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Diego Amador, el quejío de los ritmos latinos

Lidia Ramírez

Foto: Rubén Martín
Alacran Records

Sólo alguien con su garra interpretativa, en la voz y en las manos, logra lo que otros creerían imposible: que la espontaneidad y lo salvaje se unan para llegar, desde la primera nota, directos al corazón. Diego Amador es uno de los máximos exponentes del nuevo flamenco y del flamenco de siempre. Algunos lo definen como ‘el Mozart gitano‘, algo que le halaga, aunque él prefiere definirse como “metódico, perfeccionista y muy ‘mijitas'”, me cuenta entre risas desde el otro lado del teléfono, a sólo unas horas de partir a México donde comenzará la promoción de su nuevo disco ‘Soy de las 3.000’, que desde hoy, 6 de marzo, ya se puede adquirir en forma digital en iTunes y Google Play. Una joya indiscutible, donde flamenco y ritmos latinos se fusionan para dar lugar a un trabajo titánico. “‘Soy de las 3.000’ es un trabajo compuesto para que llegue a todo el mundo, no sólo a los amantes del flamenco. Es un disco muy alegre, para que la gente lo pase bien”, apunta Diego, quien añade: “Con mi voz, la guitarra flamenca y arreglos de Alain Pérez nadie podrá dejar de bailar”.

Diego Amador, el quejío de los ritmos latinos
Carátula álbum ‘Soy de las 3.000’. | Foto: Alacran Records

Una nueva etapa musical comienza en la carrera artística de Diego en la que el salero andaluz y los ritmos latinos se abrazan para dar lugar a algo estremecedor. Una maravilla artística que, de la mano del reconocido músico y arreglista cubano Alain Pérez, tiene como resultado su disco más biográfico.  “A pesar de que me fui muy joven del barrio gracias a la ayuda de mi padre y familia para cumplir mi sueño, cada vez soy más ese niño de las 3.000, más relajado, más tranquilo. He pasado muchos años trabajando muy duro, sin apenas comer ni dormir, sólo vivía para crear. Por eso quiero rendir homenaje a mis raíces“, apunta rememorando esos duros años de trabajo. Y es que, a pesar de venir de una familia de grandes artistas y genios del flamenco,  asegura que no lo ha tenido fácil. “Hay gente a quien le dan las cosas hechas. Ese no ha sido mi caso. Yo he tenido que trabajar mucho para ser hoy día quien soy”. Diego, que prácticamente nació con una guitarra en la mano, es considerado hoy un pilar del flamenco, llevando el arte gitano a todas partes del mundo, bien en presentaciones personales o bien acompañado a grandes figuras, como Diego El Cigala, Camarón, Tomatito o Joaquín Cortés.

“‘Soy de las 3.000’ es el mapa de donde vengo”

‘Soy de las 3.000’ recoge nueve temas “innovadores”, siendo el pilar del recopilatorio el tema del mismo nombre que el álbum, con el cual ha querido homenajear al barrio donde se crió. “Es una rumba flamenca donde hablo de mi familia, de mi barrio, de todo lo que pasa en las 3.000. Le tengo mucho cariño. Es el mapa de donde vengo“. Con él surgió la idea de dar un vuelco a su carrera artística y crear algo totalmente diferente a lo que Diego nos tiene acostumbrados. “Con la ayuda de Alain, compuse la canción Soy de las 3.000, de mismo nombre que el álbum, el resultado fue fantástico y decidí crear un disco completo fusionando ritmos latinos y flamenco”.

Sin embargo, el tema punta de lanza de este material es La Sandunguita. Junto al venezolano Oscar D’León, ‘El Gran Faraón de la Salsa’, nos brindan una camaradería musical contagiosa y explosiva que hace bailar frenéticamente.

Pero en este disco no sólo cuenta con la colaboración del Gran Faraón.  Junto a Alejandro Sanz interpreta Regálame la silla donde te esperé,  una llamarada musical donde dos de las voces más íntegras del mundo hispano dibujan un pentagrama en el que el nuevo flamenco fulgura en su máximo esplendor. “Alejandro me invitó un día a su casa y me pidió grabar una guitarra para el tema que canta junto a Marc Anthony, Deja que te bese. Me dio esa oportunidad y yo me atreví a pedirle que colaborara conmigo”, nos apunta con una gran sonrisa. “Me dio una sorpresa muy grande y siempre le estaré agradecido. Es un genio”.

Nueve temas son los que conforman su nuevo álbum, entre los que también encontramos hits como Dos Gardenias, de Antonio Machín, Ahora Quién, de Marc Anthony, o El Son de la Madrugada, una emotiva canción que ya había grabado dos décadas atrás con la popular artista cubana Omara Portuondo.

Diego Amador, el pianista jondo

Diego no es un purista cuando se trata del flamenco, más aún si tenemos en cuenta que su principal instrumento no es tradicional del género. Si algo ha caracterizado a este Mozart gitano es ese don para tocar el piano flamenco que se ha convertido en su gran sello y lo ha llevado a consagrarse como uno de los grandes del estilo flamenco – jazz.

Ese espíritu libre y vigoroso con el que interpreta este instrumento le ha hecho ganarse el apodo del ‘Ray Charles Gitano’. Pero, ¿de dónde le viene a un gitano nacido y criado en la ‘zona cero’ del flamenco esa pasión por el piano y el jazz?

Fueron sus hermanos, Raimundo y Rafael, que en su día fundaron el grupo Pata Negra, los causantes de ese ‘gusanillo’ que le invitaba a hacer algo diferente. “Mis hermanos fueron los pioneros en el nuevo flamenco, las fusiones del rock, el pop y el blues. Un día trajeron a casa discos de jazz y blues y me encantaron. Ahí fue cuando dije: ‘yo quiero hacer eso'”

“El único conservatorio que conozco es el de la calle” 

Autodidacta, la única universidad a la que ha asistido es a la de la calle. “La única escuela que conozco es mi familia, y el único conservatorio, la calle”, cuenta orgulloso. Y es que casi al mismo tiempo que aprendía a hablar, comenzaba a tocar la guitarra en los brazos de su padre.

Como miembro de una familia gitana, con cinco o seis años ya aprendió a tocar los primeros acordes, poco después pasaría a tocar otros instrumentos como la batería, el bajo y el piano. “El arte lo he mamado desde muy pequeño. A mi casa venían todos los grandes, como Camarón”.

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Hasta el 8 de abril, Diego se encontrará de gira promocional por América. | Foto: Rubén Martín / Alacran Records

La música, el arte, los instrumentos fueron su mejor coraza en uno de los barrios más marginales de Sevilla, y mientras muchos jóvenes se perdían en el mundo de la droga, Diego pasaba largas horas encerrado en su casa haciendo música. “Yo le diría a todos esos chicos que viven allí que las cosas no vienen solas, hay que trabajar muy duro”, e insiste: “el arte no te lleva a ser grande, lo que te lleva a ser grande es el esfuerzo y el estudio”. Y eso fue, el esfuerzo, la constancia, la dedicación lo que han llevado a este monstruo musical a grabar con importantes iconos como Chick Corea, considerado una de las máximas voces del piano jazz. “Ahora sueño con hacer una colaboración con Stevie Wonder o Alicia Keys“.

Desde el 6 de marzo hasta el 8 de abril, Diego estará de gira promocional por toda América: Mexico, Puerto Rico, Argentina, Chile, Perú y Estados Unidos, para en mayo comenzar con sus conciertos en estos países. Así, con más de veinte años de carrera, este niño gitano de las 3.000 se confirma como uno de los máximos exponentes del flamenco, dando paso a un horizonte musical donde la buena música y el sentimiento más puro se abrazan apasionadamente.

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Gurumbé. Canciones de tu memoria negra

Verónica F. Reguillo

Foto: Intermedia Producciones
Intermedia Producciones

Taconeo, cante y arte flamenco que utiliza, sin decirlo, la influencia africana. ‘Gurumbé. Canciones de tu memoria negra’ es un documental que trae al presente la historia silenciada y enterrada de los miles de esclavos negros que fueron vendidos en plazas españolas.

“Popularmente, todo el mundo pensaba que en España no hubo esclavos, y solamente para la tesis sobre la Granada del siglo XVI encontré 2.500 documentos de compraventa de esclavos”, asegura en la película la profesora Aurelia Martín Casares.

El antropólogo Miguel Ángel Rosales comenzó a trabajar en este documental hace cuatro años. Tenía dos objetivos claros que relata para The Objective: primero, visibilizar una historia que ha sido silenciada en España durante muchos años; y por otro lado, cuestionar el presente, las políticas de inmigración, las vallas, los CIES… “Queremos que sirva para que la historia no sea un hecho mudo”.

Desde el siglo XV al XIX, Sevilla, Cádiz y Lisboa, en Portugal, fueron las grandes sedes del tráfico de esclavos desde África. Según las investigaciones en ‘Gurumbé’, durante muchos años, una décima parte de la población de estas ciudades andaluzas fue negra y la influencia en los bailes, tradiciones, religiones…, supuso una mixtura tan rica como silenciada.

La negación sistemática de esa influencia tiene muchos porqués, asegura Rosales, aunque perfila varios hechos históricos y económicos que podrían ser clave. La esclavitud fue un “hecho infame que se ha mirado de perfil”. Ya en el siglo XIX hubo países como Francia, Inglaterra u Holanda que se aprovecharon de la mano de obra negra barata y esclava. Años después, en el siglo XX, estos países reconocieron la importancia de la esclavitud en sus economías. España no.

“Durante el siglo XX, España estaba inmersa en sus propios problemas internos, y por tanto, no ha habido un  momento histórico para hacer una mirada hacia atrás”.  Todo ello hay que contextualizarlo en un país donde “la memoria histórica interesa muy poco, vale muy poco. La idea que tenemos es de tirar hacia delante sin mirar hacia atrás, cuando en realidad debería ser de otra manera”.

“La esclavitud fue la gran impulsora del capitalismo español y de muchas grandes fortunas en nuestro país, que todavía hoy tienen mucho poder económico y a las que no les interesa que se visibilice la historia que propulsó esa riqueza”.

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Miguel Ángel Rosales, guionista y director de ‘Gurumbé. Canciones de tu memoria negra’ (Foto: Intermedia Producciones)

Esclavitud, colonialismo y migración

Andalucía es árabe, es cristiana, y es judía, “pero también es gitana y es negro-africana. Queremos visibilizar esa otra pata que falta, de la que no se habla”. Y lo han puesto de manifiesto en un momento en el que se construyen vallas de alambre y muros, para frenar las migraciones.

El director de ‘Gurumbé’ establece una relación clara entre esclavitud, colonialismo y migración. “Todo el desastre que supone para África el colonialismo es el lodo de lo que hoy es la inmigración. Se han desestructurado sus sociedades”. Para Rosales, la situación de hoy es la repetición de la historia de los esclavos a los que se les tatuaba en la cara una ‘S’, en un lado, y el dibujo de un clavo en el otro. “Hoy el proceso es el mismo, pero con palabras diferentes”.

“La película deja clara la cercanía del flamenco y la cultura negro-africana”

“Cuando surgen demandas de mano de obra, creamos leyes para traer, para tomar a la gente más vulnerable. Se podría hacer un paralelismo entre a quién se le da la ciudadanía y a quién no. Quién tiene derechos y quién no. Es una nueva manera de esclavitud. Un mismo proceso que tiene que ver con la acumulación de dinero”.

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La película se proyectará en países como Colombia, Inglaterra y Noruega (Foto: Intermedia Producciones)

Miguel Ángel Rosales es de Jerez, siente muy dentro el flamenco y toda la riqueza de la cultura andaluza. Dice que a medida que indagaba sobre el motor de su documental, todo iba “cuadrando más”. “La película deja clara, con evidencias muy fuertes, la cercanía del flamenco y la cultura negro-africana”. ‘Gurumbé’ es un reconocimiento a la población negra esclava de antaño y a la población migrante de ahora. “Vivo muy cera de la inmigración del Estrecho. El tema de la película que parece histórico, a mí me está tocando día a día. Es una película histórica, pero, sobre todo, es una película personal”.

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Los bailes africanos se mezclaron con la riqueza de la cultura andaluza (Foto: Intermedia Producciones)

‘Gurumbé. Canciones de tu  memoria negra’ ha hecho un lleno completo en la Cineteca de Madrid durante seis días. A finales de marzo se volverá a proyectar en la capital. También viajará por otras ciudades españolas, y al extranjero (Colombia, Noruega, Inglaterra, Berlín…). “Me encantaría que la película se viese en televisión, en medios dónde se pueda plantear el debate o la polémica, y que este tema se abra a un público diverso”. Este es el deseo de su director, llevar la danza de ‘Gurumbé’ hasta el infinito.

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Estas son las tendencias de moda flamenca 2017

Lidia Ramírez

Ya huele a feria… A unos días para que comience la feria más importante y conocida de Andalucía y España, la Feria de Abril o Feria de Sevilla, que tendrá lugar del 30 de abril al 7 de mayo, las tiendas y estudios de los diseñadores de moda flamenca están que echan humo. Las mujeres comienzan a elegir sus vestidos para lucir guapas en, para muchas, la fiesta más importante del año. Elegir un color favorecedor, un tejido que no sea muy pesado y un diseño actual son las directrices básicas. Porque aunque no todo valga, “a la Feria lo más importante es ir cómoda”, apunta la diseñadora andaluza Rocío Peralta, quien desde la calle sevillana Muñoz Olivé, 7, deja volar su imaginación para crear su arte flamenco.

A unas horas para que arranque la feria que marcará el estilo del resto de ferias de España, Rocío cuenta a The Objective las tendencias para este próximo evento.

Una explosión de color invadirá este año el ferial. “Los colores fuertes como el verde, el coral, el amarillo o el añil, serán los que predominarán”, nos cuenta la diseñadora, quien señala que, aunque la variedad de opciones es enorme y casi todos los gustos tienen cabida, los lunares han ganado a los estampados. “Este año los lunares son indispensables. Favorecen mucho y son muy típicos”. Por otro lado, los lisos con trencillas de colores, inspiración peruana, también serán apuesta segura. Y es que esta temporada, la diseñadora ha traspasado fronteras con su nueva colección: Pariwana –flamenco en andino–, y ha querido rendir homenaje a la cultura de Perú. “He encontrado una gran similitud entre el traje regional nuestro y el peruano. Es un país de un color impresionante y consigue una mezcla estupenda con la moda flamenca”, apunta la diseñadora, quien añade que el traje de flamenca está “más vivo que nunca”, apostando siempre por el vestido largo. “Dejemos para las niñas los cortos inspirados en los años ’60”.

(Rocio Peralta)
Los colores fuertes serán tendencia esta Feria de Abril. (Foto: Rocío Peralta)
(Rocio Peralta)
Con su colección Pariwana, la diseñadora rinde homenaje a la cultura de Perú. (Foto: Rocío Peralta)

Complementos y peinado

Si algo caracteriza los diseños de Rocío Peralta son sus mantones de Manila. Bordados con flores en colores vivos, la diseñadora defiende los mantocillos tradicionales, los de toda la vida, con largos flecos cosidos a mano y estampados florales.

Los lunares y los vestidos lisos ganan a los estampados

(Rocio Peralta)
Los mantones de Manila siempre son apuesta segura. (Foto: Rocío Peralta)

Fundamental es el calzado. Y aunque lo más importante es ir cómoda, Rocío apuesta por el zapato de tacón con la hebilla aL lado, o en su defecto cuñas de esparto cerradas, pero eso sí, “nunca sandalias”, apunta tajantemente. Aquí si que no hay escapatoria. “Ahora hay un calzado maravillo y muy cómodo, por lo que tenemos que evitar a toda costa el zapato plano para vestir de gitana”. En cuanto a complementos, pendientes grandes mejor que collar, y flor en el pelo, “siempre en el centro y nunca en el lado”. Los claveles serán protagonistas,  los cuales podrán colocarse con un breve giro hacia el lado, pero nunca en el lateral. Y en cuanto al pelo, Rocío avisa con tiempo: “el cabello siempre recogido, ya sea moño o cola, pero la cara deberá ir despejada”.

¡Ahora sí! Sigue todos estos consejos y luce espectacular para pasar una semana de mucho baile, cante y arte. ¡Ah! Y como última recomendación, no olvides pintarte las uñas y los labios del mismo color, en rojo, burdeos o naranja. Olvídate del nude “que ha quedado desfasado”.

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El soul castizo que mueve Madrid

Clara Felis

Foto: Little Soul Café
Little Soul Café

Empezaron a caminar con el compás que marcaban los grandes de la Motown (abreviatura de Motor-Town que hace referencia a la industria automovilística de Detroit), el sello que Berry Gordy Jr. fundó allá en la época de los 60 y que revolucionó todo el establishment discográfico estadounidense. Stevie Wonder, Marvin Gaye, Diana Ross & The Supremes o The Temptations hicieron de sus estribillos auténticos lemas reivindicativos que luchaban contra la segregación racial en EEUU.

Quejidos enérgicos de viento metal con los que se criaron y en los que se basan gran parte de las composiciones de Freedonia, Aurora & The Betrayers y Cosmosoul. Tres bandas de Madrid cuyo motor es aquel soul que nació en los clubs y bajos de Norteamérica. En ellos se gritaba y coreaba de madrugada la llegada de un nuevo día. Una nueva América. A Change Is Gonna Come que cantaba Sam Cooke.

Esa defensa de la igualdad social, el respeto por los derechos humanos y la justicia universal son algunas de las demandas que se encuentran en las letras de Freedonia. Así se demuestra en Dignity and Freedom (canción que da nombre al último álbum publicado) o You can’t stop us.

La formación, que comenzó su andadura musical en el 2006, se encuentra en plena grabación de su tercer disco, el cual han conseguido poner en marcha gracias a una campaña de crowdfunding. No tienen claro el título. Tampoco las canciones que van a incluir en este doble disco. Lo que sí tienen claro es la temática (la defensa de la mujer) y el estilo: se mantiene la esencia soul inicial. “Freedonia recoge el testigo de otras bandas que ya hacían música soul o negra, como por ejemplo The Sweet Vandals. Lo que nosotros intentamos es llegar más allá de lo que es la escena de la música negra en Madrid, que es un poco cerrada”, explica Ángel Pastor, guitarra del grupo, desde su local de ensayo en Carabanchel.

Cantar contra los prejuicios

Al decir esto Maika Sitte, cantante del grupo desde el 2013, afina aún más la definición y dispara la siguiente frase. “Es mejor emplear el concepto de música negra porque abarcamos todas las ramas que ésta comprende. Entre ellas el soul, el funky o el pop”. Maika, como el resto de sus componentes, huye de las etiquetas y los prejuicios, sobre todo  porque los ha vivido en primera persona. La cantante, nacida en Madrid pero de origen guineano, mantiene esa actitud guerrera cuando canta (recuerda a divas del soul como Etta James o Sharon Jones), pero especialmente cuando habla de su trabajo y su perfil artístico. No le gusta que comparen su voz con la tonalidad de su piel, ya que para ella la música no entiende de lenguas ni de razas. Es universal. Plural. Esta es la conjugación que emplea cuando expone sus ideas. “Todo el mundo piensa que por ser negra ya puedes cantar bien o puedes bailar bien, y no. Depende de tus cuerdas vocales y tu fisionomía, que nada tiene que ver con el color. Desgraciadamente el mismo racismo que había antes lo hay ahora. Tener más derechos no significa que no esté, lo que ocurre es que la gente se calla más”.

Maika Sitte: “Todo el mundo piensa que por ser negra ya puedes cantar bien o puedes bailar bien y no. Depende de tus cuerdas vocales y tu fisionomía”

Tanto para Maika como para Ángel, el soul no acaba de entenderse en España, sobre todo por lo que se promociona desde las propias discográficas con fenómenos como Beyoncé, Amy Winehouse o Rihanna. “Lo que aquí llaman soul no es soul. En este país no hay ni una sola discográfica que tenga un grupo de soul de verdad”, dicta Maika.

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Freedonia durante la entrevista con The Objective. | Foto: Cecilia de la Serna / The Objective

Creative Commons contra la SGAE

Esta es una de las principales razones por las cuales el grupo siempre ha buscado nuevas fórmulas de financiación y producción, como las licencias Creative Commons. La SGAE no les representa. “La SGAE tiene un problema fundamental que es la última E y para nosotros los editores tienen unas finalidades distintas a las del autor. Usamos Creative Commons porque son unas licencias que nos permiten abrir como queramos nuestra obra. Creemos que España merece otro tipo de entidad que gestione los derechos de autor, y por eso no participamos en esta. Algo que no se entiende dentro del gremio. No somos antisistema, pero queremos un sistema mejor”, defiende Ángel con énfasis.

Ángel Pastor: “La SGAE tiene un problema fundamental que es la última E, y para nosotros los editores tienen unas finalidades distintas a las del autor”

El soul castizo que mueve Madrid
Ángel Pastor, guitarrista de Freedonia, y Maika Sitte, cantante, durante la entrevista. | Foto: Cecilia de la Serna / The Objective

Todo empezó con Tina Turner

Otro de los grupos que han apostado por la autopromoción y autofinanciación son Aurora & The Betrayers, una de las últimas confirmaciones para la próxima edición del Mad Cool Festival.

La agrupación que lidera Aurora García (ex vocalista de Freedonia) junto con José “Funko” (guitarra), Josué García (trompeta) y Martín García (saxo/ teclados) se alzó en el 2014 con el premio Pop-Eye como Mejor Banda de Música Negra por su álbum Shadows go away, y en 2016 recibió el premio MIN (Premios de la Música Independiente) en la categoría de Mejor Artista Emergente.

Tanto su primer disco como el segundo Vudú (2016) fueron grabados y editados por el sello colectivo del que forman parte: Siete Pulgadas Records. Acto de valentía.

Aurora, la pequeña de tres hermanos, hace memoria de por qué empezó en esto y señala a una culpable: Tina Turner. “A mí esa mujer me ha marcado a lo largo de toda la vida. La primera vez que la escuché fue a los 4 años. Ella tenía el soul, el rock y ese power que en otras artistas femeninas no veía”.

Se fijó en su voz y también en la manera que tenía de expresarse en el escenario, y esa imitación continua fue uno de los factores que influyeron en su proyección vocal. Una blanca con voz de negra, aunque ella prefiera no calificarse así. “Dado el año en el que estamos y la evolución que ha tenido el soul, la música ya no es blanca ni negra. Lo que pasa es que en este país se sigue asociando este género a lo negro y nos queda mucho para comprender que no estamos intentando imitar aquella música”, sentencia con educación y firmeza.

Aurora García: “En este país se sigue asociando este género a lo negro y nos queda mucho para comprender que no estamos intentando imitar aquella música”

El constante encasillamiento al que le ha sometido tanto la opinión popular como la crítica musical le han servido de aliciente para explorar nuevos sonidos y fórmulas. El rock de los 70, el funk o el R&B más clásico se combinan en Vudú (Fire o Steppin’ to the bad side son muestras de ello), que le ayudó a evolucionar tanto a nivel creativo como interpretativo. “Yo tengo ganas de hacer otras cosas y siempre me ha gustado mucho el rock y el punk. Es un poco frustrante cuando estás intentando evolucionar pero sigues con el estigma del soul. Te vuelves loco”.

Vivir y tocar al día

Cuando se le pregunta por ese boom del soul que predomina en Madrid, la artista matiza que gran parte de las bandas que ahora están en un primer plano llevan consigo mucha carretera a cuestas y mucha constancia. El tour de los bares de paso parece haber llegado a su fin. “Bandas como Sweet Vandals llevan 15 o 20 años en la escena madrileña. Es probable que con los fenómenos de Amy Winehouse y Adele se les haya dado un poco más de crédito, pero realmente han llamado la atención por sí mismas”, y reconoce la labor de las salas de concierto en la difusión y apoyo hacia este tipo de música. “Le debemos mucho a salas como el Tempo o Clamores, aunque los músicos nos hemos apoyado mucho para crear esto”.

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La vocalista de Aurora & The Betrayers después de la entrevista. | Foto: Cecilia de la Serna / The Objective

Algo que no es fácil, especialmente con el 21% del IVA cultural y la crisis económica que lleva en el vocabulario español desde el año 2008. “Vivo extremadamente al día. Muy al límite. Cuando empecé con Betrayers decidí dedicar todo mi tiempo a esto, pero económicamente es muy duro. El IVA es devastador. Te destroza. Nosotros hemos sido una banda formada por nueve personas en directo y ahora ya no podemos. Sí, es cierto que estamos empezando a estar en grandes carteles pero la diferencia entre cachés es muy grande. Una cosa es estar en un gran cartel y otra que te paguen adecuadamente”.

Soul políglota

Diferencia que también perciben desde Cosmosoul, una de las bandas más políglotas de la ciudad. Sus cinco miembros son de sitios totalmente distintos. Su cantante Alana Sinkëy procede de Guinea-Bisau. Abel Calzetta (guitarrista) es de Buenos Aires. Sergio Salvi (teclista) es napolitano y Arturo García (batería) junto con Manuel Pablo (bajo) son los únicos procedentes de España. Una rica combinación de culturas que ha hecho posible un soul multicultural y polifacético. “Cada uno ya tenía sus cosas hechas, pero es una casualidad que cada uno vengamos de un país diferente. Tuvimos la suerte de que a los cuatro o cinco meses de estar tocando nos convocaran para tocar los domingos en la Sala Barco. A partir de ahí empezamos a tocar y a hacer covers y funcionó tan bien que dijimos ¿Por qué no nos ponemos a componer? Y así pasó”, rememora Abel con cierto tono filosófico desde el sofá del local del grupo situado en Lavapiés.

Sus primeras notas comenzaron a sonar con cierta fuerza en el 2011, cuando salió Sunrise, el álbum debut que masterizó Dave Kutch (Al Green, Alicia Keys o Bruno Mars) en Nueva York. Siguen girando con Terra (2014), aunque se encuentran trabajando en su tercer disco, que presentarán el próximo 6 de abril en el Teatro Lara de Madrid. “Tuvimos siempre una aceptación muy buena acá y fuera de España. Hace poco hicimos un ciclo en el Café Berlín y hablamos con unos productores que nos decían que se alegraban de que nos mezcláramos, que eso en EEUU lo hacen todos los artistas”, cuenta Abel.

Y Alana interviene para mostrar esa visión diferente sobre un mismo género, “En EEUU cuando dices música negra no piensan en Aretha Franklin o Billie Holiday, sino en Usher. Es decir, en otros artistas que hacen distintos subgéneros”. Y vuelve a aparecer el tópico de que sólo los negros pueden cantar música negra. “En España si cantas soul suenas a negra, y a veces sí he sentido que la gente sólo quería de mí eso porque simplemente era negra. Fíjate, le he enseñado el disco a varios amigos de Guinea que viven en Londres y me dicen que sueno como una blanca americana. Para ellos sonar a negro sería cantar en criollo o en portugués”. Abel asiente y mira a su compañera. “Acá tocás una música o tocás otra. Es esa manía de poner tribus, épocas. Es algo que no sé de dónde sale. Es evidente que escuchamos esa música pero no queremos ser etiquetados”, remarca.

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Cosmosoul en la promoción de su nuevo disco. (Foto: Cosmosoul)

Alana: “En EEUU cuando dices música negra no piensan en Aretha Franklin o Billie Holiday, sino en Usher”

Ellos, que se han autofinanciado gran parte de sus discos, dudan del verdadero sentido del crowdfunding. “Se puso de moda y parece que sea la única solución, pero yo la verdad es que no la veo. Si vos amás la música que estás haciendo y estás currando de músico no es tan difícil en este momento meterte en un estudio de grabación y hacer mil copias” matiza Abel, pero ¿Se puede vivir de la música? ¿Es realmente accesible grabar un disco y obtener beneficios por él? Contesta a la pregunta Sergio, a los teclados. “No es imposible vivir de la música en España, lo que es muy difícil y casi imposible es vivir de un proyecto artístico. No hay canales para darte a conocer y el problema es que aquí muchas veces se concibe la música como entretenimiento”.

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Otazu, un museo de vino y arte contemporáneo

Lidia Ramírez

Dicen que el vino es el único arte que se puede beber. Sin embargo, en Bodega Otazu el arte no sólo se saborea, también se ve, se palpa, se aprecia en cada detalle y rincón de esta bodega histórica situada más al norte de España, a tan sólo ocho kilómetros de Pamplona, enmarcada entre la Sierra del Perdón y la Sierra de Sarbil, con el río Arga como delimitador natural.

(Foto: Lidia Ramírez | The Objective)
Esculturas de Xavier Mascaró en la entrada de la bodega. (Foto: Lidia Ramírez | The Objective)

Nada más llegar nos topamos con dos hieráticos guardianes de hierro de Xavier Mascaró que vigilan la entrada de la finca y nos dejan claro que en esta bodega lo menos sorprendente será catar vinos. En el exterior, figuras de colores y diferentes formas te gritan silenciosamente haciendo imposible apartar la mirada de ellas; en el interior, decenas de cuadros y esculturas rodeadas de máquinas y viejos útiles relacionados con el cultivo de la vid. Un pequeño Reina Sofía que este fin de semana nos ha abierto sus puertas para presentarnos, en un evento privado, algunas de sus obras dentro del programa VIP de ARCO 2017, que tiene a Argentina como país invitado.

El argentino Leandro Erlich incorpora en Otazu su obra monumental

‘Valkirias de Otazu – Preludio del Señorío’ es una obra específica monumental creada por el artista conceptual argentino, Leandro Erlich, para la fundación de Arte Kablanc Otazu, dirigida por Guillermo Penso.

Compuesta por 80 cilindros de aluminio afinados – distribuidos a lo largo de 50 metros –, funciona como un “xilófono espacial” y se activan cuando el espectador interactúa con ellos mediante una vara de aluminio, corriendo y haciendo vibrar cada uno de sus elementos y logrando así recrear la conocida melodía ‘La cabalgata de las valkirias’, que abre el tercer acto de la ópera del compositor alemán Richard Wagner ‘Die Walküre’. “Se trata de una pieza cuyo título es una instrucción para el espectador y un deseo para el artista. Llamando a la acción, funciona solamente al correr, de ese modo la música se activa y la obra cobra sentido”, nos detalla Erlich. De esta forma, en Otazu se funden dos pasiones: el arte y la música Wagneriana, admirada por Guillermo Penso.

Leandro (Foto: Lidia Ramírez | The Objective)
Leandro Erlich. (Foto: Lidia Ramírez | The Objective)

Para poder experimentar ‘Valkirias de Otazu – Preludio del Señorío’ los espectadores deberán hacer un esfuerzo físico. De este modo, Erlich exige un espectador “comprometido, curioso y activo”. Situada frente a otra importante obra de la colección, ‘El color de nuestras vidas’, realizada por el artista chileno Alfredo Jaar, la obra de Erlich ha sido instalada en el Señorío de Otazu, donde, hoy día, conviven la Iglesia románica de San Esteban (s. XII), una torre de defensa palomar (s. XVI) y un palacio Renacentista de origen medieval (s. XVI), dando fe de que la historia siempre está presente en Otazu.

(Foto: Lidia Ramírez | The Objective)
‘El color de nuestras vidas’, de Alfredo Jaar. (Foto: Lidia Ramírez | The Objective)

Genios de Otazu

Buscando una síntesis entre la labor creativa del artista plástico y el enólogo surge ‘Genios de Otazu’. Un proyecto que todos los años elegirá a un artista para que reinterprete la estética de una barrica de vino de madera utilizando su propio lenguaje. En su primera edición, ‘Genios de Otazu’ cuenta con el artista madrileño David Magán. El resultado al que ha llegado es la creación de una especie de escultura virtual, llamada ‘The Secret Behind The Barrel’ – El Secreto detrás del Barril – que flota en el centro de una pantalla de 3×3 metros. Una obra de luz que cambia con la posición del espectador y que trabaja entre los límites del dibujo y la escultura, de lo físico y lo etéreo.

(Foto: Bodega Otazu)
Escultura de David Magán. (Foto: Bodega Otazu)

“El gran reto que se me planteaba era cómo llevar el color del material de las barricas al espacio y, a la vez, producir una obra que esté dentro de mi lenguaje”, nos cuenta Magán, quien al mismo tiempo participará en la vendimia natural de dicho vino. Después de 24 meses ejercerá de enólogo para conseguir un ensamblaje único que responda a su propio paladar.

Vinos con personalidad

Guillermo Penso, propietario Bodega Otazu. (Foto: Lidia Ramírez | The Objective)
Guillermo Penso, propietario de Bodega Otazu. (Foto: Lidia Ramírez | The Objective)
En esta bodega ‘boutique’ que recuerda a una catedral, arte y sensibilidad son capitales. En su interior, junto con más de 1.000 barricas de vino, con variedades que van desde tempranillo hasta Sauvignon y Chardonnay, se atesoran obras de autores como Anish Kapoor, Ai Weiwei, Julian Opie o Manolo Valdés. “El vino es mucho más que un producto. En Bodega Otazu no hacemos un vino cualquiera, sino un vino que emociona, al igual que no compramos cualquier obra, sino obras que emocionan”, nos detalla el venezolano Guillermo Penso, propietario de la bodega desde 1989, aunque no fue hasta 1998 cuando vendieron la primera botella de vino. Ahora, con 110 hectáreas de viñedo y 140 de cultivo, producen unas 380.000 botellas al año y venden en 36 países, desde América hasta Asia. Un viñedo certificado como Denominación de Origen Protegida Pago, la máxima categoría que puede obtenerse en España, donde el arte corteja el vino y viceversa.

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