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Cultura

Los siete documentales de arte contemporáneo que no puedes perderte

Regresa Dart, un festival pionero en España a la hora de programar cine documental dedicado exclusivamente al arte contemporáneo

Los siete documentales de arte contemporáneo que no puedes perderte

Cartel del festival Dart 2022 | Cartel.

Este año Dart, el festival de cine documental sobre arte contemporáneo, cumple seis años y lo hace con una programación de 23 títulos, 12 de los cuales son estrenos absolutos en España. El festival nació con unos valores bien definidos: «faltaba un lugar donde se pudiera educar y formar al público general en el arte contemporáneo. Queremos que la gente le pierda el miedo al arte contemporáneo», apunta Enrichetta Cardinale, una de las directoras de la cita. El respeto que en ocasiones dan los museos, fundaciones y galerías se diluye en el formato audiovisual, pues este «permite poder educarte en un contexto alternativo al habitual».

El festival ofrecerá su programación presencial en la Sala Phenomena, Cinemes Girona y en el MACBA de Barcelona del 24 al 30 de noviembre. Para el formato digital Dart cuenta con un canal propio en Filmin que estará disponible hasta el 11 de diciembre. Esta edición cuenta con una gran cantidad de documentales de artistas nacionales como Ignasi Aballí, cuyo estreno coincide con la clausura de la Bienal de Venecia, Elena Asins, Esther Ferrer o Isidoro Valcárcel Medina, y con registros audiovisuales de figuras internacionales de la talla de Tania Bruguera, Cecil Beaton, Leonora Carrington, Keith Haring o Christian Boltansky.

Desde su nacimiento hace ahora seis años el festival ha ido creciendo en su programación y ha pasado de proyectar 13 películas a contar con un total de 23. «Algunos son estrenos absolutos en España. Otros se han podido ver en otros lugares pero cumplen con la idea de hacer una programación coherente que traiga el cosmos del arte a un festival de cine», sostiene Cardinale. Lo importante en el caso de Dart, arguye, es que no se dirigen a un solo tipo de audiencia sino que llevan el nicho del arte a un espacio mucho más amplio como es el cine, espacio en el que se pueden «crear nuevas audiencias». 

Si bien en 2019, año de la prepandemia, consiguieron que más de 4.000 personas visitaran los cines donde se proyectaban los documentales, y en Filmin alcanzaron las 80.000 reproducciones, este año esperan superar esas cifras. 

Conscientes de que no podemos ver todos los documentales programados para esta edición, seleccionamos siete que creemos que no deberías perderte.

Mapplethorpe: Look at the Pictures

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No es exagerado decir que con su fotografía Robert Mapplethorpe revolucionó el mercado del arte. Hasta su irrupción, los precios de la fotografía no llegaban a los niveles de la pintura o la escultura. Mapplethorpe se movía entre el pop, el rock y los circuitos alternativos y no han sido pocas las polémicas que han suscitado sus imágenes. En este documental Fenton Bailey y Randy Barbato analizan su vida y su arte haciendo hincapié no solo en su faceta como fotógrafo controvertido, sino señalando las sombras ante el éxito, como el egocentrismo que lo confrontó con su propio hermano o la fuerte ambición por convertirse en una celebridad. Actualmente, la Galería Elvira González dedica una exposición a este artista que no solo retrató desnudos sino también flores, como se puede ver en esta cinta que se adentra en su proceso creativo. 

Hondalea: Abismo Marino’, de Cristina Iglesias

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Hondalea es el título de la instalación de Cristina Iglesias en el faro de Santa Clara, isla que jalona la bahía de Donostia. Allí, dentro de la casa del faro vaciada, la artista ha instalado una escultura que emula la geología y la ecología de la costa vasca. El sonido, sin duda, recuerda a la bravura de las aguas del océano de la zona. Entrar allí es sentirse dentro del mar apabullado por una experiencia profunda. Hondalea: Abismo Marino es un documental de 62 minutos filmado por Asier Altuna en el que se da a conocer el proceso de construcción de una de las obras más importantes de Iglesias. «Es un lugar donde tienes una experiencia. Por un lado, nos puede ayudar a entender el mundo pero la obra no te lo explica, te abre puertas para abrirte al mundo, a otros paisajes», afirma la artista en este metraje. 

Lucian Freud (A Self Portrait)

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«Quería impresionar y sorprender», escuchamos decir a Lucian Freud, sin duda, uno de los artistas más particulares del siglo XX. Es el pintor de la carne, un creador que hacía posar a sus retratados durante horas. Para el nieto de Sigmund Freud el arte estaba por encima de todo. El próximo 8 de diciembre se cumplen cien años del nacimiento de Freud y con motivo de la celebración la National Gallery de Londres inauguró una exposición retrospectiva que en febrero de 2023 recalará en el Museo Thyssen-Bornemisza. Este documental de David Bickerstaff se estrena ahora en España con motivo de Dart y toma sus autorretratos como hilo conductor. De esta manera, el director va narrando la trayectoria de un pintor que capturó el cuerpo desnudo como nadie y logró capturar la psicología de sus retratados con coherencia y visceralidad.

Pacha – Una película con la comunidad de Aerocene de la serie Fly with Aerocene Pacha’, de Tomás Saraceno con Maximiliano Laina

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La obra de Tomás Saraceno desafía al espectador a través de su tamaño y de sus materiales. En este documental dirigido por Maximiliano Laina y Gabriela Sorbi, el artista explica su activismo medioambiental con su obra-performance. Se trata del vuelo más sostenible de la historia y un experimento de la aviación. Saraceno lleva a cabo su performance en Salinas Grandes (Argentina), un lugar en el que el cambio climático es más que tangible. Las comunidades de la zona viven de las salinas de las que ahora se extrae más litio que hace diez años. A consecuencia, los lugareños se están quedando sin sal. Volando con el mensaje «El Agua y la Vida valen más que el Litio», el globo aerosolar de Saraceno se desarrolló completamente libre de combustibles fósiles, baterías, litio, paneles solares, helio e hidrógeno. Pacha pone de relieve los testimonios transgeneracionales de las comunidades locales sobre el cambio climático y su protesta contra la explotación de la «fiebre verde»de la minería del litio.

The Melt Goes On Forever: The Art and Times of David Hammons

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Aunque ha trabajado con galerías de la talla de Hauser & Wirth o The White Cube, el artista David Hammons se considera un creador outsider porque se resiste a lo que representa el mercado del arte, el galerista o las casas de subastas. Estamos ante uno de los artistas afroamericanos, con perdón de Basquiat, más importantes del siglo y un creador singular en cuya obra encontramos una profunda crítica de la sociedad americana y el mundo del arte de élite. En The Melt Goes On Forever, Judd Tully y Harold Crooks proporcionan un tesoro de imágenes de archivo y un evocador paisaje sonoro que pintan la imagen completa de uno de los artistas más singulares de nuestro tiempo. Tanto es así que son muchos los museos que quieren dedicarle  una retrospectiva pero este se niega a avalarla. 

Art Lovers Unite!’ (con Vivienne Westwood)

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Con sus diseños Vivienne Westwood ha hecho historia. Es la diseñadora de moda que marcó la estética punk y new wave a la que todos adoraban. En este documental de Patrick J. Thomas la vemos transitar los pasillos de la Gemaeldegalerie de Berlín acompañada por el artista Dacob. En este recorrido Westwood no solo habla de su trayectoria y de su relación con la moda sino que nos revela algunos secretos de pinturas de Caravaggio, Raphael, Velázquez, Tiziano o Rembrandt. 

The Women of the Bauhaus

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En el año 2019 se celebró el centenario de la Bauhaus, la escuela que revolucionó el diseño, la arquitectura y el arte en un momento en el que todas las artes pasaban por el tamiz de la producción industrial. The Women of the Bauhaus, documental que se estrena en España en el marco de Dart, rinde homenaje a mujeres artistas como Alma Buscher, Marianne Brandt, Gunta Stöltz, Friedl Dicker o Lucia Moholy que fueron eclipsadas por sus homólogos masculinos como Walter Gropius, Kandinsky o Laszlo Moholy-Nagy. En los 44 minutos que dura la grabación de Susanne Radelhof asistimos a la revolución que marcó esta escuela impulsada por el deseo de construir una nueva sociedad basada en la igualdad de género. 

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