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Cómo Rotten Tomatoes interfiere (o no) en el cine

Nerea Dolara

Foto: Merie Wallace
A24

Lady Bird rompió esta semana un récord con 164 críticas positivas y un 100% de frescura en la web que suma reseñas de cine. Este año la página se ha ganado muchos titulares gracias a que se le culpa de fracasos de taquilla, por ejemplo, y de un patético verano en recaudación. Pero, ¿es verdad que tiene tanto poder?

Esta semana la noticia en el mundo del cine ha sido que Lady Bird, el debut como directora de Greta Gerwig, ha roto el récord de mayor cantidad de reseñas positivas de Rotten Tomatoes. Expliquemos qué significa esto. Rotten Tomatoes es una web dedicada a reunir y promediar porcentajes de frescura o mal estado de las películas que se estrenan en función de las críticas que se publican en todos los medios sobre cada filme. Obtener un 100% ya es un logro, pero romper un récord es excepcional. Lady Bird tiene, hasta el momento, 100% de frescura con 164 reseñas tomadas en cuenta (y hace nada ganó como Mejor Película en el New York Critics Awards).

¿Quién tenía el récord anterior? Toy Story 2 tenía ese honor con 100% tomando en cuenta 163 reseñas. Este anuncio es una buena señal para Lady Bird, que podría convertirse en la sorpresa del año en el Óscar e incluso ganarle una estatuilla de Mejor Dirección a la segunda mujer en toda la historia del premio.

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Toy Story  | Imagen vía Pixar

Pero no hay que adelantarse, lo claro es que la película disfruta de la adoración de la crítica y que eso es siempre una ventaja. No es la primera vez en los últimos tiempos que Rotten Tomatoes se ha visto enredado en las noticias del cine. La página ha tenido más de un desagradable encuentro con los seguidores de DC Comics y su universo cinematográfico por las malas notas que han tenido películas como Batman vs Superman o Suicide Squad. Y sí, Rotten Tomatoes (que recibe más 13,5 millones de visitas al día) no es el culpable de esos malos porcentajes, al final sólo están sumando el desprecio general de la crítica por estas mediocres cintas… pero los fans (esos que hasta se indignaron cuando Mujer Maravilla, también de DC, tuvo buena crítica, porque su protagonista y su directora son mujeres… es decir, no los fans más agradables o pensantes del mundo) no están interesados en explicaciones.

La verdad es que ha habido una amplia discusión este año con respecto al poder que tiene el sitio para afectar las ganancias de taquilla de las películas. Sus porcentajes se publican en la medida en que salen las críticas y éstas tienden a aparecer antes del estreno de las cintas. En marzo el director Brett Ratner (ahora acusado de acoso sexual por varias mujeres) calificó al sitio como “lo peor que le ha pasado a la cultura del cine actual”. Ratner argumentaba que en el pasado la crítica era seria y que ahora todo se reduce al porcentaje de Rotten Tomatoes (que, no olvidemos, es una suma de crítica tradicionales… nada más). “El puntaje de Rotten Tomatoes para Batman vs Superman fue tan bajo que dejó una sombra negra sobre una película que tuvo mucho éxito”. ¿Un dato a tomar en cuenta? La compañía de producción de Ratner co-financió la película de DC…

Cómo Rotten Tomatoes interfiere (o no) en el cine
Fotograma de League of Justice | Imagen vía IMDB

Pero no sólo se trata de las palabras de este cineasta. Hace unos meses el New York Times publicó un artículo llamado “Atacado por Rotten Tomatoes” en que analizaba los patéticos números de la taquilla de este verano y responsabilizaba en cierta forma al sitio y sus porcentajes. Lo cierto es que muchos ejecutivos dicen que la culpa es de la página web y otros reconocen que simplemente se han estrenado malas películas y que eso probablemente tiene que ver con los resultados del verano. Un punto que tomar en cuenta, para quienes piensan que Rotten Tomatoes conspira del alguna manera: la compañía es financiada por estudios de cine. Sí, de hecho Warner Brothers (responsable de las películas de DC) tiene acciones en la web, igual que NBC, que es dueño de Universal Pictures.

De hecho, hace poco Rotten Tomatoes tuvo otro momento en los titulares cuando retrasó la publicación de su porcentaje sobre Justice League hasta después de su estreno. El argumento de la página es que su nuevo programa semanal, emitido por Facebook, Rotten Tomatoes See It / Skip It sería el lugar en revelarían su porcentaje. Pero mucha de la prensa de la industria se encargó de recordar que Fandango, que Warner Brothers controla, es quien financia la web y que podría no ser casual…

Cómo Rotten Tomatoes interfiere (o no) en el cine 3
Imagen de Lady Bird vía IMDB

La verdad es que si se hace una correlación real de datos (un artículo de Medium lo hizo) los porcentajes de Rotten Tomatoes no son tan importantes para la taquilla como a algún productor de películas mediocres le gustaría pensar. ¿Para lo que sí sirve? Para tener un balance de lo que se piensa sobre una película y para, como en el caso de Lady Bird, tener un merecido momento de reconocimiento.

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10 de los mejores directores indies vuelven a las salas de cine

Nerea Dolara

Foto: Imagen de How to Talk to Girls at Parties
Focus Features

Antes del 2018 una decena de películas de autores indie que todos amamos llegaran a los cines y, en muchos casos, intentarán competir por el Óscar. ¿Ya sabes cuáles son?

Este año ya llegaron a las salas estrenos de nombres del indie como Sofía Coppola, Noah Boumbach o Darren Aronofsky, pero aún quedan muchos más autores indies por aparecer en las salas antes de que el año termine. Toma nota, estas películas son de visión obligatoria si eres fan del cine de autor.

Phantom Thread

La nueva película de Paul Thomas Anderson, y el que se ha anunciado que será el último proyecto en que participe Daniel Day Lewis como actor, llegará pronto a las salas. En el Londres de los años cincuenta un sastre, Day Lewis, reina como el encargado de las prendas que lleva la realeza, las celebrities y demás ricos y famosos de la ciudad. Su vida es organizada, atrapada en un patrón si se quiere. Todo eso cambia cuando conoce a Alma, una mujer fuerte e independiente, que se convierte en su musa y su amante. Siendo la última actuación de Day Lewis ya se habla de que obtendrá una nominación al Óscar como Mejor Actor, incluso algunos hablan de que lo ganará.

Lady Bird

Vale, esta es una especie de trampa. Greta Gerwig nunca ha dirigido, pero la actriz y guionista es en parte responsable de muchos de los mejores proyectos que ha estrenado últimamente su pareja, Noah Baumbach (Frances Ha o Mistress America) y con esta dramedia se lanza a las aguas de la dirección sin miedo y con tanta albanza crítica que resulta difícil no imaginar que la nominen a un Óscar. Lady Bird, que tiene a Saoirse Ronan como protagonista, es una historia de madurez semi autobiográfica que Gerwig lleva a la pantalla con humor y exactitud. Y lo dicho, la crítica la adora, incluso ha utilizado en varias ocasiones la palabra perfecta para describirla. ¿Lo será?

Isle of Dogs

Wes Anderson vuelve al ruedo con una nueva película animada con stop motion. Si su incursión anterior en el género -‘Fantastic Mr. Fox’- es indicador, ‘Isle of Dogs’ promete y mucho. La historia es ya de por sí extraña y llamativa: un malvado gobernante japonés absolutista decide desterrar a todos los perros a una isla basurero. Cuando un niño pierde a su mascota gracias a la ley, opta por embarcarse en una arriesgada misión de búsqueda. En la isla los demás perros los ayudarán a encontrar a su mejor amigo y sortear todo tipo de riesgos. ¿Es temible que la película sufra críticas por situarse en Japón y tal vez estereotipar a sus personajes? Sí, pero no queda sino esperar.

The Death of Stalin

Armando Ianucci, el genio de la comedia política que dirigió Into the Loop y creó Veep, vuelve a las andadas con esta comedia negra sobre los últimos días de la vida del dictador soviético. Si se piensa que la muerte del gobernante se manejó con delicadeza y pensamiento estratégico… no fue así. En medio del fallecimiento se suceden malentendidos e intentos de toma del poder, todo repleto del humor caústico de Ianucci y de sus afilados diálogos.

The Killing of Sacred Dear

La langosta fue la primera incursión de Yorgos Lanthimos en el cine de habla inglesa. El cineasta griego siente predilección por historias retorcidas, metafóricas y, básicamente, únicas. Si con la anterior hizo pasar a sus personajes por la amenaza de ser convertidos en un animal si no encontraban pareja, con esta se adentra en el cine de terror: una pareja con una vida doméstica ideal ve su tranquilidad romperse cuando un joven adolescente amenaza con revelar secretos del pasado.

How to Talk to Girls at Parties

John Cameron Mitchell (Rabbit Hole y Shortbus) vuelve, esta vez con una adaptación de un cuento de Neil Gaiman. Una extraterrestre que se separa de su grupo conoce a un joven fanático del punk en el Londres de los setenta y decide explorar parte de la ciudad y de la vida humana junto a él. La película se estrenó en Cannes y tiene como protagonistas a Elle Fanning y Nicole Kidman.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Del director Martin McDonaugh, responsable de ‘In Brugges’, llega este drama que ya le ha ganado fuertes rumores de Óscar a Frances McDormand, que la protagoniza. La historia tiene al frente a una madre que, tras el asesinato sin resolver de su hija, decide increpar a la policía de su pueblo alquilando tres grandes vallas publicitarias donde se pregunta por qué no hacen su trabajo. Crítica, emocional y muy acorde con el momento rebelde de los liberales en un mundo en que Trump es presidente, esta película tiene ventajas en los Premios de la Academia.

Call Me by Your Name

Luca Guadagnino, que se ganó un lugar en las listas de críticos y amantes del cine cuando estrenó I am Love, y que lo corroboró con A Bigger Splash (en que brillan Ralph Fiennes y Tilda Swinton), vuelve con una de las películas que ha enamorado a todo el que la ha visto en festivales internacionales y que tiene muchas posibilidades de llevarse algún Óscar. La historia es la de un joven que descubre el amor cuando se enamora de un estudiante de posgrado que visita la casa de verano de su familia, invitado por su padre que es también su profesor. Una historia de madurez y de auto descubrimiento, del primer amor y de deseo.

Wonderstruck

Todd Haynes (‘Far From Heaven’, ‘I’m Not There, Carol’) se adentra en el mundo infantil con su nueva película. Ubicada en dos momentos temporales, la historia salta entre las aventuras de dos niños. Rose, en 1927, abandona su casa en Nueva Jersey, para ir en busca de su madre. 50 años después, Ben, que hace poco perdió a su madre, decide emprender la búsqueda de su padre. La película está basada en una novela del mismo nombre.

Downsizing

Alexander Payne (The Descendants) se adentra en los terrenos de la comedia y de la ciencia ficción. Matt Damon y Kristen Wiig protagonizan esta historia en que gente común decide experimentar un nuevo avance tecnológico: ser encogidos. Surrealista y, probablemente, crítica, la película promete humor… aunque no ha recibido buenas críticas. Habrá que verla y decidir.

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Reservoir Dogs cumple 25 años y sigue siendo lo más Tarantino que hay

Nerea Dolara

Foto: IMDB
IMDB

Su primer largometraje marcó su estilo para siempre. ¿No lo crees? Mira los cinco elementos que se repiten en todo su cine y que comienzan aquí.

El 14 de octubre se cumplen 25 años del estreno de la película que pondría a uno de los directores contemporáneos más respetados en el mapa: Reservoir Dogs. El primer largometraje de Quentin Tarantino se ha convertido en un clásico de culto y aunque fue Pulp Fiction quien lo hizo una estrella, su primera incursión cinematográfica ya deja claras sus intenciones. De hecho, tiene casi todas las marcas de lo que se convertiría su cine… Tarantino, al parecer, tuvo claras desde el principio sus señas de identidad como autor. La trama es simple: un grupo de hombres, cuyos nombres son alias, planean un robo que sale mal. Terminan, quienes sobreviven, en el punto de encuentro y lo que resulta es una discusión general sobre quién es el topo que los ha traicionado. Así, nada más. Reservoir Dogs lo tiene todo y es por eso que se ha sostenido en el tiempo como una de las obras más respetadas del director.

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Reservoir Dogs, un clásico del cine de los 90 | Imagen vía IMDB

La violencia

Esta lista no tiene un orden establecido, pero si hubiese que comenzar por algo que define el cine de Tarantino y que Reservoir Dogs tiene en cantidad es la violencia: descarada, visible y casi regocijada en sí misma. Tarantino, fan como es de la serie B y el cine asiático de artes marciales, adora representar peleas y debe tener un proveedor de sangre falsa que ya es un millonario… En Reservoir Dogs hay una escena, de hecho, que es un clásico de las secuencias de Tarantino tanto como Mia Wallace y Vincent Vega bailando en Pulp Fiction o La Novia masacrando a los secuaces de O Ren Ishi en Kill Bill... y si has visto la película sabes cuál es. Mr. Blonde, o Victor Vega como descubrimos luego, tortura a un policía que ha tomado como rehén para descubrir quién los traicionó. Y lo hace al ritmo de Stuck In The Middle With You. La violencia es gratuita -Vega es un psicópata sin duda-, intensa y de cierta forma ligera, ese extraño equilibrio que logra Tarantino entre horrorizar y entretener que es tan complicado de explicar: una suma de adrenalina y terror. Y la música…

Las bandas sonoras

Tarantino es de esos directores que se involucra intensamente con sus soundtracks. No es de extrañar. La música forma parte crucial de algunas de las escenas más recordadas de sus películas, incluyendo la de Vega torturando al policía. El cineasta tiene predilección por la música de los sesenta y por pistas poco conocidas que, por esa razón, se asocian para siempre con sus imágenes. La escena de Vega en Reservoir Dogs no es traumática para el espectador por esa yuxtaposición humorística que le da la música, ese terrible entusiasmo con que Vega canta mientras el policía atado lo mira con terror y el detective encubierto no puede hacer nada. Es tenso y leve, es genial y simple, es absolutamente pop.

Los personajes

No sólo está aquí el hermano de Vincent Vega (John Travolta) en Pulp Fiction, sino que sus protagonistas son delincuentes. Tarantino nunca ha estado interesado en contar las historias de ciudadanos adaptados, ya sea en sus películas de época, como Inglorious Bastards, como en otras actuales, como Jackie Brown. Sí, siempre cuenta con un personaje ajeno al espacio de los delincuentes que tiene que involucrarse (aquí, el detective encubierto), no son disfrute y adrenalina, pero sus amores predilectos son los hombres que trabajan fuera de ley. Pero no se trata de los jefes. A Tarantino no le interesa el padrino, le interesan sus matones. Comienza con Reservoir Dogs y sigue durante mucho de su carrera. Su curiosidad insaciable con respecto a la cotidianidad de estos trabajadores del crimen lo lleva a explorar historias que antes de él poco se veían en el cine.

Los diálogos irrelevantes

Irrelevantes no por malos o innecesarios, sino por su naturaleza casual y, para cualquier otro narrador, desechable. Reservoir Dogs comienza con una reunión en un dinner (un set que también adora) en que los miembros del equipo que pretende asaltar el banco discuten sobre Like a Virgin de Madonna… durante varios minutos. Tarantino usa estas conversaciones para determinar rasgos de sus personajes, además de para darles humanidad. Son gente, aunque trabajen con armas y maten sin piedad. Son personas que oyen a Madonna… o que comen en McDonalds.

La estructura

Tarantino nunca ha sido fan de contar sus historias de manera lineal. No lo hace en su primera película, que salta desde el presente del robo que fue mal a puntos del pasado sin discriminación, y nunca lo hace en las demás. Ya sea diviendo la historia en bloques, episodios o capítulos; ya sea contando sin estructura temporal; o volviendo al mismo punto desde diferentes puntos de vista, el cineasta juega con el tiempo y el espectador, siempre.

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Lady Bird: una postal a la retentiva de la juventud

Romhy Cubas

Foto: IMDB
IMDB

Dos de las principales particularidades del estreno de una de las películas más comentadas de la temporada, Lady Bird, incluyen el debut como directora y guionista de la actriz Greta Gerwig –Frances Ha, Mistress America, Las mujeres del vigésimo siglo– y el nuevo récord de reseñas positivas en la famosa web de revisión y críticas cinematográficas Rotten Tomatoes con un score de 100%, 170 reseñas positivas y 0 negativas superando al previo poseedor del título,  Toy Story 2. Además, es ahora la película de A24 con mayor éxito financiero. Después de poco menos de dos meses en los cines, ha ganado $ 28,306,445 dentro de los Estados Unidos, lo que la sitúa por encima de los $ 27,854,932 obtenidos por Moonlight, que todavía ostenta el título mundial aunque aún Lady Bird no se ha abierto en los mercados extranjeros.

Lady Bird es una de las contendientes más fuertes para los Oscar y los Golden Globe con cuatro nominaciones a los últimos incluyendo Mejor Musical o Comedia, Mejor Guion, mejor Actriz y Mejor Actriz de Reparto. Desde su estreno en el Festival de Toronto –Canadá- el pasado febrero, este drama con roces de comedia se ha convertido en un oportuno retrato no solo de la adolescencia y de las decisiones con las cuales intentamos definirnos, sino de una América en pretérito en donde sus habitantes todavía no entendían que tan engañoso se podía volver su futuro.

Situada en Sacramento-California en 2002, Lady Bird es la historia de una adolescente de 17 años que se hace llamar Christine Lady Bird McPherson, un nombre dado por ella para ella. Christine asiste a una escuela católica mientras su madre (Laurie Metcalf) trabaja incontables horas como enfermera y su padre (Tracy Letts) lidia con una depresión tras perder su último trabajo.

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Saoirse Ronan y la directora Greta Gerwig en el set de Lady Bird | Imagen: A24

El esquema principal es el de los recuerdos y las primeras veces. La directora Greta Gerwig convierte a esa clásica comedia adolescente americana en una humilde y genuina proyección de emociones precoces. El talento de Gerwig para crear guiones entre personajes se hizo evidente con anterioridad cuando en películas como Hannah Takes the Stairs o Yeast sus diálogos eran casi improvisados y a la vez superiores. Pero en Lady Bird la actriz y directora trae un debut de alta calidad y semi-autobiográfico, en donde esas ganas incontenibles de salir de una ciudad cuando se es adolescente se convierten en una postal con una dedicatoria especial.

A los 16 años nunca pensamos en querer regresar, la noticia es: eventualmente todos queremos volver, aunque las calles que extrañamos se hayan convertido en un gigante centro comercial.   

Gerwig trabajó en Lady Bird durante dos años antes de enviarle por primera vez el guión a Saoirse Ronan. La parte semi-autobiográfica convive en sus experiencias en Sacramento y la escuela católica. Aunque en una conferencia de prensa del Festival de Cine de Nueva York la cineasta aclaró que “nada en la película literalmente sucedió en mi vida” afirma que hay núcleo de verdad que “resuena con lo que sé “.

“Realmente quería hacer una película que fuera un reflejo de mi hogar y de lo que significa el hogar, y cómo el dejar el hogar define lo que es para ti y tu amor por él”, sostiene.

La inspiración que suponen su ciudad natal y su infancia resuenan en un producto final que se narra como una carta de amor hacia la construcción de la adultez en la adolescencia.

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Saoirse Ronan en Lady Bird | Imagen: A24

Desde su actuación en Atonement en el 2007, Saoirse Ronan es uno de esos talentos jóvenes que ningún director quiere desaprovechar. Diez años después y con participaciones estelares en películas como El gran hotel Budapest, Brooklyn y Loving Vicent se ha ganado un perfil que de ser nominada a los Oscar esta temporada como Mejor Actriz Principal la convertiría en la actriz más joven en tener tres nominaciones a la Academia, (Tendrá 23 en el momento de las nominaciones, al igual que la actual detentadora de récords, Jennifer Lawrence, que también obtuvo su tercera nominación a los 23, aunque su cumpleaños es un poco más tarde que el de Lawrence por solo cuatro meses.)

Para Ronan Lady Bird es esa “chica que iba a hacer algo, e iba a ser algo, pero no sabía muy bien lo que iba a hacer y quién iba a ser”, le comenta la actriz a IndieWire sobre su primera impresión del personaje. “Me gusta que la hayamos encontrado en este momento intermedio, mientras ella estaba descifrando todo. Aún no había llegado a ninguna parte, estaba entre estos grandes momentos”.

Su representación de Christine es completamente sincera y sencilla, así como el personaje. No hay poses ni adulteraciones, sino el reconocimiento del amor y las amistades, de la realidad familiar y de las debilidades paternales. Es la reconciliación con el ser original luego de intentar caerle bien a esa persona con más dinero y una casa refinada, o luego de usar demasiado maquillaje para gustarle al niño popular del curso de arriba.

Lady Bird: una postal a la retentiva de la juventud
Escena de Lady Bird con Saoirse Ronan y Laurie Metcalf | Imagen: A24

Las relaciones en la película se utilizan para marcar entre otras cosas esas distinciones sociales que hacen tanto contraste cuando se es joven. Delicadas pero reales. Entre ellas la amistad de Lady Bird con Julie (Beanie Feldstein), quien vive en un modesto apartamento con su madre soltera, un dulce noviazgo con Danny (Lucas Hedges) cuya abuela vive en la “casa de sus sueños”, el romance con un rockero que no le gusta el dinero e intenta sobrevivir del trueque interpretado por  Timothée Chalamet de Call Me By Your Name, otra de las fuertes contendientes para los Globos de Oro y los Oscars, y está el esfuerzo de Lady Bird por tener una amistad con la chica popular de la escuela Jenna (Odeya Rush) pretendiendo ser una persona rica que vive en una casa que no es en realidad la suya.

Por otro lado está la complicada estructura creada por Gerwig en donde madre e hija se aferran al mismo viaje de descubrimiento de maneras opuestas. Laurie Metcalf logra un papel casi estelar en donde despliega el personaje de una trabajadora y apegada madre con una personalidad y sinceridad tan excéntricas como Lady Bird. Lo que proyecta la película no es solo una migración adolescente, sino una postal familiar en donde todo es tan auténtico como en la vida real. 

Lady Bird es esa persona espontánea y dramática que intenta encontrar el sentido moral de la vida en la urgencia de la juventud. La idea de dejar la niñez detrás se estrella con el tiempo y la nostalgia de una heroína adolescente, ambiciosa, que usa ese sentido de precipitación como leitmotiv para buscar su propio camino.

El punto de vista de Gerwing es sutilmente femenino, sin ser invasivo, y lo que logra es una amabilidad nostálgica en donde recuerda una realidad que todo ser humano en crecimiento ha experimentado alguna vez, ese momento en el cual te estrellas contra la pared pensando que has encontrado tu autopista en el mundo.

Al final lo que permanece es la retentiva y una postal, exactamente lo que la directora buscaba.Quería que el film fuera como un recuerdo. No sé si esto tendrá sentido. Solo quiero que la película esté allí. Si, parecía un recuerdo y me parecía 2003 a mí… iría a Kinkos y haría copias de las cosas y decoraría mi habitación y mis amigos harían fanzines”

En Lady Bird a través de una ciudad se cuentan cientos de ciudades. No es solo Sacramento, o New York, es la universalidad de unos personajes atrapados en suburbios o vecindades que salen de sus espacios seguros, que extrañan esos mismos lugares y vuelven a ellos luego de comprender la magia de sus paisajes. Es además, la retentiva de ser ante todo y todos, tu propia persona.

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5 momentos que cambiaron Hollywood en 2017

Nerea Dolara

Foto: Netflix
Netflix

Éxitos de taquilla, escándalos y la ceremonia de premios más bizarra de la historia son algunos de los hitos del año en Hollywood.

2017 ha sido un año activo. No sólo ha estado lleno de noticias políticas, sociales y económicas (recuerden que este año ganó Trump, fue el referendo de Cataluña y tembló terriblemente en México, por ejemplo), sino que en el mundo del entretenimiento no ha parado la información -¡y qué información!- en los 12 meses que se nos acaban esta semana.

Cuando el Óscar cometió el error más grande de su historia

Ha sido tal la avalancha que cuesta recordar que el 2017 comenzó con un hito del espectáculo que parecía imposible de superar: el fiasco del Óscar a Mejor Película. Repasemos este caos: por primera vez en la historia del premio octogenario el sobre incorrecto llegó al escenario y, no sólo eso, el Óscar se le dio a la película incorrecta y en medio de un caos digno de una comedia se volvió a otorgar al filme correcto. ¿Cómo pasó esto? La serie de eventos -que culminó con un ¡Oh My God! pasmado de Emma Stone y uno de los productores de La La Land afirmando que no era un chiste, que la ganadora era Moonlight– es de chiste: el encargado de otorgar el sobre, uno de los dos únicos que tienen permitido saber quién ganó, estaba subiendo fotos a Twitter y en vez de darle a Warren Beatty el de Mejor Película, le dio el de Mejor Actriz. Y luego Faye Dunaway, ante la sorpresa de Beatty, miró de reojo el sobre y soltó ¡La La Land! Lo demás es historia.

Es incluso posible que este glorioso momento de caos signifique que la ceremonia ya no sea tan secreta, ya que se han establecido tal cantidad de pasos de seguridad que los ganadores ya no sólo los conocen dos personas, sino más de 10. Lo cierto es que fue un comienzo de año movido y realmente entretenido (menos para los que hicieron La La Land y para Beatty, porque Dunaway pasó de hacer un mea culpa).

El extenso y terrible escándalo de acoso sexual en Hollywood

Con dos artículos publicados en el New York Times y el New Yorker reventó la que tal vez ha sido la mayor historia del entretenimiento americano de todos los tiempos. Todo comenzó con las decenas de acusaciones de acoso sexual e incluso violación al poderoso productor Harvey Weinstein -que crecieron exponencialmente en cuestión de horas, días, semanas y meses hasta alcanzar un extremo terrorífico- y es ahora un tema aún en desarrollo que ya incluye acusaciones públicas contra Kevin Spacey, Louis C. K., Ben Affleck, Dustin Hoffman, Roy Price (ex jefe de Amazon Studios), Bob Weinstein, James Toback, Mario Batalli, Chris Savino, David Blaine, Roman Polanski, Woody Allen, Jeremy Piven, Brett Ratner, Steven Seagal, Ed Westwick, Jeffrey Tambor, Charlie Rose, Matt Lauer…. y más. Los artículos iniciales destaparon una cultura de abuso sistemático y Hollywood aún está ideando una forma de lidiar con ello.

Despidos de directores de Star Wars

Kathleen Kennedy es la mujer más poderosa de Hollywood. En sus manos está el control de una de las franquicias más rentables del cine, Star Wars, y no se lo toma a la ligera. Este año, Kennedy –de quien se rumorea que tiene más control creativo que cualquier otro productor en Disney- optó por separar del proyecto de Han Solo a Phil Lord y Chris Miller, los exitosos directores de Lego Movie, debido a que su aproximación humorística no le convenció. Lord y Miller hablaron públicamente del difícil proceso de trabajo y Disney emitió un comunicado. Por su lado, Colin Trevorrow, a quien le dieron la tercera película de la nueva trilogía de Star Wars tras el éxito de Jurassic World (a pesar de que era sólo su segunda película), perdió el trabajo cuando se estrenó su tercera creación y las críticas fueron tan brutales que The Book of Henry se ha llegado a considerar de los peores filmes de la historia. Kennedy es realmente es el poder oculto, y no tanto, tras la Guerra de las Galaxias (antes de los despidos hubo cambios radicales y re-shoots en Rogue One, por ejemplo) y este modelo se repite -alguien pregunte quién realmente manda en Marvel…no son los directores- en cada productora que quiere ganar dinero en cantidades con franquicias eternas… el cine es ya, sin vuelta atrás, cada vez más una máquina de churros.

Wonder Woman prueba que una mujer puede hacer un hit

DC ha tenido “mala suerte” -no lo es, es falta de calidad y punto- con su intento de crear un universo de superhéroes que pueda competir con el gigante que es Marvel. Pero este año Wonder Woman rompió récords de taquilla y de crítica. Amada por el público, los medios y la industria, la película probó que una mujer -la directora fue Patty Jenkins- puede estar detrás y delante de la cámara y arrastrar a millones de espectadores a los cines y se le adelantó a Marvel en sacar la primera superhéroe femenina al frente de su propia cinta. Esto significa, o debería, un cambio de paradigma en una industria machista por decir poco -más en este tiempo de escándalos sexuales- que recibe una prueba clara de algo que cualquier persona con dos dedos de frente ya sabía: que el cine no tiene porque siempre tener protagonistas o directores masculinos, que el dinero no viene sólo de ellos y tampoco el buen trabajo. A ver si aprenden.

Disney compró 20th Century Fox

A estas alturas Disney se ha convertido en una fuerza superpoderosa. Ya lo era, siendo dueña de Marvel Studios, Lucas Films y Pixar, y ahora suma a su arsenal 20th Century Fox. ¿Qué significa? Posiblemente más y más franquicias y cine churrero -Disney es defensor de esto- y la posibilidad de que los X-Men se le unan a Los Vengadores. Y sí esta última puede sonar hasta agradable, pero las consecuencias de este virtual monopolio tienen la posibilidad de ser catastróficas (ya este año Disney se atrevió a vetar al LA Times de todos sus estrenos porque criticó a la empresa) para otros estudios, grandes y pequeños, y por ende para los espectadores que quieren ver algo más que superhéroes y sagas interminables.

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