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Así será la ampliación más ambiciosa de la historia del MoMA de Nueva York

Cecilia de la Serna

Foto: MoMA

Si uno piensa en arte contemporáneo, rápido le viene a la mente el MoMA neoyorquino. El gran santuario de arte moderno de Occidente, que alberga algunas de las obras maestras de este campo, y que acoge a aproximadamente 2,5 millones de personas cada año, se queda pequeño. Ya lo hizo en 2004, cuando fue inaugurado el nuevo MoMA, con casi el doble de espacio que el anterior. Ahora, esta gran galería emprende de nuevo una expansión para seguir siendo el gran estandarte de la cultura contemporánea.

La firma de arquitectura neoyorquina Diller Scofidio + Renfro, en colaboración con la californiana Gensler, son los encargados de diseñar esta llamativa renovación que aumentará el tamaño de las galerías para que los visitantes se sientan más cómodos y puedan programarse otro tipo de performances y obras audiovisuales. Esta nueva expansión es tan ambiciosa que sus obras se han planeado en dos partes: por un lado las de la zona este del edificio, que ya están completadas, y por otro las de la zona oeste, que terminará de construirse en 2019.

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La escalera Bauhaus restaurada en la zona este ya completada. | Foto: Iwan Baan / MoMA

50.000 metros cuadrados para reinventar la narrativa de la colección

Esta última zona, la que aún no está terminada, constará de 50.000 metros cuadrados en los cuales se repartirán aún más obras de la colección permanente a través de “una serie de narrativas interconectadas y fluidas de arte moderno y contemporáneo de todos los medios”, según explican fuentes del museo. Se trata de la reforma más ambiciosa de las dos que se llevan a cabo en este proyecto. Las instalaciones multidisciplinares se repartirán a lo largo y ancho de este nuevo espacio para dar sitio a diferentes formatos, como la fotografía o la arquitectura, que convivirán con todas las expresiones artísticas que caben en una gran colección como la del MoMA.

Esta nueva zona oeste contará también con un estudio para los medios, donde se podrán realizar diferentes performances en vivo, y donde se albergarán todas las herramientas para realizar grabaciones profesionales de las mismas.

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Vista de la nueva galería Louise Reinhardt Smith. | Foto: Iwan Baan / MoMA

Según aseguran desde la institución, cuando todo el proceso de renovación termine, contarán con hasta un tercio más de espacio para albergar tanto la colección permanente como las exposiciones temporales. Además, han confirmado que la primera planta al completo seguirá siendo de acceso gratuito al público.

La polémica de la remodelación

Este ambicioso proyecto era difícilmente concebible sin una polémica. La Gran Manzana es una isla, y al ser una isla el espacio es el que es, aunque allí tiendan a expandirse a lo alto y no a lo ancho. Para hacer factible la ampliación del MoMA el museo anunció que tendría que derribar un edificio contiguo, la sede del American Folk Art Museum, con el fin de aumentar su superficie expositiva. Este espacio, que no llega a quince años de vida, fue diseñado por Tod Williams y Billie Tsien y adquirido por el MoMA en el año 2011.

El fin de esta demolición es que todo el espacio del museo sea uno, que no haya disrupciones. Como apuntan desde el MoMA, “el objetivo general es mostrar la mayor parte de la colección con formas nuevas y emocionantes y para crear la experiencia más agradable y atractiva para los visitantes”. Por ello, el edificio de American Folk Art Museum les sobraba y optaron por hacerlo desaparecer, directamente, en 2014. Sus arquitectos no acabaron demasiado contentos, como era de esperar. Tod Williams llegó a sentenciar en tono triste que “todos los edificios un día se convertirán en polvo, pero éste podría haber sido reutilizado. Desafortunadamente, ni la imaginación ni la voluntad estuvieron presentes”.

Así será la ampliación más ambiciosa de la historia del MoMA de Nueva York
El American Folk Art Museum, ya desaparecido. | Foto: Flickr / CC User Dan Nguyen

Polémicas aparte, parece que el MoMA nació para no ser nunca el mismo. Mientras que técnicamente se moderniza, pensando en esa vieja máxima de “o renovarse o morir”, en realidad la remodelación es una vuelta a sus orígenes. Glenn Lowry, su director, declaraba al New York Times recientemente que este proyecto consiste en “repensar en cómo fuimos concebidos originalmente”. En 2019 veremos el resultado (no) definitivo.

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El Prado se apunta al WorldPride con un itinerario de arte homoerótico

Cecilia de la Serna

Foto: Museo Nacional del Prado

Durante dos intensas semanas, Madrid celebra el WorldPride 2017, un acontecimiento de trascendencia global con el que la reivindicación y la fiesta se darán la mano entre unos tres millones de personas. Muchas son las actividades de ocio, deportivas o culturales que acompañarán a madrileños y foráneos en torno a la diversidad, y la mayor pinacoteca de España no podía faltar. Por eso el Museo del Prado inaugura una nueva forma de ver su colección permanente, La mirada del otro: Escenarios para la diferencia.

Este proyecto, que se inscribe en el marco de las actividades relacionadas con la celebración del WorldPride Madrid 2017 y viene acompañado por una publicación patrocinada por la Comunidad de Madrid, es un itinerario inédito en la pinacoteca madrileña.

Diversos recorridos por 30 obras de distintas épocas que revelan, de una forma u otra, una mirada sobre la sexualidad de manera no normativa. No es en sí una exposición de facto, como la que exhibe la Tate Gallery de Londres (Queer British Art), sino una mirada diferente a obras que ya pertenecían al Prado. Sus comisarios rechazan utilizar la palabra “homosexual” para dar nombre a este nuevo itinerario, ya que el término no apareció hasta el siglo XIX y las obras del recorrido son anteriores.

El Prado se apunta al WorldPride con un itinerario de arte homoerótico
Orestes y Pílades o Grupo de San Ildefonso. | Foto: Museo Nacional del Prado

Cada uno de los diferentes recorridos propuestos, independientes pero complementarios entre sí, refleja “una realidad afectiva cuya consideración social ha sido cambiante con el paso de los siglos y en función de los lugares, y que ha ofrecido diversos y atractivos reflejos en el Arte”, aseguran los comisarios del itinerario. En ellos se subraya, por un lado, el carácter inadvertido, o incluso oculto, que se confirió en el pasado a las iconografías del amor más diverso y, por otro, “el hecho naturalmente inclusivo de su existencia”, apuntan desde el museo.

El viaje inclusivo del Museo del Prado lo iniciamos con esculturas de parejas clásicas como Orestes y Pílades, Adriano y Antínoo, Aristogitón y Harmodio o la de Safo de Lesbos, directamente llegada del almacén de la pinacoteca y que, hasta ahora, no se podía ver. Más allá del mundo clásico, destacan piezas de Botticcelli, Leonardo y Caravaggio y dos obras realmente excepcionales de la colección del Prado: El Cid de Rosa Bonheur y El maricón de la Tía Gila de Goya. Ambas son poco conocidas por el público pero visibilizan dos realidades complementarias de una artista y una iconografía claramente alusiva a los contenidos de este itinerario expositivo. Rosa Bonheur, primera pintora que recibió la Legión de Honor francesa y la Gran Cruz de Isabel la Católica, solicitó a las autoridades un permiso de travestismo para poder vestir con pantalones e ir a ferias de ganado, granjas y trabajar con animales salvajes.

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El Cid, de Rosa Bonheur. | Foto: Museo Nacional del Prado

La mirada del otro: Escenarios para la diferencia estará disponible en el Museo Nacional del Prado hasta el 10 de septiembre de 2017.

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La exposición World Press Photo lleva a Barcelona las mejores fotografías del año

Redacción TO

Foto: Burhan Ozbilici
AP Photo

World Press Photo, la exposición de fotoperiodismo más importante del mundo, llega a Barcelona para repetir el éxito del pasado año, cuando congregó a 56.434 personas en cuatro semanas, según la Fundación Photographic Social Vision, que organiza la muestra. En esta ocasión abrirá las puertas el próximo sábado 29 de abril en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, el CCCB, y no las cerrará hasta el lunes 5 de junio.

El tema principal de la exposición es la crisis migratoria que vive Europa, pero también hay un lugar destacado para los conflictos políticos internacionales, la influencia de la tecnología en el mundo moderno y el impacto del ser humano en el medio ambiente. “Nuestra misión como Fundación es clara y queda reflejada en el lema Ver para entender”, dice Silvia Omedes, directora de Photographic Social Vision, en un comunicado. “A través de proyectos como World Press Photo Barcelona, la fotografía se convierte en herramienta de sensibilización social; por eso hacemos especial hincapié en ampliar la exposición con actividades paralelas y realizar visitas guiadas, para facilitar la comprensión de las imágenes en toda su profundidad y las historias que hay detrás”.

La exposición World Press Photo lleva a Barcelona las mejores fotografías del año 1
Una tortuga atrapada por una red de pesca. | Foto: Francis Pérez/World Press Photo

Entre los fotógrafos destacados se encuentran varios españoles que reivindican la fotografía como forma de denuncia. Francis Pérez ganó el primer premio en la categoría ‘Naturaleza’ con la fotografía Caretta caretta atrapada, donde la protagonista es una tortuga marina atrapada por una red de pesca cerca de la costa tinerfeña. En esta imagen se representa las consecuencias de la pesca indiscriminada, que afecta a cientos de especies de la biosfera.

La exposición World Press Photo lleva a Barcelona las mejores fotografías del año 2
Monarcas en la nieve ilustra la muerte masiva de mariposas en invierno. | Foto: Jaime Rojo/EFE

En la misma sección, logrando el tercer puesto, aparece Monarcas en la nieve, de Jaime Rojo, donde decenas de mariposas muertas se amontonan sobre el hielo del Michoacán, en México, después de una tormenta de viento y nieve. La deforestación en la región elimina el refugio de estos insectos, y con el cambio climático las tempestades cada vez son más violentas. Estos factores se juntaron justo cuando las mariposas se disponían a migrar a Estados Unidos y Canadá.

La exposición World Press Photo lleva a Barcelona las mejores fotografías del año 5
Dos niños lloran la muerte de su madre. | Foto: Santi Palacios/AP Photo

Santi Palacios obtuvo el segundo premio en la categoría ‘Temas de actualidad’ por la fotografía Abandonados, donde se muestra a dos niños, ella de 11 años y él de 10, llorando la muerte de su madre, ahogada en el mar. La imagen se remonta a julio de 2016, después de ser rescatados por el barco de salvamento de una ONG. Los niños habían navegado durante horas en un bote neumático con otros refugiados y fueron rescatados en el Mediterráneo, a unos 23 kilómetros al norte de Libia.

La exposición World Press Photo lleva a Barcelona las mejores fotografías del año 7
Dos mujeres nigerianas que representan la tragedia de los refugiados de todo el mundo | Foto: Daniel Etter/World Press Photo

En la categoría ‘Temas contemporáneos’ destaca el tercer premio de un fotógrafo alemán afincado en Barcelona: Daniel Etter. Su obra La trampa libia para los migrantes refleja a dos refugiadas nigerianas abrazadas y entre lágrimas en un centro de detención para refugiados en Surman, Libia, en agosto de 2016. En este centro se concentran cientos de mujeres que huyen de sus países y que encuentran en este país del Norte de África un infierno en su trayecto hacia Europa. En estos lugares, por ejemplo, ni siquiera se les proporciona agua o comida, teniendo que vivir en circunstancias profundamente precarias.

A la exposición de World Press Photo se suma la difusión de los premios del Concurso Narrativas Digitales y la celebración de actividades paralelas, incluyendo talleres y clases magistrales para profesionales. La selección, tan asombrosa, se ha reducido a 143 fotografías. Sin embargo, se presentan a concurso algo más de 80.000, estando representados 125 países diferentes. Esto convierte a la muestra en la más ambiciosa y completa del mundo.

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Mujeres y arte: 7 nombres que desafiaron a la Historia

Cecilia de la Serna

Foto: RUBEN SPRICH
Reuters

Como ya relatamos en este espacio, las mujeres lo han tenido realmente difícil para obtener el reconocimiento del mundo del Arte, tan machista o más que otros sectores de la sociedad. Si bien las artistas han logrado ir haciéndose un hueco en las últimas décadas, aún nos preguntamos si es necesario que una mujer esté desnuda (en un cuadro) para entrar en un museo. Antes de que llegaran las Guerrilla Girls y otros movimientos más recientes como el de Girls in museums, muchas mujeres desafiaron a sus contemporáneos y a la Historia del Arte de la forma más consecuente: creando. Muchas de ellas quedaron relegadas a ser “la mujer de” o “la musa de”, obviando el valor de su trabajo.

Aprovechando la iniciativa #5WomenArtists, a través de la cual varios museos y entidades artísticas retan al público a nombrar a cinco mujeres artistas con motivo del Día Internacional de la Mujer, podemos observar que no todo el mundo es capaz de hacer tal selección. Por ello vamos más allá y presentamos siete nombres femeninos -algunos más célebres que otros- que desafiaron a la Historia desde diferentes disciplinas, desde la pintura a la escultura, pasando por la ilustración.

1. Frida Kahlo (1907-1954)

El nombre de Frida Kahlo es, seguramente, el que más suene al común de los mortales. Su vida estuvo marcada por el infortunio de contraer una poliomielitis de niña, y después por un grave accidente que sufrió durante su juventud, accidente que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos. No obstante, nada de aquello la separó de su capacidad creativa e inspiradora. La pintora mexicana combinó en su obra, de carácter muy personal, los estilos surrealista, naïf y folclórico.

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Perro Itzcuintli conmigo, una de las obras más emblemáticas de Frida Kahlo. | Foto: Stefano Rellandini / Reuters

Su vida personal se ha estudiado con lupa, casi con cierto voyeurismo. Su matrimonio con Diego Rivera marcó ciertamente la obra de Frida Kahlo, y su bisexualidad sigue planeando por su vida y obra. Sin embargo, el arte de Frida Kahlo va mucho más allá de su vivencias personales. Aunque su trabajo fue admirado en vida por varios artistas contemporáneos a su época, no fue hasta después de su muerte cuando sus piezas lograron una mayor trascendencia. La mexicana ha extendido su figura de artista hasta convertirse en icono del siglo XX.

2. Georgia O’Keeffe (1887-1986)

Sería muy difícil comprender el Arte Contemporáneo del siglo XX sin la influencia de Georgia O’Keeffe, que fue la gran pionera en el campo de las artes visuales. Sus obras más conocidas son las pinturas de flores a gran escala, como Black Iris, y sus series de cuadros, como Jack-in-a-Pulpit.

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Black Iris, de Georgia O’Keeffe. | Foto: Alfred Stieglitz Collection, 1969

Como detrás de cada gran mujer hay un gran hombre, la obra de O’Keeffe no se entendería sin la presencia del fotógrafo y galerista Alfred Stieglitz, que con buen ojo supo ver en ella una de las máximas representantes del Arte Moderno. A diferencia de Frida Kahlo, Georgia O’Keeffe sí que conoció en vida las mieles del éxito. De hecho, en sus últimos días pudo recibir numerosos galardones y asistir a importantes exposiciones y retrospectivas en su honor.

3. Louise Bourgeois (1911-2010)

La influencia de Louise Bourgeois en el Arte Contemporáneo a nivel global es innegable. Su obra trasciende las fronteras y los estilos artísticos: toca movimientos como el Surrealismo, el Posminimalismo y el Expresionismo Abstracto. Sus famosas esculturas de araña -un homenaje a su madre tejedora- son hoy un emblema del Arte.

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La escultura Maman, de Louise Bourgeois, expuesta en el Museo Picasso de Málaga. | Foto: Jon Nazca / Reuters

Una de estas esculturas llegó a subastarse por 10,7 millones de dólares, convirtiéndose en una de las artistas féminas más cotizadas del mercado. Reconocida como la precursora del Arte Confesional, cuatro de sus trabajos están catalogados como sugestivos de la figura humana, expresando temas como la traición, la ansiedad y la soledad. Sus trabajos eran puramente autobiográficos y estaban inspirados en su trauma de la infancia causado por el descubrimiento del affaire entre su padre y su niñera.

4. Yayoi Kusama (1929)

Yayoi Kusama es probablemente una de las artistas vivas más influyentes del mundo del Arte, llevando la voz cantante en el avant-garde. Tras estudiar Nihonga (pinturas de estilo japonés) en su país natal, se interesó por los movimientos occidentales, lo que la llevó a mudarse a Nueva York. Al principio se adhirió al Expresionismo Abstracto, para más tarde pasarse al Arte Pop. Sus obras está basadas en el arte conceptual y están fuertemente influenciadas por el feminismo. Además se ha adentrado en otras disciplinas artísticas como la literatura.

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Infinity Mirrored Room, por Yayoi Kusama. | Foto: Caren Firouz / Reuters

Las obras de Yayoi Kusama se encuentran entre las más cotizadas a escala mundial. En 2008, la casa de apuestas Christie’s vendió una obra de la artista japonesa por 5,1 millones de dólares, un récord para una mujer artista viva. Por otro lado, se han expuesto grandes retrospectivas de su obra en lugares de relevancia como el MoMA de Nueva York, el Museo Whitney de Arte Estadounidense y la Tate Modern de Londres.

5. Camille Claudel (1864-1943)

La historia de Camille Claudel está tintada de locura, una locura muy lúcida. Su visión artística era genial, muy adelantada para su época (empezó a esculpir a muy temprana edad, en la segunda mitad del siglo XIX). Como en la gran mayoría de casos de artistas féminas, se habla de Camille Claudel como la musa de su compañero –en este caso Auguste Rodin-, con el que mantuvo una relación amorosa durante unos años. Sin embargo, su obra cobra importancia por sí misma. Durante casi una década, Rodin y Camille trabajaron codo con codo, influyéndose e inspirándose el uno a la otra, y creando algunos de sus mejores trabajos: Fugit Amor, en el caso de Rodin; Sakountala, en el de Camille.

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Sakountala, de Camille Claudel. | Foto: Sotheby’s

Tras su ruptura con el famoso escultor galo, Claudel no se quedó sin inspiración, sino todo lo contrario. A pesar de entrar en una espiral de locura tras este proceso traumático, entre 1899 y 1905 surgieron algunas de sus mejores obras, como El Vals, El Pensamiento, La Ola o El Abandono. Su influencia en la escultura del siglo XX es innegable, aunque su nombre no resuene tanto como el del que fue su compañero.

6. Berthe Morisot (1841-1895)

Berthe Morisot es otra artista francesa, en este caso figura relevante del Impresionismo, cuyo enlace sentimental suele citarse. En su caso, se trata de Eugène Manet, hermano de Édouard Manet. La figura de Berthe Morisot, junto a las de otras maestras del Impresionismo, quedó ensombrecida por el conjunto del movimiento, mayoritariamente masculino.

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Pastora desnuda tumbada, una pintura de Berthe Morisot. | Foto: Museo Thyssen

Siguiendo la estela de otras grandes artistas de su tiempo, como Mary Cassatt o Marie Bracquemond, Berthe Morisot llenó sus lienzos de escenas cotidianas con gran dulzura y delicadeza. Tras su desaparición, sus cuadros siguen teniendo un lugar destacado en el mundo del Arte, de hecho sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares en el mercado actual.

7. Beatrix Potter (1866-1943)

Beatrix Potter creció en el seno de una familia acomodada en la Inglaterra Victoriana. Aunque siempre ha sido más reconocida por sus obras literarias -especialmente infantiles-, su incursión en el mundo de la ilustración -una disciplina artística que a menudo queda relegada a un segundo plano- no es en absoluto desdeñable. Potter logró unir su talento con el dibujo a su extraordinaria capacidad de observación de la naturaleza y de contar historias. Como resultado nació Peter Rabbit, un personaje de cuentos ya legendario.

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Peter Rabbit, el personaje más célebre de Beatrix Potter | Foto: Frederick Warne & Co.

En 1902 publica su primer cuento ilustrado y tal fue su éxito que durante la siguiente década no dejó de publicar nuevas historias. Tras el fallecimiento de su marido, Beatrix compró la granja Top Hill en Escocia, de donde saca la inspiración necesaria para seguir creando sus historias, escritas e ilustradas.

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Bowie, Björk y Brian Eno: de la música a los museos de Barcelona

Ariana Basciani

Foto: Brian Duffy
Duffy Archive

El verano condal ha llegado. La semana previa al Sónar la ciudad se termina de llenar de turistas que disfrutan del buen clima del Mediterráneo. Las terrazas están llenas, la temperatura ha pasado del frescor a calor y prácticamente no hay un solo ser humano sin  gafas de sol.

Justo para darle más posibilidades a los locales valientes que deciden quedarse y a la masa turística que llega a Barcelona, este verano la ciudad propone una programación cultural con instalaciones que celebran a tres figuras claves de la música, la creatividad y la tecnología: David Bowie, Björk y Brian Eno.

David Bowie is… un héroe en Barcelona

Treinta años después que el mítico artista británico visitara por primera vez Barcelona con Glass Spiderman Tour, su figura y su legado vuelven con la exposición David Bowie is que se traslada del Victoria & Albert Museum al Hub Design Barcelona para seguir perpetuando el mito. David Bowie is revisita en detalle la trayectoria del cantante británico desde sus inicios como David Jones hasta convertirse en David Bowie, Ziggy, Aladdin, o el Thin White Duke.

300 objetos pertenecientes a la cosmología “bowieana” se exhiben en las diferentes secciones de la muestra, siempre acompañados por una audio guía que asemeja al susurro de Major Tom o las melodías pegajosas de Ziggy Stardust.

Bowie, Bjork y Brian Eno: de la música a los museos de Barcelona 1
Instalación en David Bowie is | Imagen vía Victoria and Albert Museum de Londres (V&A)

Más allá de deslumbrarte por los miles de atuendos que Bowie usó durante toda su carrera y recordarte con nostalgia alguna etapa de tu vida a través de sus canciones, la exposición perpetua a Bowie como mito: no solo fue un músico, fue ese tan cierto lugar común, un hombre camaleónico. Esa unión de arte, literatura, teatro, cine y música que se unieron al diseño gráfico, la moda y el marketing para hacer de un hombre el concepto actual de transmedia, el creador de miles de referentes culturales en el último siglo.

David Bowie is no solo es la exposición. La muestra está acompañada de eventos paralelos que diseccionan la vida del artista a través de las diferentes temáticas en las que visiblemente marcó un referente o viceversa, es así que se podrá asistir a las charlas Bowie Talks donde se reflexionará sobre los vínculos del artista con la moda, la literatura, la fotografía, las finanzas o el marketing.

También se puede asistir a Bowie Cinema donde se podrá ver nuevamente películas clásicas como Labyrinth o The Man Who Felt the Earth. O Bowie Listening Room con tres sesiones para escuchar sus discos. Por último, el 13 de julio será el encuentro Bowie Symphonic donde la orquesta sinfónica de Barcelona interpretará Blackstar, último disco de Bowie.

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Fotografía original de la cubierta del álbum Earthling. | Imagen vía Victoria & Albert Museum

Añadido al tema de la exposición encontramos su catálogo, un ejemplar que traslada los 300 objetos exhibidos durante el recorrido expositivo a un centenar de ilustraciones que recoge este volumen con fotografías personales, portadas de discos, trajes, partituras y otros objetos del artista. David Bowie is se convierte en un libro 320 páginas, editado en español por Malpaso Editorial, con ensayos a profundidad de los comisarios de la exposición: Victoria Broackes y Geoffrey Marsh, quienes junto a otros colaboradores, musicólogos y escritores como por ejemplo, Jon Savage, relatan a Bowie desde el análisis sociológico, musical o simplemente desde la intimidad.

El inigualable artista inglés ya no estará entre los vivos pero su legado invita a ponerte los zapatos… let’s dance!

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Imagen promocional de Björk Digital | Imagen vía CCCB

Björk Digital a la vanguardia de las nuevas tecnologías

La realidad virtual ha sido promocionada como la tecnología del entretenimiento en el futuro y si hay una artista que va más allá en la vanguardia artística o tecnológica esa es Björk.

El Centre de Cultura Contemporànea de Barcelona (CCCB) inaugura este 14 de junio Björk Digital, un montaje desde la realidad virtual en donde la artista islandesa nos propone un viaje emocional a través de su música y el universo creativo que la caracteriza.

Luego que la muestra viajara por Tokio, Sídney, Montreal, Reikiavik, Londres y Los Ángeles llega a Barcelona, siendo la única ciudad de España que permitirá entrar en el entorno inmersivo de Björk, en especial de su último álbum Vulnicura. El universo conceptual de la muestra promete un recorrido de 90 minutos de duración que  permite embarcarse en una experiencia sensorial en primera persona con la artista a través de la combinación tecnológica de la realidad virtual con el performance, el cine y el vídeo.

Björk Digital incluye las conocidas instalaciones: Stonemilker VR, Black Lake, Quicksand VR, Mouthmantra VR, Family VR y Notget VR.

El proyecto ha sido creado por Björk en colaboración con amigos y creadores visuales de la talla de Spike Jonze, Michel Gondry, Nick Knight, Alexander McQueen, Stéphane Sednaoui, o los más recientes, Andrew Thomas Huang, Jesse Kanda, Nick Thornton Jones o Warren du Prees entre otros.

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Brian Eno | Imagen cortesía de Shamil Tanna

Brian Eno: luces, música y sonidos

Brian Eno le regaló a David Bowie su obra Estrategias oblicuas mientras ambos estuvieron en Berlín. Con este mazo de cartas -a modo de arcanos del tarot- podían resolver problemas creativos. En esta ocasión, Brian Eno vuelve a visitar la misma ciudad que Bowie y la liaison ocurre a través del legado musical de ambos artistas.

Lightforms / Soundforms es la exposición más completa sobre el trabajo de Brian Eno como artista. Para la exhibición en Barcelona el artista ha creado la pieza New Space Music, una instalación musical concebida específicamente para ser vista y escuchada dentro del claustro Max Cahner del Arts Santa Mònica .

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Lightforms/Soundforms: Austria01 (77 Million Paintings). | Imagen vía Nick Robertson at WORDSALAD.

Además se podrá disfrutar de la icónica 77 Million Paintings, instalación audiovisual donde las imágenes y los sonidos van evolucionando de forma indefinida a través de normas con dimensiones estadísticas imprevisibles por el artista. Una obra viva que se renueva constantemente como el planeta Tierra, ya que cada resultado estadístico que se produce por la combinación de luz y sonido, tardaría millones de años en repetirse, de allí el nombre de la obra. Eno plantea reproducir 77 millones de imágenes diferentes a través de esta instalación.

Otra pieza destacada dentro del espacio son las Light Boxes, pinturas en movimiento o música visual, que van evolucionando constantemente. Además, Brian Eno presta para esta exposición, una serie de libretas ordenadas por fecha que el músico inglés ha mantenido desde su adolescencia, donde se recogen a modo de diario íntimo, aspectos personales y profesionales. Las libretas no han sido nunca publicadas y Eno las considera una fuente de ideas.

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Pieza destacada de Lightforms/Soundforms: Light Boxes. | Imagen cortesía de Paul Stolper.

Lightforms / Soundforms además incluye una reminiscencia a uno de primeros álbumes de música ambient creado por Eno, Music for Airports, ya que la extensión de la exposición ocurre con una intervención en el Aeropuerto de Barcelona-El Prat en donde los viajeros que lleguen a la ciudad entre el 12 y el 18 de junio podrán oír, a través de la megafonía del aeropuerto, el último álbum del artista, Reflection.

Las entradas para David Bowie is y Björk Digital varían dependiendo del horario y el día, Lightforms/Soundforms en cambio, es gratuita.

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