su trabajo.

No debe ser sencillo dirigirla.

Bueno, luego es mucho más orgánico. Si el actor ve que tiene sentido lo que propones, lo va a hacer. Si ve que no lo tiene, te lo va a decir. Si un actor está por la faena, lo que quiere es dar lo mejor. Uno tiene que trabajar para que el actor confíe en él. Yo animo mucho a los actores a buscar sus vías. Probablemente el actor más duro con el que he trabajado sea Antonio Dechent. Te pone a prueba. Quiere ver si eres un buen director o no, y si no lo eres te come. Dechent te come.

[Carlos Marques-Macet habla sin reservas, se expresa mucho con las manos, y recuerda con entusiasmo uno de los momentos que solidificaron sus ambiciones de ser cineasta. “Pasó cuando estudiaba Audiovisuales”, cuenta. “En la Pompeu Fabra tenían una sala repleta de VHS y VHS NTSC y traían películas no publicadas en España o en Europa, igual venían de Estados Unidos. Guerín –director de cine y profesor universitario– nos hablaba mucho de Yasujiro Ozu, pero eran películas que nunca habíamos podido ver. Se movían en determinados círculos, y yo todavía no estaba en ese ambiente. Recuerdo llegar a la universidad, ir a los bajos, donde estaban los rolletes, y de repente ver ahí películas de Ozu. Me decía: ‘A ver qué es esto’. Cogía una y leía: ‘Un padre casa a una hija…’. Cogía otra y leía: ‘Un padre casa a una hija…’. Recuerdo poner Primavera tardía y no entender nada. Estaba en ese cubículo, sentado en una silla incómoda, y de repente hay un momento en la película en que el hombre se pone a pelar una manzana, como su último gesto se pone a pelar una puta manzana… Hay algo ahí que hace que te explote la cabeza. Es una emoción extática. No es una emoción de los personajes, tampoco es una idea. Es como puro cine con un gesto. Una revelación, si utilizamos términos religiosos –que no me gustan”].

¿Qué buscas en una película como espectador?

No lo sé… depende del día y del momento. En cada película busco una cosa. Por eso el problema de las expectativas. ¿Qué buscas cuando conoces a alguien? Para mí ver una película desconocida es como conocer a una persona, conocer un lugar o conocer una realidad diferente a la tuya. O como conocer una realidad tuya vista de otra manera. Entre hacer ordinario lo extraordinario y extraordinario lo ordinario. Entre Ozu y Mizoguchi, supongo.

¿Es distinto a lo que buscas como cineasta?

Supongo que… cuando escribes no estás pensando tanto en el espectador. Hombre, estás haciendo comedia y estás esperando que se rían con una broma, no voy a negarlo. Una cosa que me gusta y que sé que provoco con mis películas es que la gente salga de la película a tomar una birra y discuta sobre los personajes. Eso, para mí, ya es un logro. Y supongo que uno también busca crear una revelación que le cambie a alguien, pero tampoco tengo una aspiración tan grande con mis películas. Aunque si llega, perfecto.

¿Te sientes cómodo viendo tu propia película en una sala, con gente a la que no conoces y que no te conoce, comprobando sus reacciones?

Antes me daba pavor. Era una sensación muy extraña. Ahora veo mi película dos veces: en el estreno fuera y en el estreno en España. Esta la vi en Sevilla y la vi en Londres, y lo que mola de esta película es ver si la gente se ríe o no. Me di cuenta de que en Londres se ríen de cosas completamente distintas. Allí comenzaron a reírse desde el minuto cero con Geraldine haciendo de hippie. Aquí la gente no se empezó a reír hasta que apareció la escena del semen: a partir del momento incómodo. Luego puede que se rían y que no les guste, y viceversa, pero te da ese placer momentáneo, casi como recibir un like. Ahora lo interesante es ver lo que la gente piensa y cómo opina y qué debates se crean. No es la parte que más me gusta de hacer una película, pero también la disfruto. Aunque también paso vergüenza, como si hablaran de mi hijo delante de mí.

¿Y piensas mucho en el cine cuando no estás trabajando?

Yo soy de los que cree que pensar no sirve de mucho, que solo sirve para fantasear y darle demasiadas vueltas. A mí me vale más hablar de una idea, especialmente con gente que ha pasado por cosas parecidas. Que la gente dé su opinión sobre la película. Ahí empiezas a pensar en los personajes, en imágenes. Muchas veces tiene que ver con los espacios. Me ha pasado, esta vez, con los canales. Tenemos un documento de 700 páginas con cada puente de los cuatro canales principales de Londres. Todo lleno de fotos. Ahí sacas muchas ideas de las localizaciones, más que si estás paseando en la playa. Para esta película he leído mucho sobre canales, sobre en qué épocas y cómo se construyeron, sus historias y las de sus constructores, sobre la gente que vivía en barcos, que se llamaban a sí mismo boaters.

Carlos Marques-Marcet: "Si tengo que elegir entre el talento y la suerte, elijo la suerte" 4
Oona Chaplin y Carlos Marques-Marcet, en el rodaje de ‘Tierra firme’. | Imagen: AVALON

[Luego, Marques-Marcet cuenta que no se siente un director ilustrado, que va “muy poco a museos” y que es, incluso, “bastante necio”. Luego dice, entre risas, que es un autor con “poca imaginación”: “Recuerdo que cuando acabé el guión de Tierra firme, se lo pasé a un amigo. Él me dijo: ‘Está muy bien. Pero esto es como L’Atalante, ¿no?’. Y claro, es una de mis películas favoritas, pero ni siquiera había pensado en ella. Quieras o no, las películas están en tu inconsciente”].

Ahora que estrenas tu segunda película, ¿has pensado en qué te gustaría hacer en los próximos años?

Me gustaría comer bien, follar mucho… viajar… y hacer películas. Espero no hacer ninguna película que no disfrute. Me gusta hacer encargos, y eso es un peligro. Me da miedo no escoger bien. Eso depende mucho de la suerte. Y si tengo que elegir entre el talento y la suerte, elijo la suerte.

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