Miguel Leiro busca con su plataforma Mayrit visibilizar a diseñadores que innoven

Mayrit Bienal de Diseño y Arquitectura, presenta el programa de su última edición. Su director Miguel Leiro, nos cuenta sobre las exposiciones, los talleres y los workshops que realizarán. La plataforma que tiene como objetivo destacar el diseño contemporáneo joven y experimental, plantea bajo el título Wet Dreams, un marco teórico enfocado en el «disoñar» como criterio de creación. 

Es una plataforma bienal con el objetivo de destacar a España como lugar de creación joven experimental a nivel global con especial interés en las prácticas ligadas al diseño contemporáneo.

THE OBJECTIVE se reúne con el diseñador Miguel Leiro, director y fundador de Mayrit, plataforma bienal de diseño y arquitectura. Lo encontramos en D.F, inmerso en un proyecto de muebles de piedra, para el que está diseñando una mesa de comedor y un recibidor. «La empresa es de Guadalajara, tienen un expertise increíble, pese a que trabajar con piedra es muy complejo, por su dureza y fragilidad, hay que saber encontrar los puntos de gravedad para crear algo productivo y que no se rompa», nos cuenta.

PREGUNTA.- México se ha convertido en un punto de encuentro de artistas y coleccionistas gracias a Zona MACO, la industria del diseño también pasa por su mejor momento…

RESPUESTA.- Hay varios elementos que lo han hecho posible. Por un lado, está la inversión americana que valoran el diseño y los beneficios que aporta a la vida, o a lo que ellos llaman lifestyle. Las empresas entienden muy bien su mercado y no sólo el industrial, también el más independiente, como puede ser el mío, hay un gran contexto para producir y hay muchas oportunidades. Por otra parte, el diseño en México es pura personalidad, tienen tradición, humor y desparpajo, tiene que ver con su idiosincrasia, su forma de vivir, es muy especial. La especulación y la gentrificación es el otro lado de la moneda, pero es lo que suele ocurrir cuando hay tanta demanda.

P.- Trabajó y estudió en Nueva York, ¿cómo fue la vuelta a España?

R.- Yo nací en Galicia, pero me crie en Nueva York y luego hice la carrera de Diseño Industrial en Pratt Institute. La escuela es muy buena porque tiene muchos talleres, son muy de trabajar con la materia y producir los proyectos para que se llevan a cabo. Cuando regresé a España trabajé en el estudio de Jaime Hayón en Valencia, fue un cambio muy drástico, porque ya me había acostumbrado al sistema americano. Estados Unidos y Europa tienen una manera muy distinta de entender el diseño. Los americanos lo conciben de una forma muy ligada a la empresa y al corporativismo. Los europeos, en cambio, lo viven como algo más personal y en torno a la cultura del proyecto. 

P.- Civitá, uno de sus proyectos más icónicos lo desarrolló durante la Beca de la Real Academia de España en Roma…

R.- Sí fue la creación de veinticuatro piezas de comedor, una reivindicación de los banquetes de la antigua Roma. Civitá nace de un interés por acercarme al diseño desde una noción más arqueológica o desde un aspecto más historicista. Se expuso en la Academia de España en Roma y luego en la Academia de San Fernando en Madrid. Para diseñar muchas veces parto de la observación de los objetos que nos rodean y revisando la historia para crear futuros distintos.

P.- Es también el caso de su pieza Reliquary, que además introduce un elemento místico en su diseño…

R.- El diseño implica una escala más personal que la arquitectura. Creo que lo místico, en el caso del gabinete Reliquary, también tiene que ver con revisar la historia para introducir referencias nuevas al mundo del diseño. Me interesa buscar nuevas tipologías, antes que inspirarme en auto referencias. En este caso me fijé en los relicarios como esos objetos sagrados que, además, necesitan de un espacio compartimental que los almacene. 

P.- Su primer proyecto curatorial fue Errata: Books Do Clutter a Room, presentada en la librería Mast Book de Nueva York…

R.- Fue una exposición sobre el universo del libro, pedimos a diseñadores que reinterpreten el concepto del libro y que diseñasen distintos productos que ofrecieran otras maneras de interpretar o consumir el objeto. Participó Pablo Alabau, Tomás Alonso, Colectivo la Cosa, Sara Regal, entre otros.  Cada uno proponía un método para presentar, mantener y acceder al uso de los libros, con una marcada vocación experimental. 

P.- ¿Cómo nace la idea de fundar la bienal Mayrit?

R.- Con Víctor Torrente en 2020 creamos un festival de diseño joven en Madrid, lo producimos creando diez exposiciones en diez días. Vimos que existía un gran interés por parte de instituciones y prensa por el diseño español. Faltaban plataformas que acercaran al diseño, con una mayor infraestructura y rigor curatorial, porque talento había de sobra. Desde un inicio, quisimos dar mayor visibilidad a diseñadores independientes, que trabajasen con nuevas formas de entender la disciplina y de conceptualizar. Luego el festival lo transformamos en la Bienal, para trabajar con otros curadores invitados y crear marcos teóricos para teorizar sobre el diseño y la arquitectura contemporánea. 

P.- El manifiesto plantea el elemento «radical» como un aspecto fundamental de Mayrit…

R.- Sí, sobre todo desde su origen etimológico, donde «radicalis» tiene que ver con lo relativo a la raíz o a las raíces. Es algo que nos interesa encontrar en el propio diseño español y en la forma de entender nuestra identidad. También está en la idea de dirigirnos a las raíces para romper o intentar innovar en el contenido y en las formas de exponer e investigar como equipo. Nosotros no somos una empresa, somos una asociación sin ánimos de lucro, así que intentamos mantener las raíces sólidas para ir creciendo.

P.- ¿Cuáles son los temas relacionados al diseño y la arquitectura que les interesa abordar de manera urgente? 

R.- A nivel institucional, es muy importante plantear cómo se introduce el diseño en sus políticas. En lo urbano o arquitectónico vemos que existen vacíos en cuanto a proyectos comunitarios o sociales. Desde Mayrit trabajamos el diseño comunitario desde la noción de lo colectivo, no de manera individualista porque queremos abarcar el universo cívico. Nos interesan exponer proyectos como lo fue Terraceo de Lucas Muñoz, quien utilizó mobiliario de terrazas de Madrid, para crear una cancha de futbol y tribunas para el público en Tetuán. Apostamos por ideas prácticas que puedan tener un gran impacto social. 

P.- El título de la bienal es Wet Dreams. ¿Por qué se eligió esta temática?

R.- Wet Dreams es el título de esta edición y también de la muestra homónima que se presenta en CentroCentro desde el 9 de marzo. La temática tiene que ver con la idea de diseñar desde el deseo, para plantear futuros distintos. El concepto de «disoñar» o unir el sueño y el diseño, es fundamental en esta edición. Es darle la vuelta a la idea de crear para resolver una problemática. La edición anterior se tituló The Drowned World(s), tomando el nombre de la novela de ciencia ficción de J.G. Ballard, que mostraba un mundo inundado y las profundas implicaciones del tiempo y el espacio.  Era una temática más distópica. Por ello esta vez le hemos querido dar una vuelta más positivista, menos post Covid. 

P.- ¿Con qué invitados han trabajado en esta edición?

R.- Como curadora principal está Marina Otero, que es arquitecta y directora del programa de Maestría en Diseño Social de la Design Academy Eindhoven. Ha liderado iniciativas centradas en el trabajo, la extracción y la salud mental desde una perspectiva arquitectónica y post-antropocéntrica. También trabajamos con Cecilia Mosze quien presentará su propuesta en Media Lab Matadero. Su trabajo se centra en la interacción de la ciencia, la tecnología y el diseño, centrándose en investigar lo desconocido para abordar el futuro. El proyecto de Hyperstudio lo veremos en el Museo Nacional de Artes Decorativas, donde presentarán una experiencia interactiva relacionando lo físico con lo virtual. También contaremos con la participación de Common Accounts, la oficina conceptual de arquitectura y de diseño de Toronto, dirigida por Igor Bragado y Miles Gertler. Tendremos casi 90 participantes y 17 exposiciones además de intervenciones y activaciones, Mayrit se inagura el 22 de mayo, pero sus actividades se prolongarán hasta agosto de este año.