Bruce Davidson: la mirada humanista

Para Bruce Davidson una fotografía no era una imagen fija enmarcada en el instante que fue captada. Sus fotografías eran engranajes de una historia, elementos indivisibles para entender el relato que pretendía dar a conocer.

Bruce Davidson (1933, Chicago) se considera a sí mismo un fotógrafo humanista, es decir, su obra se entiende como confluencia entre el mundo y el fotógrafo, y revela su percepción de lo que le rodea, su voluntad y su sistema de valores. Gran parte de su obra se centra en entornos marginales, perdedores, gente que no había tenido visibilidad en el mundo de la fotografía. Ese entorno, a priori adverso, es capaz de despojarse de toda hostilidad para mostrarse sin reservas frente al objetivo de Davidson, que no invade, sino que dispara a discreción. Lo que caracteriza a su diversa obra es el compromiso ético con los entornos en los que trabaja, lo que le lleva a convivir durante meses, e incluso años, con las comunidades marginales hasta llegar a establecer ese clima de confianza que le permite fotografiar ambientes a los que nunca antes un fotógrafo había podido acceder. De ahí que su trabajo sea indivisible. De ahí que las fotografías de Davidson signifiquen más cuando se agrupan y se observa la serie fotográfica.

Todo comenzó en 1943, cuando se monta a los 10 años de edad su propio cuarto en el armario del sótano. Con su primera cámara Falcon 127, regalada por su padre, y un par de carretes empezó a retratar Oak Park, su barrio en el oeste de Chicago, con la visión personal que ha marcado toda su obra. Ese estilo único, unido a su interés por las luchas y los éxitos de las personas a las que fotografía, hacen que su obra ofrezca una perspectiva singular de la evolución de la sociedad del siglo XX, en particular en Estados Unidos.

Para concebir en su totalidad la obra de Bruce Davidson hasta enero de 2017 la Fundación MAPFRE acoge en su sala de Madrid (Paseo de Recoletos, 23) la mayor retrospectiva en España del fotógrafo estadounidense. Organizada con la colaboración de Magnum Photos, agencia de la cual fue miembro, la retrospectiva plantea un recorrido por la larga trayectoria del artista mostrando al visitante algunas de sus series más célebres, como Brooklyn Gang, East 100th Street o Time of Change: Civil Rights Movement; junto a sus últimos trabajos, Nature of Paris y Nature of Los Ángeles.

En concreto, la muestra se adentra en 12 series, que recogen gran parte del viaje vital de Bruce Davidson: desde las tensiones sociales en Inglaterra a los mineros de Gales, de las bandas callejeras de Brooklyn a la lucha de los derechos humanos en Estados Unidos o la dureza de la vida en Harlem. Hasta llegar a las dos últimas décadas de su carrera donde el fotógrafo se ha centrado en la naturaleza.

Intimista y nada sensacionalista

La primera parada de la exposición se detiene en 1955 con la serie Los Wall, dos ancianos (John y Kate) a los que conoció en Arizona, donde hacía el servicio militar. El matrimonio le brindó su casa durante los fines de semana de permiso. Este trabajo destaca por el delicado acercamiento a los planos más íntimos del matrimonio. El espectador puede observar la unión del paso del tiempo narrada a través de sus momentos más cotidianos.

Esa cotidianidad narrativa también define su siguiente obra, La viuda de Montmartre (1956). Un año más tarde de los Wall, Davidson fue destinado a un campamento militar aliado cercano a París, donde conoció a Madame Margaret Fauché, viuda de un pintor impresionista de segunda fila. La retrató durante meses rodeada de los cuadros de su marido, en una especie de impasse para envolver el presente de pasado y recuerdos.

Ya como profesional, recién incorporado a la agencia Magnum, Bruce Davidson realizó una de sus principales series: El enano (1958). El protagonista de esta serie es Jimmy Armstrong, un enano que trabajaba como payaso en el Circo Clyde Beatty, uno de los más importantes de Estados Unidos. No se trata de un trabajo para mostrar la espectacularidad del mundo circense, sino que retrata todo lo que no se ve tras las carpas, las luces, el maquillaje y los focos.

Una mirada sin prejuicios

Una de sus primeras series con un alto contenido social fue la de Bandas de Brooklyn, de 1959. Davidson logró ganarse la confianza de unas peligrosas pandillas callejeras, con las que convivió y a las que retrató con una mirada sin prejuicios que logró como resultado escenas repletas de naturalidad. Una de las imágenes sirvió para ilustrar el disco de Together through life, de Bob Dylan, publicado en 2009.

Manteniendo el espíritu intimista con la pretensión de visibilizar a los invisibles de una sociedad tan diversa como la norteamericana, surge una de sus series más conocidas: Calle 100 este (1966-1968). En este proyecto se adentra en los suburbios de Harlem, un barrio que se convirtió en un gueto de negros e hispanos donde consiguió adentrarse hasta lo más íntimo. Las imágenes no apelan a la sensibilidad del espectador, sino más bien a su conciencia. Las imágenes no muestran pena y marginalidad con una intención sensacionalista. Los retratos proyectan la mirada desafiante y contundente de sus protagonistas, como queriendo decir “aquí estoy y estoy orgulloso de quién soy”.

También inmortalizó un momento clave en la historia social de Estados Unidos, como fueron los ‘Viajes a la libertad’ de Alabama a Missippi, una iniciativa de jóvenes activistas multirraciales que luchaban contra la segregación racial. Un viaje vitalista e histórico que fue recogido en su serie Tiempo de cambio (1961-1965).

En la exposición también se encuentra su trabajo en España. En los 60 estuvo en Málaga y Almería para cubrir el rodaje de Mando perdido, la película bélica protagonizada por Anthony Quinn y Alain Delon. Su mirada humanista le hizo alejarse del rodaje para retratar a los habitantes de La Chanca, una zona marginal de Almería.

Sin duda, una de las ciudades más exploradas por Davidson fue Nueva York, a la que dedica series sobre el Metro, Central Park o la cafetería Garden, donde conoció a un grupo de judíos, supervivientes del Holocausto, que le contaban sus terribles historias.

La naturaleza suple a la persona

Ya en sus últimos trabajos obvia a la persona para centrarse en el entorno. Entre 1992 y 1995, se enfoca en Central Park en un momento de tremenda evolución, que pasó de ser un lugar peligroso a convertirse en un apacible pulmón verde en mitad de Manhattan.

La exposición se cierra con dos de sus últimos trabajos, centrados en la naturaleza de dos ciudades: París (Nature of Paris) y Los Ángeles (Nature of Los Ángeles). Una serie que refleja como lo natural se amolda a la urbe de estas dos grandes ciudades.