Eduardo Cabra: "'Trending Tropics' es un junkie hablándote de su adicción"

Conversamos con Eduardo Cabra, aka ‘Visitante’ de Calle 13, acerca de Trending Tropics, el proyecto musical / taller de producción que ha desarrollado junto a Vicente García, en el que colaboran músicos como Li Saumet de Bomba Estéreo, Ziggy Marley, Ana Tijoux, Frank Báez, y Pucho y Guille de Vetusta Morla, y que estarán presentando el 22 y el 24 de octubre en Barcelona y Madrid respectivamente. 

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Son las 11 de la mañana de España. Eduardo Cabra, Jesús Gómez y Elle, acaban de aterrizar provenientes de Nueva York hace menos de 5 horas, tienen algo de jetlag. Cada uno va a lo suyo. Eduardo recupera la lucidez poco a poco mientras apura su segundo café y se prepara para una serie de entrevistas. Elle, el robot—sí, hay un robot en esta historia— aún no recibe su respectiva descarga eléctrica y se mantiene en off, soñando con ovejas eléctricas. Finalmente, Jesús, el artista plástico encargado de la creación de Elle —»Jesús, el creador», pienso, qué cosa ¿no?—ensambla los brazos de Elle mientras nos presentamos y sigue dándole vuelvas a los ajustes propios del cambio de corriente.

«Elle es un robot latino», me explican.

Y sí, Elle es un robot latino que aún no despierta, pero es muchísimo más. Elle es la pieza más llamativa de Trending Tropics, el nuevo proyecto musical de Eduardo Cabra y Vicente García. Elle es también arte, es un manifiesto, es un poco burla y también provocación, es un avatar, es un chiste interno, es «ella» en francés, pero se pronuncia «él», como la letra «L» en inglés. Elle es la ausencia de género en la era de la identidad, es la ausencia de rostro en la era del selfie, es la representación de un ideal de futuro que vino, se fue y nos ha dejado este presente fallido que nadie imaginó.

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Eduardo Cabra, en este punto de la vida necesita pocas introducciones, es una estrella de música latina, reconocido internacionalmente por su trayectoria con ‘Calle 13’ y por los 28 premios GRAMMY y Latin GRAMMY combinados que lleva a cuestas (no literalmente). Vicente García, por su parte ha sido ganador de “Mejor Nuevo Artista Latino” en los premios GRAMMY Latino y es el partner-in-crime de Cabra en este proyecto que además de un disco, es una propuesta plástica, conceptual, artística y un taller de producción. En una palabra: un «tripeo».

Para los no latinos que estén leyendo esto, «tripeo» es un término que se debe entender como «joda», como algo que disfrutas, que te hace feliz (piensen que viene del inglés «trip», un «viaje» pero en el sentido en el que te puede llevar a viajar Timothy Leary).

Para que se hagan una mejor idea de cómo es Elle cuando está «on», los Trending Tropics acompañados de Kacho López como director, lanzaron el videoclip de «Elintelné», el primer single del álbum, hace un mes. Pocas tarjetas de presentación pueden ser tan integrales. Este vídeo se ilustran las premisas más fundamentales de este redondo proyecto: Elle, es medio y mensaje, y los ritmos afrocaribeños, el soundtrack. Raíces y tecnología, mezcladas y potenciadas.

El tono de la comunicación es el humor y no la crítica, aquí nadie está predicando, juzgando o cuestionando, todos los involucrados se declaran adictos. Trending Tropics es un proyecto que fluye alejándose de los clichés y las fórmulas que rodean ahora a la música latina… y en realidad a la música en general.

Es además un proyecto colaborativo, que involucró un proceso de producción bastante peculiar el que se nota que tanto Cabra como García hilaron fino y no dejaron ningún detalle al azar, y desde su nombre hasta su puesta en escena innovadora y vanguardista, prometen dejarnos pensando y bailando. Tal vez más lo segundo que lo primero… y también viceversa.

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Tal vez lo más «tripa» de Trending Tropics es que cada una de sus canciones es el resultado de un taller de producción en el que han participado varios músicos, vocalistas e instrumentistas, entre ellos el legendario guitarrista de David Bowie, Carlos Alomar, Ziggy Marley, Pucho y Guille (miembros de Vetusta Morla), Ana Tijoux, Riccie Oriach, Li Saumet (Bomba Estéreo) iLe, Amayo (de Antibalas), Acentoho y Wiso G, entre otros.

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A continuación la conversación trasnochada que sostuvimos bajo los efectos del jetlag. ¿Sabían que la vigilia prolongada de 24 horas equivale a tener 0,1% de alcohol en la sangre que es más del máximo permitido para conducir en la mayoría de los países? Bueno, ahora ya saben que los niños y los humanos con jetlag siempre dicen la verdad. Elle, por su parte, permaneció en silencio durante toda la entrevista.

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Trending Tropics como proyecto, está francamente redondo, pero cómo llegaron hasta ahí… ¿cuál fue el germen de la idea, si es que hubo alguno?

Vicente García y yo, invertimos muchísimo tiempo en joder con la idea de la propuesta, en tripearse, vacilarse la propuesta y las ideas iban llegando, todo iba sumando. Todo empezó por el asunto de la música. Estaba claro que queríamos mezclar el folclore con el asunto electrónico, y desde un principio también estaba clara la idea de que no existiera la figura de un cantante principal. Mientras fue avanzando la cosa se fue consolidando la idea de que «el futuro ya pasó», de que vivimos una realidad distorsionada, de que queríamos hacer «música sin rostro en la era del selfie«, y empezamos a joder con la relación actual que tenemos con la tecnología. Todo empezó entonces a unirse con el nombre, que le suma a la propuesta: Trending Tropics, otra joda que involucra a las redes sociales. Y finalmente está el robot que está representando a las colaboraciones en el disco, pero que también es una dependencia de la banda a este aparato electrónico, cosa que también representa nuestra dependencia actual a la tecnología.

«El futuro ha pasado, el cielo se pixeló, todos se desconectaron.» — Alabao, feat. Canelón de Timbiqui 

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¿Y cómo saltaron de «experiencia colaborativa que toque la dependencia tecnológica» a «tenemos el robot y se llama Elle»?

El robot fue una idea que le comuniqué a Jesús Gómez y es «custom-made» (hecho a medida). Es el trabajo de artistas plásticos puertorriqueños quienes lo trabajaron. Ahí tú ves un trabajo de 6 meses. Muchas cosas fueron armándose de manera simultánea y y al final, fluyó. Se le ha dado mucha cabeza.

Es importante destacar que Trending Tropics promueve el debate por el lado del tripeo, esto no es ninguna crítica, yo soy súper adicto y dependiente de la tecnología, y la música, la manera en la que trabajamos en los estudios de grabación es como si estuviéramos en el Millenium Falcon, eso está lleno de aparatos tecnológicos, y la computadora es la que documenta todas las ideas que nacen en el estudio. Sería ridículo hacer «preaching» (predicar).

¿Cómo fue el proceso colaborativo? ¿Les dieron un brief a los artistas o lo trabajaron todo juntos desde el comienzo?

Lo que intentamos en el disco fue de quedarnos en un territorio neutro. De hecho eso fue un desafío de producción, son diez colaboraciones e intentamos que todas esas colaboraciones transitaran más o menos el mismo camino, con más o menos el mismo tono.

Cada proceso fue diferente. En el tema de Ana Tijoux, ‘Silicon Love’, por ejemplo, Vicente y yo habíamos leído la noticia de que en Japón algunos hombres estaban dejando sus vidas y sus familias para irse a convivir con una muñeca de silicona. Entonces, yo me fui a Chile, me senté con Ana y le dije, «oye, queremos que este sea el tema de la canción». Pasamos todo un día hablando, y al día siguiente empezó a salir la canción. En este caso hubo mucho debate.

Con la canción de ‘La muerte de la muerte’ fue lo mismo, ese tema cuenta cómo la ciencia está buscando la manera de matar a la muerte y de ser inmortales. Había una pauta. En el caso de la canción de ‘Reasons to Fight’, fue diferente, ya Vicente había escrito la mitad de la canción y Ziggy nos envió su parte. Y en el caso de Vetusta, Vicente y yo vinimos para acá para colaborar con ellos, y la sacamos. En casi todos los casos estuvimos presentes.

¿Por qué eligieron a estos 10 artistas en particular?

Cuando pensamos en la música, los artistas que le tenían que dar vida a las canciones nos ‘sonaban’ y los buscamos y los tratamos de conectar. Hay una admiración por cada uno de los colaboradores y de ahí que los buscáramos, no lo hicimos por una cuestión estratégica, que es algo que está pasando mucho últimamente, por mercado, por followers… estas colaboraciones en cambio surgen de la admiración por cada uno de los artistas y porque pensábamos que podíamos hacer algo chévere con ellos.

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En una pieza del New York Times hacías referencia a que en la era digital se está reenfocando el papel del productor musical, ¿a qué te refieres? ¿Cómo ha cambiado en el rol del productor musical?

Pues ahora en la música uno tiene que ejercer varios roles, que es algo que está chévere, a mi me gusta, pero es exigente. En el mismo Calle 13 yo era compositor, productor, director musical, músico y también tenía que defender las propuestas y todo se está moviendo para eso… y uno se vuelve más loco también.

Cuando he ejercido el rol de productor, en cualquiera de los discos que produje en los últimos años, a mi también me gusta que el artista se involucre en el lado de la producción. Por dos razones, porque hace al artista con el que estoy colaborando más responsable de la propuesta global y también uno agarra más información de la persona, uno está trabajando para satisfacer la necesidad de ese otro proyecto. Es menos jerárquica esta etapa de la «producción multitasking«.

También a nivel producción en los últimos años, también se ha visto que los productores están moviendo sus propuestas; está Major Lazer que es un grupo de productores, Mark Ronson también que hace discos de colaboraciones, y al final, si lo ves en contexto, nuestra propuesta no es tan ‘awkward’ (rara), parece ‘awkward’ que el cantante sea un robot, pero hay muchas propuestas de producción que llevan ya unos años.

Sí es una propuesta de producción pero yo sí veo curioso o peculiar dos cosas: la primera el hecho de componer para que interprete un robot, y la segunda es que justamente eso le agrega una capa más de significado, el hecho de que un robot me hable de la muerte de la muerte…

Hay un layer (capa), sí. Pero igual si te pones a pensar, las propuestas de los DJs tiene algo de eso, porque al final es una máquina que está tirando la música, es un humano detrás de una máquina.

Pero hay un humano, ustedes de alguna manera sustraen ese elemento de la ecuación. Tal vez cuando empezamos a asistir a DJ-Sets era raro, pero ahora es completamente normal…

Bueno, pero aquí hay cinco humanos detrás del robot. Está la banda detrás. Al final la puesta en escena representa también la dependencia a la tecnología. Cuando está el robot en el escenario, yo siento un cierto grado de confort, que esté esa máquina ahí resolviendo el problema del cantante.

¿Y ya lo han probado?

Bueno, hicimos un ensayo con público en Puerto Rico e hicimos una presentación en Central Park en NYC y el robot fue fail (un fallo). El robot no quiso cooperar. Pero esta versión es la 2.5. Hubo una versión 1, y esa versión 1 duró segundos en el escenario en Puerto Rico. Se hizo una versión 2, y a esa versión la cogió TSA (Transportation Security Administration, el equivalente de Aduanas en Estados Unidos) en el aeropuerto y la desconectó y la desarmó. Nos dimos cuenta cuando abrimos la maleta. Nosotros tenemos que viajar con un mapa, una carta del Museo de Arte Contemporáneo en Puerto Rico para que sepan que es una pieza de arte. Pero ya está todo en orden.

¿Y qué particularidad se le dará a cada toque en vivo? ¿Está ‘programada’ la espontaneidad?

Bueno, habrá un momento en el que yo me voy a comunicar con los humanos (risas). Me comunicaré con los humanos, sí y además está la presencia de la banda, hay una banda con batería, con una corista… creo que el elemento de la corista es importante porque es la corista del robot, empodera el concepto a este personaje.

Creo que está bien aclarar que de hecho si nosotros llamamos a esta pieza «robot» las expectativas tal vez crezcan. Cuando tu dices la palabra robot, tú piensas en algo que te va a resolver la vida, pero si lo ves como una pieza artística que es lo que realmente es, tendrás una visión más cercana a la realidad. Por ahí prefiero que se vea y que la gente entienda lo del robot, como una pieza que estará en el medio del escenario, representando a este grupo de cantantes, y que va a tener movimiento. Es un aparato custom (hecho a medida) y la tecnología juega un papel súper importante pero es también un poco fail (fallida).

A mi me vuela la cabeza que estoy seguro que cuando el robot esté en el medio del escenario y estemos todos tocando, lo primero que la gente va a hacer es coger su teléfono y empezar a grabar el show. Viendo una pantalla a través de una pantalla. Inception. Toda la mierda que se va a formar en el «en vivo» es fascinante.

Como público esperas que desempeñemos nuestro papel a la perfección ¿no?

Mi predicción es que la gente no va a mirar a los humanos. La gente va a mirar a esa cosa que está en el medio del escenario, con luces, y con una pantalla. Entonces, estás todo el día pegado en una pantalla, para ir a la noche a un show a ver otra pantalla, y probablemente lo hagas a través de una pantalla. Por eso es que no tenemos que decir más nada. Por eso no hay necesidad de hacer un «preaching» (predicar). Para nosotros esto va a ser un chiste interno y nos lo veamos a tripear.

 

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Música sin rostro en la Era Del Selfie. #TrendingTropics 19.10.18 // Pre-Save: Link en bío.

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Es interesante que en la propuesta de Trending Tropics no haya sutilezas, todo el cuestionamiento y la ironía está muy bien escenificado, incluso el rol del espectador.

Sí, está muy «in your face» (en tu cara). Como te dije, la propuesta se fue desarrollando de esa manera, está «in your face» pero a su vez, pero no es aleccionadora. Me jugaría en contra si de repente entrara en un papel de crítico, sería hipócrita porque yo soy igual de adicto. Trending Tropics, es como un junkie hablándote de su adicción, nada más.

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El disco de Trending Tropics salió a la venta el viernes 19 de octubre, y en España podremos disfrutar de primerísimos de esta propuesta. La cosa es en Barcelona, el 22 de octubre en la Sala Apolo, y en Madrid el 24 de octubre, en la Sala Cool. «Espero que se tripeen este tripeo», añade Cabra, «no tenemos demasiadas expectativas, pero si creemos que está bien tirarlo, porque ahora que toda la música suena más o menos igual, es precisamente cuando el terreno está fértil para una propuesta ‘awkward'».