Hola, ¿qué estás buscando?

de resultados

No se ha encontrado ningún resultado

Ver más

Las obras maestras de Budapest llegan al Thyssen

Jorge Raya Pons

Entre el 18 de febrero y el 28 de mayo, el museo Thyssen-Bornemisza expondrá una colección esperadísima, Obras maestras de Budapest, que representa en sí misma la Historia del Arte europeo. Una muestra privilegiada que acoge a los hombres más talentosos de cada siglo: Velázquez, Zurbarán, Goya, Murillo, Rubens, Rafael, Durero, Monet…

Se trata de 90 lienzos llegados desde el Museo de Bellas Artes de Budapest, en el corazón del antiguo Imperio austro-húngaro, que contiene una de las colecciones extranjeras más valiosas de pintura española. Una remodelación de su pinacoteca ha permitido que estos cuadros puedan exponerse temporalmente en Madrid.

La muestra, cuyos comisarios son Guillermo Solana, director artístico del Thyssen, y Mar Borobia, jefa del Área de Pintura Antigua, se organiza en siete secciones:

1. El Renacimiento en el norte, con pintura alemana y flamenca del siglo XVI y autores como Alberto Durero, Lucas Cranach el Viejo o Hans Baldung Grien.

Salomé, de Lucas Cranach, 1530. (Fuente: wikimedia.org)
Salomé, de Lucas Cranach, 1530. (Fuente: wikimedia.org)

2. El Renacimiento en el sur, con Leonardo da Vinci, Lotto, Rafael o Bronzino.

Estudio de patas de caballo, de Leonardo Da Vinci (1490-1492)
Estudio de patas de caballo, de Leonardo Da Vinci, 1490-1492. (Fuente: wikimedia.org)

3. El Barroco en Flandes y Holanda, con Peter Paul Rubens y Anton van Dyck.

Mucio Escévola ante Porsena, de Peter Paul Rubens y Anton van Dyck (1618-1620)
Mucio Escévola ante Porsena, de Peter Paul Rubens y Anton van Dyck, 1618-1620. (Fuente: wikimedia.org)

4. El Barroco en Italia y España, con pinturas de Annibale Carracci, Alonso Cano o Diego Velázquez.

Almuerzo de campesinos, de Diego de Velázquez (1618-1619)
Almuerzo de campesinos, de Diego de Velázquez, 1618-1619. (Fuente: wikimedia.org)

5. El siglo XVIII, donde destacan Sebastiano Ricci y Giambattista Tiepolo, de la escuela veneciana.

Canaletto-dolo
La esclusa de Dolo, de Canaletto, 1763. (Fuente: wikimedia.org)

6. La nueva imagen de la mujer, con Manet o Kokoschka.

Dama con un abanico, de Édouard Manet (1862)
Dama con un abanico, de Édouard Manet, 1862. (Fuente: wikimedia.org)

7. Del Impresionismo a las Vanguardias, un recorrido desde el siglo XIX hasta la Primera Guerra Mundial.

(Adolf Fényes, Bizcocho de semillas de amapola, 1910)
Bizcocho de semillas de amapola, de Adolf Fényes, 1910. (Fuente: wikimedia.org)

En cualquier caso, explica Mar Borobia a la revista Hoy es Arte, escoger entre las obras, crear una armonía, fue un trabajo laborioso: “Ha sido difícil que no sea simplemente un espacio dedicado a una obra maestra tras otra. Lo que queríamos es que también hubiera un hilo de conexión entre las escuelas, entre los artistas”. Y finalmente lo lograron, con un resultado prometedor y unos precios asequibles: las tarifas oscilan entre los 8 y los 12 euros.

Continúa leyendo: ¿Por qué el metro de Madrid circula por la izquierda?

¿Por qué el metro de Madrid circula por la izquierda?

Redacción TO

Foto: Victor R. Caivano
AP

La sorpresa es común en el turista o en el recién llegado a Madrid. ¿Por qué el metro circula por la izquierda? Existen dos teorías principales.

La primera apunta a los látigos como causa fundamental de esta característica del suburbano de la capital. En el momento de la inauguración de la primera línea del metro, el 17 de octubre de 1919, los coches en Madrid circulaban por la izquierda, ya que los conductores de los carruajes llevaban las riendas de los caballos con la mano izquierda y los látigos para fustigarlos con la derecha. Por eso, para no darle un latigazo accidental a un peatón en la cara, se estableció que estos vehículos viajaran por el carril izquierdo. En consecuencia, el metro imitó esta característica y se decidió que el suburbano circulara por la izquierda. Posteriormente, cuando se estableció legalmente que el sentido de la circulación de los coches en la superficie sería el derecho, resultaba demasiado caro volver a señalizar toda la red del metro, así que la cosa se quedó como estaba.

Otra teoría tiene su epicentro en el Reino Unido. Según esta hipótesis, las infraestructuras del suburbano de la capital se compraron y se diseñaron imitando las inglesas, donde ya estaba establecido el carril izquierdo como norma de circulación, así que este sistema se importó a Madrid.

En la superficie, Madrid también circuló inicialmente por la izquierda. Pero no era así en otras ciudades españolas, como Barcelona, que siempre ha circulado por la derecha. En 1924, Madrid cambió su normativa y la circulación pasó a tener lugar por el carril derecho. No obstante, no fue hasta los años 30 del siglo pasado cuando se adoptaron normas nacionales que equipararan la circulación del tráfico en todo el territorio español.

Y el caso de los trenes no es el único en el metro de Madrid. Muchas de las escaleras mecánicas del suburbano de la capital circulan por la izquierda, pero en este punto el caos es mayor, ya que no todas lo hacen. Es decir, si uno ve un par de escaleras mecánicas en el metro, ha de prestar atención al sentido en el que circulan antes de subirse a ellas. E incluso una vez dentro de la escaleras, la dicotomía entre la izquierda y la derecha continúa: un viajero que desee quedarse parado y bajar o subir sin moverse, al ritmo de las propias escaleras mecánicas, debe arrimarse al lado derecho de las escaleras. Por contra, un viajero que tenga prisa y prefiera caminar por las escaleras mecánicas, debe hacerlo por el lado izquierdo.

Y la curiosidad del sentido de la circulación no es la única. La famosa estación fantasma de Chamberí también alimenta conversaciones entre los usuarios del metro, que diariamente cruzan una estación en la que nunca para el metro entre Iglesia y Bilbao. El motivo de que ya no esté operativa es la cantidad de usuarios que tiene el metro. Ante el aumento del uso del suburbano en los años 70, se decidió aumentar la capacidad de los trenes añadiéndoles más vagones. En consecuencia, hubo que ampliar todas las estaciones para que cupieran los nuevos trenes. La ampliación de la estación de Chamberí resultó imposible y Metro de Madrid decidió clausurarla. Eso sí, hoy sigue operativa como museo y como curiosidad histórica de la ciudad.

Continúa leyendo: El festival Paraíso avanza su primer cartel y promete mimar a su público

El festival Paraíso avanza su primer cartel y promete mimar a su público

Cecilia de la Serna

Foto: Cecilia de la Serna
The Objective

Festivales en España hay muchos. Hasta en la pasada edición de Fitur se reservó un espacio para este tipo de eventos, que es ya un filón turístico de primer orden que genera en torno a 400 millones de euros anuales. Ahora se suma a la oferta festivalera una propuesta inédita: el festival Paraíso, que tendrá lugar en el campus de la Universidad Complutense de Madrid el 8 y 9 de junio de 2018.

La exclusividad es un elemento fundamental en el relato de Paraíso, tal vez por eso la organización ha citado a la prensa en el palacio Santo Mauro, que ahora alberga un hotel de cinco estrellas. Al encuentro con los medios de comunicación ha acudido un ilusionado José Morán, responsable del proyecto y creador y codirector del Festival Internacional de Benicássim hasta el año 2009. Con tal experiencia a sus espaldas, Morán ha asegurado en su presentación que con el FIB “casi morimos de éxito”, por lo que ha logrado sacar un buen puñado de lecciones para aplicar en “una idea nueva que contar”, materializada en Paraíso.

El festival Paraíso avanza su primer cartel y promete mimar a su público 1
José Morán durante la presentación de Paraíso. | Foto: Cecilia de la Serna / The Objective

Primer avance de cartel

El festival ha presentado su primer avance de cartel con un programa de “artistas visionarios, de diversas procedencias, que encuentran su lugar en diferentes territorios de la electrónica y su confluencia con otros géneros”, aseguran desde la organización. Los nombres protagonistas del avance del line-up de la primera edición de Paraíso son Róisín Murphy, Apparat, Gerd Janson, Jamie Tiller, Palms Trax, Dekmantel Soundsystem, Ibeyi o Guy Gerber, que junto con otros artistas completan un plantel muy diverso donde la electrónica se fusionará con otros géneros como los ritmos afrocubanos, el swing, el soul o el jazz.

Morán, que fue pionero al incluir una carpa de electrónica en el FIB, se lanza ahora al proponer un festival que se aleja del EDM (música electrónica de baile, por sus siglas en inglés) y apuesta por “diferentes géneros y corrientes” que hacen de Paraíso una propuesta única en España.

El festival Paraíso avanza su primer cartel y promete mimar a su público 2
Algunas de las incorporaciones del cartel de Paraíso. | Foto: Cecilia de la Serna / The Objective

En las próximas semanas irán añadiendo más nombres a un cartel que ya cuenta con una solidez importante para competir con otras propuestas a nivel nacional.

No sólo el line-up: la experiencia también cuenta

El modelo tradicional que reina en la ruta de festivales en España está desfasado, según ha defendido José Morán, que ha asegurado que actualmente “no se cuida la experiencia, sólo el line-up. De ahí que Paraíso proponga ser un festival cómodo, que cuide las áreas de descanso, la zona gastronómica, e incluya otras propuestas “que enriquezcan la experiencia musical” como la zona de gaming -que contará con juegos arcade, realidad virtual y otros- y la artística.

Preguntado por The Objective, José Morán ha asegurado que ya están trabajando con diferentes galerías, colectivos y fundaciones artísticas para ofrecer al público un line-up de arte que se concretará en las próximas semanas.

La creación de una “atmósfera que no se distorsione en el tiempo” es para Morán una de sus prioridades al erigir esta nueva propuesta. Para ello, la organización dará prioridad en las ediciones venideras a los asistentes a esta primera, ya que buscan ante todo cuidar a los asistentes. Un aforo bastante reducido (15.000 asistentes, frente a los 25.000 que llenaron la pasada edición del DCODE, que tuvo lugar en el mismo espacio) concreta en números la intención de mimar a su público.

Los abonos para Paraíso 2018 pueden adquirirse a través de su web a un precio especial de lanzamiento de 49 euros, limitado a 2.000 abonos. El abono premium puede adquirirse a un precio de 120 euros.

Continúa leyendo: Obras imprescindibles de la feria ARCO del futuro

Obras imprescindibles de la feria ARCO del futuro

Cecilia de la Serna

Foto: Lili Reynaud-Dewar

Arranca la 37ª edición de ARCO Madrid, la cita que pone en el mapa del arte a la capital española, que se celebra entre el 21 y el 25 de febrero. Como principal novedad, este año ARCO no tiene un país invitado, sino que ha invitado a un concepto. “El Futuro” es el nombre que lleva el programa especial que lanza la feria madrileña de la mano de CNP Partners. La elección del eje central de esta edición de ARCO responde “a su voluntad de innovación e investigación constante”, en palabras de Clemente González Soler, presidente del Comité Ejecutivo de IFEMA, que acoge de nuevo a la feria.

“El futuro no es lo que va a pasar, sino lo que vamos a hacer” es a la vez una frase que han tomado prestada de Jorge Luis Borges y la premisa sobre la cual trabajan Chus Martínez, Elise Lammer y Rosa Lleó en su selección de galerías (19 de las 208 que en total se presentan en esta edición). No es casualidad que esta sección esté comisariada completamente por mujeres, ya que por primera vez todas las secciones de la feria (además de Futuro, Diálogos, Opening y el Programa General) tienen a comisarias al frente. Puede que el futuro también se escriba en femenino.

ARCO conecta de manera extraordinaria y única el mercado del arte en Europa y en Iberoamérica, adquiriendo un rol de puente fundamental para coleccionistas, artistas y galeristas de ambos lados del charco. De las 19 galerías que participan en el programa Futuro, hay tres españolas, tres italianas, dos alemanas, dos francesas, dos británicas, dos brasileñas, una suiza, una estadounidense, una chilena y una suizo-alemana, lo que confirma la cada vez mayor tendencia global de este tipo de ferias.

Cada una de las galerías inscritas en el programa Futuro acerca a los coleccionistas y al público general de ARCO un artista. A continuación seleccionamos los imprescindibles de esta sección:

Metaphase 3 (1986) de Barbara Kasten (Bortolami Gallery, Nueva York, Estados Unidos)

Obras imprescindibles de la feria ARCO del futuro
Metaphase 3 (1986) de Barbara Kasten | Imagen cortesía de Bortolami Gallery (Nueva York)

La fotógrafa contemporánea estadounidense Barbara Kasten crea ambientes interiores abstractos en los que la interacción de la luz, los objetos y los espejos forman el sujeto ilusorio que nos brindan sus imágenes. Utilizando diversos materiales, Kasten construye sets a gran escala que dependen de la sombra, la luz y la reflexión para transformar sus interiores en composiciones abstractas y geométricas, y finalmente inmortalizarlas en sus fotografías. Grandes nombres como László Maholoy-Nagy, James Turrrell o Robert Irwin se encuentran entre sus principales referencias artísticas. Metaphase 3, una obra de 1986, puede verse en el stand H16 del pabellón 7 de IFEMA.

Beyond the Land of Minimal Possessions (2017) de Lili Reynaud-Dewar (Emanuel Layr, Viena-Roma, Austria-Italia)

Obras imprescindibles de la feria ARCO del futuro 1
Beyond the Land of Minimal Possessions (2017) de Lili Reynaud-Dewar. | Imagen cortesía de la galería Emanuel Layr

La distopía y el futuro van de la mano, así lo demuestra esta obra de la artista de performance francesa Lili Reynaud-Dewar. Beyond the Land of Minimal Possessions es una obra  de videoarte grabada en alta definición y ambientada en Marfa, Texas. Esta “comedia de terror” se centra en ocho artistas jóvenes y en apuros y habla de temas candentes como la gentrificación o la mercantilización del arte, la tierra, las ideas y la libertad. Beyond the Land of Minimal Possessions puede verse en stand H16 del pabellón 7 de IFEMA.

Sin título (2017) de Regina Giménez (Galería Ana mas projects, Barcelona, España)

Obras imprescindibles de la feria ARCO del futuro 2
Sin título (2017) de Regina Giménez. | Imagen cortesía de la galería Ana mas projects

La artista barcelonesa Regina Giménez regresa un año más a ARCO con sus globos terráqueos de la mano de la galería Ana mas projects y lo hace dentro del programa Futuro. Las pinturas y collages de Regina Giménez transitan a través de elementos obsoletos de la astronomía, la ciencia o la tecnología para trasladarnos paisajes casi abstractos que evocan soledad. Esta obra puede verse en el stand H16 del pabellón 7 de IFEMA.

Delivery Station (2017) de Teresa Solar Abboud (Galería Joan Prats, Barcelona, España)

Obras imprescindibles de la feria ARCO del futuro 3
Delivery Station (2017) de Teresa Solar Abboud. | Imagen cortesía de la galería Joan Prats

La artista madrileña Teresa Solar Abboud, que expone también estos días Cabalga cabalga cabalga en el Matadero, está presente en Futuro de la mano de la galería Joan Prats de Barcelona. Delivery Station es la obra escogida para esta sección. El trabajo de esta artista gira en torno a prácticas heterogéneas que se materializan en obras audiovisuales y escultóricas, en las que los lenguajes de ambas disciplinas se conectan e interactúan. De esta manera, Teresa Solar Abboud explora la naturaleza de estos elementos, plasmando en su trabajo su peculiar forma de percibir el mundo que la rodea. Delivery Station (2017) puede verse en el stand H16 del pabellón 7 de IFEMA.

The isle of dogs, a curse in reverse (2017) de Patricia Domínguez (Galería Patricia Ready, Santiago, Chile)

Obras imprescindibles de la feria ARCO del futuro 4
The isle of dogs, a curse in reverse (2017) de Patricia Domínguez. | Imagen cortesía de la galería Patricia Ready

La obra que presenta la artista y naturalista chilena Patricia Domínguez consiste en una instalación de gabinetes abstractos en los que la antigua iconografía precolombina coexiste con las nuevas mitologías y cosmologías alrededor de los símbolos corporativos. Esta obra podrá verse también en el stand H16 del pabellón 7 de IFEMA.

Continúa leyendo: La exposición 'Abstracto Hoy' abre sus puertas en Bajo Derecha

La exposición 'Abstracto Hoy' abre sus puertas en Bajo Derecha

Redacción TO

El op art que revolucionó la manera de observar el plano bidimensional, el surrealismo de Joan Miró y la capacidad emotiva del expresionismo abstracto de Jackson Pollock son algunas de las referencias artísticas que aún siguen inspirando a los actuales artistas contemporáneos por las posibilidades de investigación y expresión que ofrecen. En las creaciones que Juan Gerstl, Corina Höher, Paul Amundarain y Pedro Sandoval reúnen en la muestra Abstracto hoy, que puede visitarse hasta el 19 de marzo de lunes a viernes en horario de 09.00h a 21.00h y los sábados de 10.00h a 19.00h, el espectador puede encontrar alguna de estas reminiscencias y enfrentarse a la personal interpretación de cada creador del arte cinético y abstracto geométrico.

La pintora española Mayte Spínola es la artista invitada a esta exposición que se inauguró este lunes en Bajo Derecha, el nuevo estudio de Gerstl, situado en la calle Lope de Vega, 13 del madrileño Barrio de las Letras.

Abstracto hoy nace de la asociación de Bajo Derecha, el estudio que Juan Gerstl ha abierto en Madrid para ser centro de trabajo y también lugar convergencia artística y cultural para artistas, con la galería de arte contemporáneo Cerquone Projects. Fundada por Walter Cerquone en 2016 en Caracas, ha acogido siete exposiciones y ha destacado por ser un espacio con sólidos valores y proyectos culturales a favor de la divulgación e investigación del arte contemporáneo en un momento de crisis.

La exposición 'Abstracto Hoy' abre sus puertas en Bajo Derecha 1
Foto de una obra de Paul Amundarain

El elemento de convergencia conceptual entre estos cuatros artistas venezolanos que se unen en Abstracto hoy es que sus trabajos se enmarcan en la corriente del arte cinético y abstracto geométrico. Entre ellos, varían los análisis que se desprenden de sus previas investigaciones del mundo de los referentes abstractos de la percepción visual, refiriéndose a la materia física y a la cromática. Las propuestas de estos creadores venezolanos aportan resultados diferentes en sus lenguajes, que se sitúan entre lo filosófico, lo científico y lo artístico. La influencias de artistas consagrados en esta vertiente artística, como Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz Díez, Julio Le Parc, Augusto Herbin, Getulio Alviani y Víctor Vassarel se intuyen en las propuestas.

La artista venezolana afincada en Miami Corina Höher participa en la muestra con su obra Oscilation between. Höher trabaja a partir de las formas geométricas puras y varía el campo fijo de la línea segmentada monocromática deteniendo la imagen que se adquiere en un momento donde el plano se pliega. Hace desaparecer la forma pura inicial para que salga a relucir lo orgánico y presenta una reflexión sobre el mundo geométrico, deformado por el real.

Paul Amundarain, que expone actualmente en Cerquone Proyects Símbolos rotos, una muestra sobre aquello roto que no destruido en Caracas, basa su investigación de la serie Barrier en la forma geométrica pura desde sus inicios en una repetición múltiple sostenida. Este artista, cuya visión del arte está unida a la necesidad de ser una expresión contundente del momento social, parte de los cortes de material metálico dispuestos en diferentes alturas que componen redes y éstas generan una necesidad táctil de carácter acumulativo.

Las propuestas de Juan Gerstl se titulan Bahama Mamma y Aires de Madrid. El artista venezolano afincado en Madrid, al que podría considerarse como el más ortodoxo de los cuatro, cede su estudio para esta muestra colectiva en la que él exhibe los resultados de su propuesta, influida directamente por Víctor Vasarely y Kazimir Malevich. Gerstl utiliza el plexiglás para componer la sensación de movimiento a través de la interposición espacial que le permite este material. El efecto de volumen lo consigue también a través del color y del estudio de la incidencia lumínica en las estructuras geométricas que parten del plano rectangular. Torre de Hérculess es la obra que aporta a la exposición el artista venezolano también afincado en Madrid Pedro Sandoval. Como creador, el artista parte del rango formal geométrico y alcanza la informalidad de la mancha y el sentimiento de la expresión cromática pura. Color y acción propios del expresionismo abstracto a los que Sandoval añade premisas repetitivas para generar sensación de saturación óptica y desbordar emocionalmente al espectador.

El historiador del arte Gabriel Guevara Jurado es el comisario de Abstracto hoy, en la que la pintora española Mayte Spínola, cuya trayectoria artística se caracteriza por su profunda admiración a la genialidad de Joan Miró, participa como invitada con su obra Espacio Penta 1.

TOP